形成对作品的正确概念

要确定真正优秀的钢琴演奏的属性，似乎是一项不可能的任务。然而，通过选择十个重要的特征，并逐一仔细考虑，学生可以学到很多东西，给他提供思考的素材。毕竟，我们永远不可能在印刷品中说出活生生的老师所能传达的东西。在研究一部新的作品时，获得对作品整体的概念是非常重要的。我们必须理解作曲家的主要设计。当然，有些技术上的困难必须逐一解决，但除非学生能对作品的大比例形成某种概念，否则他完成的演奏可能就像一种音乐的拼凑。每部作品的背后都有作曲家的建筑计划。学生首先应该努力发现这个计划，然后他应该按照作曲家要求的方式来建造。

 

你问我："学生如何才能形成对作品整体的正确概念？毫无疑问，最好的方法是听一些钢琴家演奏，他们作为解释者的权威是不容置疑的。然而，许多学生处于如此境地，以至于不可能做到这一点。对于从早到晚都在忙于教学的老师来说，要想对作品的所有细节进行绝对完美的演绎，也往往是很不可能的。然而，人们可以从教师那里得到一些东西，他可以通过自己的天才给学生一个关于作品的艺术要求的概念。

如果学生的优势是既听不到演奏家的演奏，也听不到老师的演奏，那么他就不必绝望，只要他有天赋。 天赋! 啊，这是所有音乐工作中最重要的事情。如果他有天赋，他就会用天赋的眼睛去看，那是一种奇妙的力量，它能穿透所有艺术的奥秘，并揭示出其他任何东西都无法做到的真理。然后，他就像凭直觉一样，掌握了作曲家写作品的意图，并像真正的解释者一样，将这些思想以适当的形式传达给听众。

 

技术的熟练程度

不言而喻，技术能力应该是成为优秀钢琴家的学生首先获得的东西之一。我们不可能想象出没有干净、流畅、鲜明、有弹性的技术的优秀演奏。演奏者的技术能力应该具有这样的性质，即它可以立即应用于所要诠释的作品的所有艺术要求。当然，可能会有个别段落需要特别的技术研究，但一般来说，除非演奏者的手和思想得到训练，能够应付现代作品中的主要困难，否则技术是毫无价值的。

 

在俄罗斯的音乐学校里，对技术的强调非常多。这可能是近年来一些俄罗斯钢琴家受到如此青睐的原因之一。俄罗斯主要音乐学院的工作几乎都是在帝国音乐协会的监督下进行的。这个系统很有弹性，虽然所有的学生都必须通过相同的课程，但对个别情况给予特别关注。然而，技术在一开始就被视为最重要的问题。所有学生都必须在技术上熟练掌握。没有人可以例外。对《练习曲》的读者来说，了解一下俄罗斯帝国音乐学校所遵循的一般计划可能很有意义。该课程为期9年。在前五年中，学生从哈农练习曲中获得大部分的技术指导，这本书在音乐学院被广泛使用。事实上，这实际上是唯一一本严格意义上的技术研究书。所有的研究都是在 "C "调上进行的。它们包括音阶、琶音和其他形式的特殊技术设计的练习。

在第五年结束时，会进行一次考试。这个考试有两方面的内容。首先是对学生的技术能力进行检查，然后是对艺术演奏、研究等方面的能力进行检查。然而，如果学生未能通过技术考试，他就不被允许继续学习。他对哈农中的练习非常熟悉，以至于他知道每一个研究的编号，考官可能会要求他，例如，演奏研究17，或28，或32，等等。学生马上就坐在键盘前演奏。虽然最初的研究都是在 "C "调上，但他可能被要求在任何其他调上演奏。他已经对这些曲子进行了彻底的研究，所以他应该能够在任何想要的调上演奏它们。节拍器测试也被应用。学生知道他将被要求以一定的速度演奏这些乐曲。考官说出速度，节拍器就会启动。例如，学生被要求在节拍器为120的情况下演奏降E大调音阶，每拍8音。如果他能成功地做到这一点，他就会得到相应的分数，然后再进行其他测试。

 

我个人认为，坚持全面的技术知识是一个非常重要的问题。仅仅能够演奏几首曲子并不构成音乐的熟练程度。这就像那些只拥有几首曲子的音乐盒。学生对技术的掌握应该是全方位的。

 

后来，学生得到了高级的技术练习，如陶西格的练习。 车尔尼也是当之无愧的热门人物。然而，尽管亨塞尔特在俄罗斯长期服务，但他的练习曲却鲜为人知。 亨塞尔特的练习曲是如此美丽，以至于它们应该被归入像肖邦的练习曲这样的作品。

 

适当的分句

如果学生不知道分句这一非常重要的主题所依据的规律，就不可能有艺术性的解释。不幸的是，许多好的音乐版本都缺乏正确的乐句标记。有些乐句标记的应用是错误的。因此，唯一安全的方法是让学生对这一重要的音乐艺术分支进行专门研究。在过去的日子里，乐句标记很少被使用。 巴赫使用它们的次数非常少。在那个时代，没有必要对它们进行标记，因为每个自认为是音乐家的人都可以在演奏时确定乐句。但是，对作曲中定义乐句的方法的了解决不是全部的。执行乐句的技巧也是相当重要的。真正的音乐感觉必须存在于作曲家的头脑中，否则他所拥有的所有正确的乐句知识都将毫无价值。

 

