林良忠专访：电影摄影师的工作流程？

2023-03-06 13:46 作者:大峰传媒 0人读过 | 我要投稿

长期关注大峰传媒公众号的读者，对于林良忠老师，或许不会感到陌生，两岸三地知名的摄影指导，掌镜拍摄了李安导演的「家庭三部曲」（《推手》《喜宴》《饮食男女》），父亲林贊庭荣获「金马终身成就奖」殊荣…… 出身在摄影世家，毕业于纽约大学电影制作硕班，长期深耕电影摄影，近年来，林良忠老师也持续扶持帮助新人导演，先后担任摄影指导的《驴得水》《送我上青云》，都是导演的首部剧情长片，且都取得了亮眼佳绩。

（《驴得水》周申、刘露导演，任素汐主演，豆瓣8.3分。）

此前，大峰传媒与林老师进行过多次对谈：

摄影指导林良忠｜有观众看的电影才叫电影感

李安：林良忠打灯，不是‘打灯’，而是‘遮灯’。

李安家庭三部曲摄影指导林良忠：我认为最为重要的是能让观众进入一个想象的空间。

……

本次专访，小编从自身的困惑出发：影视科系毕业，在行业里摸爬打滚了若干年，身边的同学有些转行了，有些还持续在拍摄广告、短视频、微短剧……诚然，我们都是怀抱着「电影梦」进入这个行业的，但现实一次又一次将我们抛入谷底——不少优秀的影视创作者，都是通过「短片」崭露头角，进而获得拍摄「长片」的机会。但是，我们努力了这么多年，为何还是无法迈入电影创作之堂？是我们没有天赋，不够努力，还是机遇不佳？……

林良忠老师结合资深的摄影从业经历，以及长期在大学电影系授课的教学经验，深入剖析解答了小编的困惑。

在「速食影像」时代，有志从事影视创作的新人，应该如何安放自己的「电影梦」？

渴望成为导演、摄影的从业者，应该具备什么基本功？

一个优秀的摄影指导，需要掌握哪些技能？如何与导演合作？

……

进行专访的过程中，小编被大力打醒了，觉得羞愧，感到醍醐灌顶，也收获了一些温暖与鼓励。

希望能将这些感受，通过本文，传递给屏幕后面的你和妳。

年少轻狂电影梦，而今却道当时错？

—— 逐梦之路道阻且长，倘若足够热爱，就请踏实前行。

一、如何专业解读剧本？

学生：拿到剧本后，老师通常会如何做功课？如何从摄影角度，进行剧本解读？

老师：首先思考故事的类型，在这个类型里面，如何表达故事的氛围？

比如，如果是家庭的类型（故事核心围绕「亲情」展开），应该如何塑造家庭里的每一个人物？每一个场景里面，灯光应该如何运用？故事中的戏剧冲突、人物命运，可以如何用光线进行包装？……

我觉得，看到剧本后，最核心的是要想办法进入每一个角色的内心世界。

剧本里面，可能有不止一个主要角色，每位主角又有不同的性格、命运。比如，这个角色比较阴郁，那他所处的空间可能就会比较阴暗。这就是前面提到的「用光线进行包装」。

在打灯的时候，摄影师通常会在「自然主义」、「表现主义」之间权衡。

这就很类似烧饭，饭可以煮得干硬、粒粒分明，也可以煮得软绵、入口即化。也很类似喝咖啡，有人喜欢加奶／加糖，也有人喜欢黑咖（糖／奶都不加）。

摄影师需要思考如何通过光线塑造角色，如何运用光线展现人物特质（让人物「Stand Out」），在自然主义、表现主义之间寻得最适合故事氛围的配比。

现在有的年轻创作者追求极度「自然」（画面让人看不出来有打灯），如果场景环境的先天条件足够好，比如有良好的光源／建筑结构／历史背景……那么直接拍出来的画面就很漂亮、看起来美不胜收。但如果条件有限，创作者又追求极度写实、自然，可能观众就会受不了，没有耐心看下去。毕竟，观众看电影，还是希望追求一些「造梦」的内容，希望看到和现实有所区隔的影像世界。所以，创作者在思考影像氛围的时候，需要考虑到观众的接受程度。

