【拉片】《爵士春秋》片段：如何将声画配合推向极致

在所有电影类型当中，歌舞片可以说是对声画配合（视听技巧）要求最高的一种：如何用视觉语言与音乐去配合、去演绎、去阐释、去创造属于电影的韵律和节奏；同时歌舞片有着百老汇一般注重现场的“舞台（剧场）传统”，歌舞开始后的容错率非常低。所以在拍摄内部，对演员要求甚高，在拍摄外部，对剪辑师要求甚高，总而言之，拍摄歌舞片对导演是一次非常大的考验：对音乐、对舞蹈、对现场、对电影的理解都必须要到位。

今次我们介绍的这部影片，来自百老汇音乐剧第一流导演、堪称好莱坞编舞之王的鲍勃·福斯（Bob Fosse），大名鼎鼎的《芝加哥》即是由他编剧（编舞），也是影史经典《歌厅》的导演，都是横扫当年奥斯卡的作品。鲍勃9岁登台演出，唱跳导俱佳，展现了一个歌舞艺术家的最高才华。这部《爵士春秋》是鲍勃晚年时的作品，带有明显的半自传色彩，讲述百老汇舞台剧导演乔（Joe）才华横溢、生性风流，对艺术有着执着的追求，对生活与社会却一无所知，造就了他金玉与败絮并存的人生，最后工作与情感的双重压力，使他积劳成疾，在自己最后一次辉煌的作品演出的幻想中，迈向死亡。

《爵士春秋》将乔与死神（一个一袭白衣、散发着光洁的美丽女性，或许是圣母玛利亚）的对话，同他人生最后阶段发生的事件相穿插，在回忆、幻想与现实以及剧场和作品之间来回切换，可谓眩人耳目。歌舞编排风格繁多，令人目不暇接：既有古典的，也有现代的，既有温情的，也有哥特的，甚至有鬼魅的先锋戏剧尝试，足见鲍勃·福斯对歌舞片的理解。《爱乐之城》的导演达米安·查泽雷也非常喜欢这部影片，在拍摄中也多受其启发，尤其是《爵士春秋》歌舞对场景的运用，非常具有参考价值。

《爵士春秋》的每一场歌舞都非常值得拉片，比如开场的On The Braodway、编排教室里的Take Off With Us以及上面提到的楼梯舞Everything Old Is New Again。但影片结尾处的Bye Bye Love是全片最后的华彩，也灌注了导演最多的心思，因此选择了这个片段。

段落时间：108:36-120:26

平均镜头长度：2.67s，非常小的ASL数值，与爵士乐多变的节奏、高潮时音符的快速跑动相映衬。

段落大意：生命垂危的乔躺在了手术台上，幻想着自己最后的歌舞作品成功演出。在纵情地表演与释放之后，他与自己的人生作别，迎向了死神的怀抱。

还未进入正式的舞台演出，柔缓安神的背景音乐已经开始铺陈，画面在现实与想象中平行剪辑。摇镜转到眼部特写，有一个视线匹配，暗示这是乔目中所见：在迷离恍惚的笼光之下，死神正捧着他的脸颊（她为乔画好了最后演出的妆）。有趣的是，这里并没有接一个正面特写作为主观视点，死神的位置向画框边缘靠近，她并不是乔的注意中心，而是周围的环境：他向往着最后一次登台。

镜头切回乔的侧面脸部特写，随着他的转动向他目之所及处上摇，心电图的显示屏由叠化变成了电视屏幕，主持人兴奋地上台致辞。导演在框中框构图中进行剪辑，正面远景和侧面中景的快切创造节奏，这一技巧在之后也经常见到。

定机位正面远景，推轨向内营造动势，连接着之后变焦推近的侧面近景，顺势去掉电视屏幕框，带动观众进入荧屏内部，进入舞台表演的观众席。

随后镜头返回正面机位继续推近，五光十色的霓虹灯逐渐暗淡下来，色温骤降至冰冷的蓝色，再切至与之前变焦机位相一致的特写镜头，整个致辞段落就达到了一种编排上的连贯性。配合着特写，主持人说出了乔面临的处境：死亡即将到来，但他已分不清幻想与现实，索性来一次最后的狂欢，一次斑斓与悲凉并存的演出。

