专访摄影指导杨茗杰：如何做好摄影的排列组合

“摄影就像是在做数学的排列组合，摄影师要用最合适的方法呈现出脚本内容。”

2016 年毕业于北京电影学院。

2015 年入行至今，进行商业广告，电影项目合作。个人风格灵活多变。

曾任摄影指导拍摄作品：Chanel 女性赋能广告片；汪峰 MV《没有人在乎》；Bilibili《说唱新世代》总视觉片；刘德华 x 抖音 宣传广告等。

回忆起在电影学院的求学经历，Ray特别感谢学校给了自由的创作空间。电影学院的老师不会把制式化的观念强加于学生。“大学时候，有很多时间看电影、看图片，接触了各形各样的东西。”从平面到动态，从理论到实践，有了这些扎实的训练和大量的积累，Ray逐渐建立起了自己的审美体系和美学观念。

从电影学院毕业后，在朋友的介绍下，Ray开始做广告导演，但可能因为从小接受的训练和思考模式比较偏向“画面思维”，Ray觉得，自己还是更擅长做摄影的工作。回顾早期的入行经历，Ray觉得，导演的经验对于摄影工作也很有帮助，最直观的，就是更加懂得换位思考了——导演有的时候会感觉孤立无援，需要在客户、制片、演员等各方人员之间抗衡和平衡，身为摄影，希望能尽量多帮导演分担一些。

接到一个案子之后，Ray通常会根据脚本开始发想画面，这部片适合用哪种风格来表现？——影调方面，是偏向low key（暗调）还是high key（亮调）？运动感方面，是偏向大幅度运镜还是相对固定机位？…… 有了初步的摄影设计构思后，Ray会从持续积累的“影像资料库”里面，寻找适合的Reference，再进一步和导演讨论，探讨具体的镜头如何拍。

“看山是山，看山不是山，看山还是山”，三种境界，层层提升。最一开始（例如普通观众），可能意识不到“摄影技法”的存在，“摄影术”缜密缝合进了影片中，随着画面一起流淌。稍微入门之后，开始拉片，逐场分析经典电影的摄影方法，持续学习。累积了较多的阅片和拍摄经验后，渐渐形成了一种“底层思维”，融会贯通各家理论和形式，（条件反射般地）高效设计出最适合的拍摄方案。同时，Ray并不会局限在特定的视觉形式，也不会固定模仿某位摄影大师的风格，他喜欢探索不同的摄影方式、器材和媒介，“我觉得，每一种风格，都有它独特的生命力。”

一、何为摄影的“视觉艺术美”？——解析《Chanel x Nowness _ 五感之谜》

问1：最近刚上线的《Chanel x Nowness 五感之谜》，侧重于视觉艺术的美感和抽象概念的表达，能否具体分享一下这部片的摄影理念？

Ray：接到案子之后，我花了很多功夫研究，怎么建立起这部片的审美体系。在和导演讨论过程中，我们得出一个共识，希望这部片的视觉角度都是“刁钻”的，用了很多“非常规”的视角，充满戏剧张力。（ Ray作品《Chanel x Nowness 五感之谜》）片中的人物造型主要可以分成以下三类：
1、刁钻角度（1）大扣：全景镜头，大俯角拍摄，让演员自己来找摄影机的位置。