学生：能否举例说明一下，如何运用光线包装角色的内心世界？

老师：比如李安导演的《推手》，一部家庭类型的电影。传统观念里面的家庭片，光影氛围都是比较明亮的，但我当时在设计光线时候，运用绘画中的「Chiaro Scuro」（明暗对照法）观念进行思考。

所谓「Chiaro Scuro」，源于意大利语的「明」与「暗」，是文艺复兴时期发展出来的绘画技法，通过强烈明暗对比的基调，塑造出三维立体的效果。代表人物包含了画家Caravaggio（卡拉瓦乔）、Rembrandt（伦勃朗）。

（ Rembrandt，The Philosopher in Meditation，1632 ）

在电影领域，「Chiaro Scuro」风格，增加明暗对比度，也会让画面的戏剧氛围更加浓烈，代表作品包含了《教父》三部曲、《银翼杀手》、《现代启示录》…… 摄影师要懂得经营对比度之间的细微的反差。

电影《推手》里面，父亲这个角色带有一些「伤感」的基调。他身在异国他乡，想要和儿子一起生活，却无法融入，无法处理中西文化差异，没有得到想象中幸福的晚年生活。最后，兜兜转转摸索出了一些人生的答案。

在拍摄《推手》的过程中，一开始，我让画面看起来比较明亮，随着剧情推进，父亲越来越陷入孤独情绪，画面的Chiaro Scuro就越来越强（明暗反差越来越大）。

当时在拍摄现场，导演、演员也有一些担忧，饰演男主角的郎雄（郎叔）直言：“画面会不会太暗了？” 我解释说，恰当地运用明暗反差，可以帮助演员表演，让角色更加突出。如果画面都是均匀的亮调，看起来背景杂讯太多了，反而会削弱表演的力道。

摄影师要懂得运用灯光辅助演员表演。《推手》里面「Chiaro Scuro」的灯光设计风格，让整个画面（空间）更加符合人物心境，电影在第28届金马奖获得了9项提名（最佳剧情片、最佳导演、最佳摄影…），郎叔也凭借本片荣获了金马最佳男主角。

学生：看到剧本的时候，如何通过文字想象画面？

老师：通常电影的创作阶段，也许在摄影师拿到剧本的时候，场景都还没确定（制片组还没去堪景），那我们就要通过阅读剧本，想象如何呈现其中的「空间」。

阅读剧本的过程中，要做笔记，标注下思考到的技术指标，特殊器材、滤镜，灯光设计，运动方式（轨道／摇臂／空拍）…… 这个场景适合什么样的光线？要用什么焦段的镜头拍摄，是要固定机位，还是用空拍？不同的光影明暗、摄影技法，都会呈现出不同的画面感受。摄影师要从科学的角度，精确度量、反复思考，用最恰当的影像方式来叙述故事。

当然，也要结合实际的预算情况、拍摄条件，对制片部门提出适当的器材需求。比如，这场戏剧本里写发生在悬崖边，堪景之后，觉得需要出动大型的摇臂（Crane）拍摄，但如果场景定在青藏高原，或者深山老林里面，器材租赁、运送过程都特别费时费力，成本高得吓人，那是不是可以考虑用相对轻便的空拍机进行拍摄？或着，如果觉得必须要出动摇臂才能达到理想的效果，那就要和制片部门提前讨论，安排好充分的预算经费和运输时间。