调节节奏

如果说精细的音乐感觉或敏感度必须控制乐句的执行，那么节奏的调节则需要一种同样严格的音乐能力。虽然在大多数情况下，一个特定的作品的速度现在是通过节拍器的标记来表示的，但演奏者的判断力也必须经常被征用。 他不能盲目地跟随节奏标记，尽管他通常不可能离这些重要的音乐标志太远。节拍器本身不能 "闭着眼睛 "使用，就像我们在俄罗斯所说的那样。演奏者必须谨慎行事。我不赞成用节拍器进行持续的练习。节拍器是用来设定时间的，如果不被滥用，它就是一个非常忠实的仆人。然而，它只应该被用于这个目的。那些让自己成为这个小音乐钟的奴隶的人，可以得到可以想象的最机械的演奏，而这个小音乐钟的本意并不是像一个支配学生练习时间的每一分钟的人。

 

弹奏中的性格

很少有学生意识到，在演奏中存在着持续的、奇妙的对比机会，每首曲子都是一个独立的作品。因此，它应该有自己独特的解释。有些演奏家的演奏似乎都是一样的。这就像一些酒店里的饭菜一样。所有端上桌的东西都有相同的味道。当然，一个成功的演奏家必须有强烈的个性，他的所有演绎都必须带有这种个性的印记，但同时他也应该不断地寻求变化。一首肖邦的圆舞曲和斯卡拉蒂的随想曲必须有相当不同的解释。贝多芬的奏鸣曲和李斯特的狂想曲之间也没有什么共同之处。因此，学生必须设法赋予每首曲子以不同的特性。每首曲子都必须有一个独立的概念，如果演奏者不能向听众传达这种印象，他就只能是一些机械性的乐器。 约瑟夫-霍夫曼有能力为每一首作品注入一种独特的魅力，这种魅力一直让我感到非常高兴。

踏板的意义

踏板被称为钢琴的灵魂。我从来没有意识到这意味着什么，直到我听到安东-鲁宾斯坦的演奏，他的演奏对我来说是如此奇妙，以至于无法描述。他对踏板的掌握是非常惊人的。在肖邦降B小调奏鸣曲的最后一个乐章中，他所产生的踏板效果是无法描述的，但对任何一个记得这些效果的人来说，它们将永远被作为最伟大的音乐乐趣之一而被珍藏。踏板是一生的研究。它是高级钢琴研究中最困难的分支。当然，人们可以为它的使用制定规则，学生应该仔细研究所有这些规则，但是，与此同时，这些规则往往可以被巧妙地打破，以产生一些非常迷人的效果。这些规则代表了我们音乐智慧所能掌握的一些已知原则。它们可以与我们生活的星球相提并论，我们对它了解甚多。然而，在规则之外，是伟大的宇宙--只有伟大的音乐家的望远镜艺术眼光才能穿透的天体系统。鲁宾斯坦和其他一些人已经做到了这一点，把只有他们才能感知到的、未曾梦想过的美丽带到了我们的世俗视野中。

 

传统的危险

虽然我们必须尊重过去的传统，这些传统对我们来说大多是无形的，因为它们只能在书本上找到，但是，我们必须不被传统束缚。反传统是艺术进步的法则。所有伟大的作曲家和表演者都建立在他们自己所破坏的传统的废墟上。创造比模仿要好得多。然而，在我们创造之前，最好先让自己熟悉之前的最佳作品。这不仅适用于作曲，也适用于钢琴演奏。钢琴大师鲁宾斯坦和李斯特的知识范围之广令人惊叹。他们了解钢琴文献的所有可能的分支。他们熟悉音乐发展的每个可能阶段。这就是他们在音乐上取得巨大成就的原因。他们的伟大并不是习得技术的空壳。他们了解。哦，在这个时代，有更多的学生对真正的音乐知识有真正的渴求，而不仅仅是希望在键盘上做一个肤浅的展示！

 

真正的音乐理解

有人告诉我，有些老师非常强调学生必须了解作曲家的灵感来源。这当然很有趣，而且可能有助于激发沉闷的想象力。然而，我相信，对学生来说，更多地依靠他对音乐的真正理解会好得多。如果认为知道舒伯特是受到某首诗的启发，或者肖邦是受到某个传说的启发，就可以弥补缺乏导致良好钢琴演奏的真正要领的缺陷，那是一个错误。学生必须首先看到一首作品中音乐关系的要点。他必须明白是什么让作品有了统一性、凝聚力、力量或优雅，并且必须知道如何把这些元素表现出来。有些教师有一种倾向，就是放大辅助性研究的重要性，而最小化基本要素的重要性。这种做法是错误的，而且一定会导致错误的结果。

 

为教育听众而演奏

演奏家必须有一些远大于为利益而演奏的动机。他有一个使命，而这个使命就是教育听众。对于家庭中真诚的学生来说，进行这种教育工作也是相当必要的。由于这个原因，把他的精力放在那些他认为对他的朋友有音乐教育意义的作品上，对他是有利的。在这一点上，他必须运用判断力，不要太过超越他们的智慧。对于演奏家来说，情况则有些不同。他期望，甚至要求，他的听众有一定的音乐品位，有一定程度的音乐教育。否则他就会徒劳无功。如果公众想享受最伟大的音乐，他们必须听到好的音乐，直到这些美感变得明显。演奏家试图在非洲的中心地带举办巡回音乐会是没有用的。人们期望演奏家能拿出最好的水平，他不应该被那些没有精神能力欣赏他作品的观众所批评。演奏家们期待着世界上的学生为伟大的音乐公众的教育尽一份力。不要把你的时间浪费在那些陈腐或无用的音乐上。人生苦短，不能在音乐垃圾的荒芜的撒哈拉沙漠中徘徊。

（其实对当代人来说挺空的