（2）大仰：仰角或大仰角镜头。

（3）日常：机位在演员的后脑勺位置，模拟从演员背后观看的视角。

2、极广：用非常广的广角镜头贴近演员，把演员尽可能放在画面重心（避免边缘产生畸变），产生强烈的透视变化效果。

3、极长焦：用75mm以上的镜头，机位拉得非常远，把镜头张力运用到极致，营造出非常强烈的空间压缩感。

问2：在这部片里面，您如何通过摄影，把抽象的概念和意象具象化？

Ray：首先，需要和导演大量沟通，了解导演希望呈现出的调性。这部片的导演Curry（田咖喱）擅长视觉概念的表达，跨域录像艺术和造型设计，我提前看了Curry之前的作品，对于导演风格也有了一定的认知。其次，这也和日常的积累有关，需要有足够丰富的素材储备，比如我平常也很喜欢看一些当代艺术的作品，还有欧美的时尚摄影照片和影片，所以，在和导演沟通时候，就可以比较敏锐地做出反应，知道导演描述的是什么质感的画面，然后快速找出Reference来和导演讨论。摄影师类似司机，导演是乘客，面前可能有十条路可以走，司机要做出判断，载领乘客快速抵达目的地，这考验司机的车技，也需要司机对这个城市的道路有一定的熟悉度。摄影指导也是这样的，快速get到导演想要前往的方向，然后选取最适合的路径，在时限内安全抵达。

这部片中，导演希望传递的视觉意象主要有三个：孤单、空灵、极致。
我们选用的场景都非常大，拍摄全景时候，我尽可能拍得很辽阔，演员在画面里的占比缩得很小。

在拍摄近景的时候，会把摄影机靠得很近，拍出非常特的特写。

影片中，会把极广和极特的画面接续在一起，这种两极的转换，也是导演希望追求的“极致”的感觉。

问3：您提到关于场景的选择，片中出现了很多的自然风景，比如起了茫茫大雾的草原，这也扣连回了导演希望传递的“孤单、空灵、极致”的感觉？

Ray：做摄影师，会经历一些非常神奇、非常有意思的事情。钢琴家的段落，我们选择在北京的康熙草原拍摄，这里非常辽阔，拍摄角度很自由，即使用极广的广角镜头，也不必担心背景会出现杂乱的东西。开拍那天，我们早上4点多到达现场，草原中间放了一些提前布置好的装置，在架设器材时候，草原上起了非常大的雾（对，这是大自然给予的奇妙场景，不是我们人工放的），现场有点类似「寂静岭」的感觉，非常震撼，说真的，我从来没有在这么空旷的草原上、置身于一片茫茫大雾里面，这是大自然非常神奇的力量。在拍摄现场，视觉和身体的感受也是极致的。

片子在讲能量、时间、空间、感知、语言这五个抽象的维度，场景方面，我们选择干净、极简的场景来拍摄，希望尽可能纯粹一些，大道至简。

片子里面的一些室内场景，我们在怀柔「长城脚下的公社」拍摄，屋内没有做过多的陈设，元素非常单一，比如摆设就只有一种，颜色也统一只用同一个色系，避免有其他杂乱的东西影响主体的表现。

问4：《Chanel x Nowness 五感之谜》这条片子，摄影方面也融合了一些当代艺术的思考？

Ray：大学时候，我曾经希望成为当代艺术家，那时候看了非常多当代艺术的作品，慢慢摸到了一些诀窍。我觉得，做摄影指导，还是要多听多看多感受，持续学习。而且，需要广泛地涉猎，不能说拍广告就只看广告片，要拓宽自己的范围，从绘画、音乐、文学等多方面汲取养分，这样才能有突破。视野打开了，也可以尝试更多元的风格，不论是偏当代艺术或着偏纪录写实，都有各自适合的表现方式，所以，不停地学习，在工作中可以快速匹配出最恰当的、最极致的拍摄方式，这样就会做得非常出彩。

二、“LED大屏”如何拍出时尚感？——解析《小米Civi _ 天生好看》

问5：《小米Civi _ 天生好看》这部片的画面质感非常通透，请问如何拍出这种“空气感”？

Ray：这部片是在虚拟棚里面，用LED大屏拍摄的，效果看起来也近乎“拟真”，时尚感和质感都做得不错。（ Ray作品《小米Civi _ 天生好看》）前期时候，我们尝试过寻找实景，但当时是9月份，刚好遇到了上海的雨季，几乎不可能拍摄出这种晴天、大太阳的质感。我们也去了北京，北方的秋天相对干燥，但也没找到适合的外景或着可以搭景的场地。所以，最后才决定进棚用LED大屏来拍。当时我们卡在如何把虚拟背景拍出实景感（不要让观众看出这是在棚内拍的），我刚好看到一条俄罗斯的VLOG短片，在虚拟背景下拍摄的，我发现可能不一定要把背景处理得“完全写实”，只要有一种“真实的感觉”在里面就可以了。