二、摄影、导演如何沟通协作？

学生：《送我上青云》导演希望拍出「水墨画」的风格，当接收到视觉需求之后，摄影指导通常会如何与导演讨论、合作？

老师：收到导演的指令之后，我就去研究具体什么是水墨画的风格。我在博物馆里面观摩大量的水墨画，结合制片团队堪景传来的照片，揣摩到底如何拍出「水墨风」。

水墨画的美，在于景物的留白。如果用西方人的概念来说，就有点类似「负空间」（Negative space）。

（「负空间」 add something with nothing | 善用画面主体与周围空间的关系，可以达成不同的艺术效果）

拍摄《送我上青云》，我注重研究空间的留白，运用精确的构图，很多场景都做到了「云深不知处」的感觉。

比如，在大山里面，云雾缭绕、水汽袅袅，这些朦胧的景色，看起来就有一种水墨画的风格。

实际拍摄的时候，我们根据当天的气温、湿度、气象预报等数据，耐心等待，从早上开始等到了下午两点多，山里的气温上升、空气湿度达到了一定的浓度，大雾开始弥漫了起来。我们终于拍到了理想的镜头画面。

所以，在接收到导演具体的视觉指令之后，我们需要先做好功课，在脑海里「视觉化」勾勒出具体的画面，事先就胸有成竹。到了实际拍摄时候，要耐心等待，等大自然帮助你呈现出想要的效果。当自然条件达到了预先设想的感觉，就要赶快拍摄下来。

学生：拍摄类型风格比较突出的片子，比如喜剧《驴得水》，摄影师如何思考呈现类型元素？

老师：《驴得水》这个项目的特点是「舞台剧改编」，导演、编剧团队对于舞台剧驾轻就熟。而舞台剧的好看之处，在于人物的走位、调度。所以，我在思考如何拍摄《驴得水》的时候，特别强调保留了舞台剧的走位。

电影是兼容并蓄的艺术，并没有什么「类型」就一定要用什么「风格」进行拍摄。（比如，喜剧电影，可以用特写、很有冲击力的拍摄方法，也可以用远景、造成很疏离的感觉。）

摄影师只要用心，就可以拍出令人惊艳的作品。

在拍摄《驴得水》的过程中，为了保留舞台剧「走位」的感觉，我和导演讨论，因为舞台剧演员的走位幅度比较大，所以不能把演员绑死，不能用固定机位进行拍摄。要让演员动起来，运用调度，摄影机配合演员表演，从不同角度进行捕捉，让Coverage变大（拍摄的角度尽量广、拍摄的数目尽量多）。我们拍了很大量的素材，给后期剪辑提供了很多的选择。

学生：老师近几年帮助了一些新导演拍摄首部剧情长片，与新人导演合作时候，您曾经遇到过沟通困难的时候吗？

老师：导演，不论资历，不论是新人还是有丰富经验的，在拍片的时候，都需要对画面（影像）有一个具体的想象，要给出明确的指示，比如希望达到什么风格、做出什么调性。

通常，导演不会干涉摄影技术层面的细节。

如果导演没有技术背景（非影视科班出身），沟通时候，我就不会使用太多的技术专有名词，会尽量选用浅显、易懂的词汇进行叙述。

大多数的新导演同时也是剧本的创作者（自编自导），导演已经有了很完备的视觉化的想法，摄影师看过剧本后，也会有一些视觉化的思考，那么在打光、走位的时候，摄影师可以先呈现出一种打灯效果、拍摄方案，导演如果觉得OK，就可以开机了。如果导演觉得需要调整，就再依据导演的指令进行。

不论合作的导演是新人还是经验丰富的，几乎没有遇到沟通困难的情况。

三、「速食影像」时代，何处安放「电影梦」？

学生：不少新人创作者，都是通过得奖短片，获得拍摄长片的机会（e.g. 大佛普拉斯／美国女孩／孤味…），老师也长期在电影系教书，接触了很多心怀电影梦的孩子们。依据老师的教学经验，您觉得，现在年轻人创作的短片，有什么共通性的问题？可以如何改善？

老师：我觉得，现在年轻人拍的东西，有一种「LOMO」的感觉。

学生：「LOMO」好像已经变成了一种大众化、商业化的潮流风格，现在很多的广告，甚或APP里面（美图秀秀／Instagram／剪映…），都有一种滤镜风格叫做「LOMO」。

老师：这里说的是LOMO原本的意思。所谓「LOMO」，可以说是「粗糙感」。

LOMO摄影机源于苏联时代，用很烂的底片摄影机拍摄出来的画面，焦点不准、颜色怪异。后来，LOMO（Lomography）被奥地利的两位大学生买下来，他们特别喜欢LOMO呈现出的暗角、偏色，进而把LOMO风格逐渐推广到了全世界。

LOMO可以说是很随性、没有技术性的影像风格，就很类似现在学生短片的风格，他们不是很在意严谨的摄影技术、拍摄角度、构图、灯光……也许学生们认为LOMO风格就是现代影像的调性，很自由，类似网上自媒体拍的影片一样，没有任何技术指标。

如果只是拍短视频，通过内容物吸引人，比如拍自己家的猫猫狗狗，观众只是看来娱乐、开心，这种1~2分钟的短片，摄影技术也许并不重要。但如果用粗糙的LOMO方式拍电影，就非常堪忧了。观众也会受不了，看不下去。

学生：但在当今「速食影像」的时代，这些LOMO感觉的短视频，反而成为了大众主流的影像消费内容。比如也曾遇到大学生形容电影的「手持镜头」，有一种「Vlog」的感觉。（2000年之后出生的孩子们，也许先接触到Vlog，然后才了解什么是电影摄影技法里的hand-held。）

老师：所以，LOMO风格，可能就只能局限在短片了。很多学生以为，拍了短片，就可以累积经验拍摄长片，但短片和长片是两个不同的思维体系，并不一定拍了短片、得奖了之后，就可以拍出很成功的长片。重点还是在于，创作者有没有「长片思维」。

学生：但现在影视行业入行极其困难，不少影视科系的毕业生，没有办法直接进入电影／剧集领域，只能通过拍摄短视频／广告／短剧，累积实战经验，希望求得进入长片领域的敲门砖。虽然有时候也会觉得，自己每天生产这些阅后即弃的影像垃圾真的非常没有意义，虚耗热情，对未来感到迷茫，甚至想要放弃电影梦了……

老师：这里其实有一个思维误区，为何会觉得，从电影系毕业，就一定可以拍电影（成为电影创作者）？

我的学生，有的工作了8~9年，还只是二助、三助这样小小的助理，他们的未来其实非常堪忧的。这个行业不断有新人加入，年轻、价格低，那些三十多岁的“助理”，体力拼不过新人，薪水又比新人高，非常容易就会被替换掉。

那么，为何他做了这么久，还只是助理？

归根结底，因为他没有「创作欲望」，没有实际去创作！

李安曾经说过，「导演是天生的」，你想要拍电影，就要有创作欲望，具有长片思维，要实际动笔去写长片的剧本！

李安在获得机会拍摄第一部剧情长片之前，已经写了20~30个电影剧本，也顺利卖出了几部（可以靠写剧本为生）。有了将近十年的长片思维积累，他的剧本《推手》1990年拿到了（台湾）优良电影剧本奖，然后得到了中影投资人的肯定，才有机会在1991年担任导演、拍摄出《推手》。

时至今日，新导演的第一部片，很多也都是自编自导的。所以，懂得如何说故事，能够写出优秀的长片剧本，对于想要进入电影创作领域的新人而言，是必不可少的技能。

现在自媒体时代，技术门槛趋近于零，只要有一台手机，就可以拍摄短视频、微电影。但走进「电影创作」的门槛依然是很高的。

拍电影需要巨额的资金，是一项风险很大的事情。台湾一些导演、制片人甚至需要抵押房子、负债贷款，才能勉强凑到开机的费用。站在投资人、制片方的角度，这么大的风险，他们又该如何放心地把机会交给新人导演？

要看一个人有没有能力拍摄剧情长片，通常都会看他有没有办法写出一个优秀的长片剧本。「好莱坞」的大导演们，李安、昆汀、诺兰、斯皮尔伯格、卡梅隆……他们能进入电影行业，能生存下来，因为他们会写剧本。卡梅隆用1美元卖掉了自己写的《终结者》剧本，只为换取执导电影的机会。

每年有那么多影视科系的毕业生，那么多喜欢看电影的年轻人，汲汲营营想要进入电影行业（或者急切想要通过拍片求取名利），但如果缺乏长片思维，即使进入了这行，长期打零工（自由接案、担任助理），人到中年体力逐渐衰退之后，很容易就被淘汰掉了。