在找Reference时候，我还看到了一组韩国Vogue杂志的照片，一个女孩站在天台，高傲地抬着头、看着摄影机，背景是夕阳西下的画面。我觉得这种感觉就很接近我们希望达到的“时尚感”，小米品牌方的诉求，也是希望把这条片处理得更加时尚、青春一些，而不是像平常那些模式化的手机广告。

问6：用LED大屏拍摄，这部片的打光具体是如何设计的？

Ray：当时我们选择用LED屏来拍，也决定了不需要带给观众“完全实景”的感受，但还是需要有一个接近实景的状态和环境，其实这又回到了我们为何要用LED屏来模拟阳光明媚的天气氛围——因为LED是自发光的材质，背景会发亮，人物站在屏幕前面就会有大面积的散射，这个散射接近人物在蓝天白云、艳阳高照下的视觉效果。

当时，我们在棚顶吊满了SkyPanel S60，然后用白布包起来，做出地面散射的效果，这样就完成了整个画面的散射光源。然后，我们再用2颗灯做出太阳光，模拟太阳打到人身上的感觉。灯光的部分就这样，听起来挺简单的（笑）。
设计灯光的时候，我在思考，早期拍摄时候模拟太阳光，很容易忽略了散射，只用一个很强的光源照过来（模拟阳光），但天上还有云，天空的颜色可能是蓝色，它们都有非常强的反光率，所以，如果要在棚内模拟非常逼真的日光，就要考虑到“散射”——细节还挺多的，散射的面积、不同的散射面的光比，都需要思考。

问7：品牌方希望片子更具时尚感和青春感，在摄影方面，您是如何达到这样的效果？

答：我们提前一天进棚场堪时候，大概想象了一下光的质感，希望能在时尚感基础上，增加多一些清新感、少女感，一种青春阳光的感觉——所以，我们追加出了一片1/8黑丝绒镜片。黑丝绒的镜片会让画面整体有一点泛白，带着些许毛茸茸的感觉，但也不会很重，有一种偏向法国油画的晕染感。当时在现场试了一下，大家都说拍出来的感觉满好的，于是就这样确定了整部片的调子。

运镜方面，因为希望拍出很强的青春感，我们加了很多TrinityRigs运镜和伸缩炮运镜，让整个片子的节奏感变得更快一些。

手机产品的拍摄，局部细节的画面，我们用了100mm大长焦镜头，这是从香奈儿的香水广告受到的启发。香奈儿的广告用了一条滑轨搭配100mm的镜头做快速推拉，把香水瓶拍得非常虚（能看到瓶子的轮廓）。平常拍手机产品，可能会用50mm或30mm的中焦段镜头，做一些扫光，但在这部片里面，我们希望加入一些意象化表达，做更多有意思的设计，让影片整体更具时尚感和高级感。

问8：用LED大屏拍摄，具体要如何选择屏幕？有哪些特别需要注意的地方？

Ray：拍摄这部片的时候，我们选用P1.5的LED屏，在棚内排了面积200~300平方米的虚拟背景。屏幕的选择方面，说实话，就和预算有关了。「小米」这个项目，演员距离屏幕很近，我们也希望虚拟背景尽可能不要露怯，所以就选了最高规格的P1.5的LED屏，如果降级到P2.5的屏就会出现颗粒感，再降到P3的屏就会出现频闪。主要还是取决于实际的情况，希望拍出什么样的画面。使用不同级别的屏幕，就会产生不同的画面质感。当时，制片组也和我提了LED屏能不能降级的事情，我坚定否决了——小米这条片，将近一分半钟，都要在LED屏幕前面拍摄，如果背景存在瑕疵，对于整部片的影响非常大。

但如果，在一条片子里面，虚拟背景只出现1~2秒（一闪而过），那我可能会让步，接受用稍微低配一点的LED屏幕。为了避掉频闪，可以调整叶子板（快门开角度）或快门速度；为了避掉屏幕自带的颗粒感，可以调整拍摄角度，用比较近的景别，让演员距离屏幕远一点，用长焦镜头（让背景尽可能虚化），或着在后景放大量烟雾…… LED屏幕的选择，具体还是要看虚拟背景在这部片里面的占比和重要程度。

LED大屏现在存在的问题，主要还是在于“虚拟背景”的部分——相较于真实的前景（演员/道具等），虚拟屏背景很容易显得假——毕竟投放的是素材画面，很难完全接近现实场景。身为摄影师，当然可以用一些“技巧”让背景显得没那么假，比如用长焦镜头（尽量缩减和虚化拍到的背景面积），但如果影片在这里就需要中焦或着广角镜头拍摄，那就没办法避掉了。虚拟背景是一个未来的趋势，但目前国内LED大屏还处在发展中，也许再过2~3年，更高阶的虚拟棚出现，类似美国好莱坞，面积可以达到1000~2000平方米，“虚拟背景看起来假”这个问题，可能会得到更好的解决。

三、如何拍摄明星人物？——解析《刘德华 _ 见证40年的跨越》

问9：「摄影机不能太介入，避免干扰演员表演；但也不能像纪录片一样，就只是把机器架在旁边 静默做一只“墙上的苍蝇”。」 对于摄影师而言，如何在“镜头设计感”与“再现演员表演”之间取得平衡？
Ray：一般来说，可以从以下三个角度思考。第一类：站在观众的视角，希望观众把这件事情当成真的。第二类：让观众有“沉浸感”，稍微客观一点，类似电视剧和故事长片。第三类：与观众保持距离，类似广告或着比较“炫技”的影片。基于不同的脚本、风格、内核，选择最适合的“影像与观众的距离”。（ Ray作品《刘德华 见证40年的跨越》）具体来说，第一类，类似「刘德华x抖音」这个案子，从一开始，我就想把这部片处理成“让观众觉得这件事是真的”，刘德华就在观众面前，直视镜头（打破第四面墙），真的和观众说了一段话，分享了他从影四十年来的心路历程。

第二类，让观众有“浸入感”，相对保持客观，例如电影和电视剧，运用视听语言给观众呈现一个很明确的故事。这时候，摄影不是最主要的，只是给予“浸入感”的元素。演员才是最关键的。摄影师需要尊重演员的工作，给予演员充分的表演空间，摄影机要尽可能客观地呈现演员的表演。第三类，和观众保持距离感，类似大多数的广告。通常，广告并不会要求演员呈现出“让观众有浸入感”的表演，更多的可能是视觉技法的展现，也可以说就是在呈现一些“奇观”。所以，这时候，摄影就变成了整个审美体系里最重要的元素，可以让摄影机去无限接近演员（即使干扰演员表演也没关系），确保捕捉到最具冲击性的画面，通过摄影的“炫技”来营造出视觉层面的张力。

问10：《刘德华 见证40年的跨越》看起来“简单”，却非常有“震撼力”，发布当天上了热搜，收到非常多的好评。能否以这部片子为例，具体分析一下，如何拍摄明星人物？

Ray：这个案子的导演(李伟豪)和我有过多次合作，当时看完文案之后，我们讨论，觉得这部片最好的呈现手法就是“让演员主导节奏”，用“镜头内的节奏”来推动，而不是在镜头外找节奏。具体来说，就是这部片是固定机位、一镜到底，不是靠剪辑或着变换机位、用一些很刁钻的角度来推进节奏，因为我觉得这样会削弱刘德华说这一段话的力量。用最简单的方式，一个长镜头，慢慢地推/拉，刘德华按照自己的表演节奏，说完独白，这部片就结束了，看似极简，却也很真实，容易让观众共情。当时，我们拿到的Brief里面主要有两个诉求：一是刘德华要说完那段文案，我们要把他说话的画面拍出来；二是要有一个设计，把刘德华曾经演过的所有人物，通过“皮影戏”的手法，在背景的软膜幕布上表现出来。