学生：但新人一开始如果不当助理，不去接案打零工，可能没有办法养活自己……

老师：所以就要仔细思考，真正具有长片思维、具有创作欲，才可以在这行长久生存下去。

比如李安，他在没有获得导演机会之前，就很专心地写长片剧本、思考如何拍长片，没有太多分心、耗费大量时间去打零工。

归根结底，想要拍电影，就必须要「用心」。

对于摄影师也是一样的，现在很多年轻人，非常热衷追求新的器材、新的技术，着迷于使用最高端的摄影机、最昂贵的镜头、多轴稳定器……但这些最新的科技，和拍摄电影长片之间，是不是真的具有必然联系？

电影100多年的历史里面，在高科技设备还没出现之前，即使条件很艰难，还是出现了非常优秀的电影作品。即使用现今的先进技术重新拍摄，也不一定能超越过去的经典。比如1939年的《乱世佳人》，当时用的底片感光度只有25度（打灯非常困难），摄影机200多公斤重，三条黑白底片拍摄（通过Technicolor[特艺七彩]，进行三种颜色各别染色处理加工，最终变成彩色影像）……当时的拍摄条件如此有限，但电影的光线、造型都达到了很高的美感水准。后来，好莱坞又重新拍了几次《乱世佳人》，但都没能超越1939年的版本。

拍电影，需要用心。

现今很多电影是用钱、用技术砸出来的，有的幸运砸中了，票房大卖，但有的只是短暂上映，然后就销声匿迹了。在盲目追求新科技的趋势下，人性就被技术绑架了。

诞生于1982年的「台湾新电影」（代表人物杨德昌、侯孝贤…），40多年过去了，依然是经典，依然被人们反复提及，在大银幕反复重映，因为新电影具有非常浓烈的人文气息。如今的华语电影，也许在器材、技术层面与好莱坞同步了，但却鲜少出现可以世代流传的「经典作品」，缺少了1980~1990年代优秀电影里的那种「厚重的人文底蕴」。

摄影也一样的，也需要讲究画面的「人文气息」。

学生：但现今的电影市场，不论是大陆还是台湾，卖座的、观众爱看的，都还是商业类型片？
比如2022年的金马最佳剧情片、开幕片《一家子儿咕咕叫》，颇有艺术深度和人文关怀，但上映~下档三十多天，全台票房仅393万新台币。相较之下，同年的金马闭幕片《关于我和鬼变成家人的那件事》，23年2月10日上映半个月，全台票房已经超过了1.5亿新台币！
在大陆，也类似的，比如2021年的五一档期，张艺谋导演的《悬崖之上》，票房成绩刚开始也远不如翻拍自韩国爱情片的《你的婚礼》……（《鬼家人》《你的婚礼》都由许光汉饰演男主角，由此又可见「明星卡司」的票房号召力…… 亦可延伸至2023年大陆春节档的流量明星争议…… ）

（《鬼家人》《想见你》两部许光汉主演的电影票房都热卖破亿，助力台湾影坛2023开门红）

老师：新的时代，观众的口味也许比较重，喜欢比较花哨的电影。身为从业者，我们无法左右电影票房卖到多少，但要做到用心拍摄每一部电影。人文气息比较浓重的电影，有的时候也可以取得不错的票房成绩。
（编按：要考量制作成本与票房收入之间的投资报酬率，比如《隐入尘烟》这类的小成本制作，全国票房1.09亿RMB，和那些动辄十几亿票房的商业大片相比，看似数值不大，但应该能让投资方回本了。）

电影拍摄过程中，有太多不可控的、需要权衡甚至妥协的地方。谈到演员的选用，也是类似的，可能制片／导演想要推一位没有代表作的新人演员，但投资方考量到市场回收预期，希望采用已经有粉丝基础的明星卡司……这些都是我们无法左右的事情。

但不论什么风格、什么类型的电影，都要「用心」去做，运用长片思维，拍出长片的效果。