关于机位的选择，为何对着墙角（透视点/渐近线消失点的位置，画面显得更有纵深感），因为从这个角度拍过去，画面能最大面积带到背景的幕布（幕布后还站着十几个人，用肢体动作诠释刘德华演过的角色）。
其实，这条片的拍摄过程中，我不断地在做减法，没有加入过多刻意的设计，避免削弱刘德华讲述那段独白的张力。镜头方面，我选用了一个中焦镜头——SP47 (ARRI Signature Prime 47mm T1.8 Lens)，因为全画幅摄影机搭配50mm镜头，拍出来的画面最接近人眼看到的视域（50mm=“人眼视角等效”镜头），这也和我们追求的“真实感”扣连，希望拍出来的画面更日常、更亲近观众。灯光设计方面，在刘德华讲话过程中，光线会有一些明暗变化，但这些变化也不会让人觉得抢戏。配合着刘德华独白的情绪，光线也产生一些流动，尽可能让画面元素看起来丰富一些。在刘德华讲述到他的演员职业时候，出现了一个面部变光，因为希望强调刘德华的演员身份——开麦啦！Light On，Camera Rolling，3-2-1-Action！在片场，在不同的镜头和灯光下，刘德华扮演着形形色色的角色，留下了一个又一个经典的银幕形象。

有的时候，需要把光线聚焦在后面的幕布上，所以特别设计了一个“幕布亮起”的瞬间，展现出幕布后面的人物。

（幕布亮起瞬间）
然后，当这一段有关角色的独白说完后，幕布那边会暗下来，整个光线重新聚焦在刘德华本人的身上。

（幕布暗下瞬间）这些光线的变化，都是一些很弱的设计，都是帮助观众理解人物的辅助手段。如果观众只是快速看过这部片，会觉得光线变化让画面显得挺丰富的，但如果细究，也会发现这些光线设计都是有深意的，每一个变化都是潜文本，都起到了不同的作用。

（Ray工作照）
四、“小区域布光法”有何优势？——解析《BiLiBiLi x 说唱新世代 _ 总宣传片》

问11：《说唱新世代_总宣传片》分成了四个场景拍摄（黄子韬／MC HotDog／Higher Brothers [马思唯&丁震]／Rich Brian），能否具体分享一下，每一个部分的视觉设计创意？

Ray：前面提到的，《小米Civi _ 天生好看》是偏Highlight的调性；《Chanel x Nowness _ 五感之谜》是意象的表达，偏视觉感，短片类型；《说唱新世代 _ 总宣传片》是美式LowKey的展现。我个人非常喜欢Low Key的光调，早年看了很多美国好莱坞的电影，犯罪／悬疑／推理／恐怖等类型片，被里面大反差、看起来脏脏的、充满各种有色光源的视觉调子吸引了。后来，出来工作后，我发现，国内一些用光方式和好莱坞存在着落差。国内摄影师习惯用「面积光源」，反光材质或着下光的面积很大，比如用20x20／12x12的蝶布，但好莱坞的Low Key光调，用的是「小光区布光」，设计非常多小面积的光源。

《说唱新世代 _ 总宣传片》这条片子还挺有意思的。我喜欢在同一条片子里面，尝试做出不同的气氛，这部又刚好每个导师都在相对独立的场景拍摄，所以我就给每一part（每一部分）都设计出不同的视觉调性，而且part与part之间的区分也会做得比较明显。黄子韬是Low Key 暗调，Higher Brothers是High Key 亮调，Rich Brian偏火光，MC HotDog偏霓虹感。
（ Ray作品《说唱新世代 _ 总宣传片》）具体来说，黄子韬的部分，Low Key 暗调的打光，场景旁边有一排窗户，在窗户外边我架了50个Par 64（Arri 1200w Par 64 HMI light），用很多点光源，让光束感觉更强烈，把窗户打得非常匀，然后加上色纸，打出金黄色的质感，还加了一些红光做点缀。

尽可能把光源面积缩小，做出更多的层次，我觉得这种「小区域布光法」是未来流行的趋势。我们不再像之前那样，拍摄时候先设定一个特别大面积的主光源，把整个场景的基础光打起来，然后再做一些修饰。现在我们的做法更偏向「单点单控」，比如说窗户这一面，我们用了很多的点光源，可以单独控制每个光源，比如打到地面上，靠着闪射照到人物身上。针对人物的部分，再下一个面光源，面光源的后方再加一些环境光源，环境光源也是单打某一个点，不同的光源还可以做出不同的颜色，这些都是「小区域布光法」的优势。

Higher Brothers [马思唯&丁震]的部分，High Key亮调，我们是在大仓库里面拍的，当时是白天，日光很充足，拍摄时候一个灯都没有打，因为现场的环境就有点接近「小区域布光法」的逻辑——仓库的窗户都是小小的，距离也比较开，可以让日光很自然地散射进来，画面也具有层次感。

问12：每个人都有自己最上镜的样子，同一个人在不同摄影师的镜头里面，也会有不同的味道。对于摄影师而言，如何快速捕捉到人脸、人体“最好看”的瞬间？

Ray：客观来说，有一些简单的小方法。拍摄近景的时候，摄影机的机位可以稍高一点点，从鼻子往上一些的地方俯拍人脸，这样人物的下颌线会比较闭合，下巴看起来会更尖一些。

（Ray作品截图）

拍摄全景的时候，机位可以低一点点，摄影机放在摄影师腰部往下一些，靠近大腿或膝盖的位置，这样会使得演员的腿部看起来比较长。

（Ray作品截图）

这些是简单的、符合普世审美取向的表达，比如大众通常会觉得“白幼瘦”、“肤白貌美大长腿”就是比较好看的。但更多的时候，还是要关联到想呈现的内容——为何而拍？比如美妆类广告，客户和观众就是期待可以呈现出一个身材好、肤质好的艺人。但是，一些比较偏时尚风格的片子，很经常用低机位拍摄，让模特俯视摄影机，塑造一种“高冷”气质感，或着说，让模特看起来更加自信。“时尚”这个词，很注重信息的传达，当机位偏低，模特俯视镜头的那种骄傲感，是时尚片里面很重要的元素。所以，“如何把人拍得好看”，有简单的通则，比如说人物形体方面的“好看”，就是前面提到的，尽可能找到最合适的拍摄角度。但还是要具体片例具体分析，从影片整体来看，还要考虑质感、气质、氛围等元素的综合搭配。比如，拍摄一些气氛感比较足的片子，我有时只会拍演员的半张脸，营造一种神秘、冷酷的感觉，不一定是呈现出演员最好看的一面，但会尽可能把演员和整部片融合。

（Ray工作照）

此外，我觉得有一件事很重要，也是我的工作习惯——留在现场，或者至少也要留在非常靠近现场的地方。因为只有亲自在场，才能实际感受到当下的场景气氛、演员状态，可以快速做出一些调整。比如，原本设计可能这里需要一颗近景，但在现场感受之后，可能会觉得改成一个眼神的特写更加合适。所以，身为摄影师，留在现场，快速判断当下场景需要什么调性的东西，高效拍摄出最适合的画面。

（Ray作品截图）

问13：现在不少项目都是多机拍摄，而且时间压力很大，身为摄影指导，您如何领导整个摄影组工作？

Ray：大多数情况下，我会自己掌控一台机器，因为我喜欢亲自操作拍摄的感觉。如果有第二台机位(B机)的参与，我习惯在自己的机器(A机)上再架一个监视器，看着B机那边的画面，然后告诉B机可能从什么角度拍更加合适。现在，很多案子都会出两台机器拍摄，一台在地面上，可能是GFM／Dolly／摇臂车，另一台放在稳定器上面。尤其是广告项目，非常讲求效率，出两台机器可以尽量节约摄影组花费的时间。说到和摄影组团队的沟通模式，我的工作习惯是上传下达、多工进行、提前准备。比如，接下来的这颗镜头要上轨道，我会告诉大助理轨道要怎么铺、镜头会用多少毫米，然后在助理们做器材准备的时候，我会去和灯光师沟通，等下会拍什么景别的镜头，灯光需要如何调整……多个工作同步进行，确保高效推进。然后，如果这颗镜头全部set好，准备开拍之前，我会告诉大助理，下一颗镜头预计怎么拍，可能需要准备什么东西，请助理先提前把它们放在旁边。在前期筹备的时候，如果可以的话，摄影指导也要和执行导演确认拍摄Rundown，设计最顺畅的拍摄流程。有了一套安排合理、透彻明晰的Rundown，并且熟悉它，在拍摄现场就是“执行”，很明确知道这颗镜头拍什么、下颗镜头怎么拍，不会有太多的犹豫。另外，很重要的，摄影指导心里要有画面，在找Reference时候，就要大概知道希望拍出什么内容，不要到了现场才思考，灯光应该亮一点/暗一点，机位应该左一点/右一点……提前找好Reference，和导演深入沟通，对这条片子有很明确的认知，提前确定好光怎么打、机位怎么下，在现场要避免不必要的纠结或试错。

（Ray工作照）
问14：您一般如何累积Reference？如何达到“眼手合一”？（如何把看到的Reference、脑海中想象的画面实际“还原”出来？）

Ray：Reference的积累，确实是平常看影片(电影/广告/剧集等)、看图片(摄影/杂志/画册等)持续积累下来的。如果遇到一个很喜欢的Reference，我会尝试还原出它当时的光效，但是，通常没办法“一比一还原”，因为涉及到太多细节，比如两边的墙体颜色、反光率可能会有细微的不一样，这个“细微的不一样”就会导致整个质感出现偏差。再比如，原片里面，灯位距可以拉到10米远，用一颗24k去打，但实际操作中，可能灯位的距离没有这么长，就要用别的打光方式替换。实际拍摄时候，尽量贴近Reference，但也要考量现场条件，做出最优质的设计。在堪景时候，就要提前规划好光怎么打，灯的距离大概要拉多远，依据场景的散射情况决定烟的浓度要放多少……不同的场景，依据Reference提供的大方向，快速做出反应，比如，灯的距离不够，可不可以考虑打镜子？但如果镜面反射之后光变硬了，那这种硬的质感是不是我们想要的，还是需要再进行柔化？…… 找Reference的意义在于确定一个准确的大方向，不论实际怎么调整和变化，只要朝着这个大方向靠近就可以。摄影师是一个“在短时间内非常快速做出判断”的专业工作，是一个熟练工种，需要大量经验的积累。摄影也有点类似数学，比如要得到「10」，可以用「2x5=10」或着「2+3+5=10」，只要最后达到的结果一样，中间过程可以有很多的变化方式。

（Ray作品截图）

（Ray工作照）广泛涉猎、大量积累，多看多记多实践，才能在工作时候做到极致精准、厚积薄发。Ray把摄影比作数学，类似四则运算，也类似排列组合，最终能得出同样的结果，过程可以千变万化。Ray也把摄影师比作计程车司机，导演是乘客，司机需要选择最适合的路线，带领导演高效抵达目的地。影视技术不断进步，摄影理念迭代革新，潮流风尚瞬息万变，站在一个高速运转的时代，Ray觉得，打开视野，持续学习，是因应新事物的方式。但所谓的“旧物”，也有其美好的地方，不应该被完全抛弃。比如，Ray非常怀念初中时候用诺基亚5300拍摄的影片，480p的模糊质感，在如今4K普及的时代，单纯从技术层面来说是不达标的，但如果可以恰当运用在作品里面，也会带来独特的表达意境，因为这是一代人的青春记忆。同样的，现在一些录像艺术家，还在用胶片、DV机这些似乎已经被时代淘汰的摄影器材进行创作，不论技术再怎么变化，每一种影像媒介都有其独特的风格，作为摄影师，也都可以依据需求使用。