灯光全部熄灭，只留下一束追光照着主持人，在他介绍完毕后，又有正机位和侧机位的快切，配合密集的鼓点和涌动的钢琴音作开幕式。随着人像射光灯的转动，我们见到了这场演出的观众，他们与舞台上的表演构成了整个剧场。他们手持蜡烛，与舞台上冷郁的色调产生鲜明的对比，因为他们都还活着，观看着一个行将就木之人最后的表演。

在几下电吉他的挠拨之后，音乐归于平息，乔和舞蹈演员们以站定的姿势出场。随后架子鼓与吉他一齐迸发，演员也随之舒展身体亮相，键盘音安抚之后，灯光缓缓亮起，给出一个乔的近景表示他上场了。注意到整个舞台由玻璃和金属制成，有一种银色丝绸的质感，反射着炫目的光芒，颇有超现实主义、未来主义的风采。同时，这个定机位正面开场是非常对称的，这是方便导演进行二分创造节奏。

序幕拉开后，大提琴的拨弦声率先进入铺底，随后弦乐合奏营造出一种优美与崇高，人物与镜头的运动也都变得十分缓慢。两个女演员身着白色体操服，上面画着动静脉血管图，代表着乔的身体机能，与现实相勾连。此处对两个女演员分别拍摄，依旧是对称的构造方式，与古典的旋律相适应；同时给出一个90°侧面全景，在正机位之外安插别的角度以扩大剪辑调度的空间。

乔接过话筒开始演唱，键盘音代替了大提琴铺底，有单簧管在上方俏皮地飘动着，演员随之抖动肩膀，这些很小的细节动作也能与音乐配合产生出极大的趣味性。对称性的编排（两次抖肩）、正侧机位对切、观众的参与，这些设计继续沿用，逐渐勾勒出这场演出的形貌。

配乐舒缓慵懒令人陶醉，演员们也放松舒展着自己的肢体，突然的一个正面全景插入镜头同一声闯入的键盘音配合，暗示音乐即将变奏。镜头深入乔如释重负的幸福表情变为特写，乐曲第一幕在此处落下。

吉他的拨弦与响指（鼓掌）声进入，两个女演员似脉搏一般跳动着，随后乐曲由电乐器主导欢快地将节奏释放出来，镜头景别缩小集中人物，镜头角度增多，剪辑节奏也迅速加快。舞台表演进入正题，乔的生命也随之焕发生机。

随后乔与演员们以沿直线向舞台前部进发，主镜头与90°侧面来回切换创造视觉节奏，乔扑向地面滑至台前，用一个地面镜像利用动势接到乔的侧面近景，动作匹配行云流水。霓虹灯光全开，镜像也再一次告诉我们舞台的材质，浮华与灿烂更显脆弱易碎。

随着又一次脉搏式的肢体扭动，曲调再一次变奏，主持人开始与观众互动，将观众也纳入表演的一部分，这个过程用一个正反打就完成了，这暗示乔开始回顾自己的生活、开始回首人生中遇到的那些人。长号和小号有些笨拙滑稽的音调进入，是乔对自己私生活一塌糊涂的自嘲。

两名女演员（身体机能）紧紧地贴在乔身上，或许是因为他为此事而后悔莫及所致，四个特写与乐句的节奏相对应，最后镜头落在观众席上向舞台看去，观众鼓掌也成为音乐的一部分，自发地成为演员。

随着掌声创造的节奏，画面又一次进行段落式的快切，舞台、演员、观众、镜像还有一闪而过的死神。乔回转身子，灯光再一次回到冷色调，他的人生即将归于岑寂，音乐的第二幕落下。

人物动作和短镜头似止息的鼓点，短暂的歇息后强劲的音乐将表演拉向第三幕，摇曳的踢踏舞和跑动的音符四处摆动，灯光尽数开启，全场都已被带动起来，整个剧场都被囊括进表演里。

狂热的舞蹈之后，音乐减弱，凸显出人声，在两次重复主旋律之后，似自言自语的呢喃一般，乔诉说着自己的心声：他已抛弃情爱，无所寄托，在临近死亡前获得了前所未有的自由。此处的音乐与镜头处理都显得十分“即兴”，在不断地进行切分，编织着细小的节奏，比如那个随音高和人物动作上扬的摇镜，非常有效地带动着观众的情绪。乔与主持人已经躺倒在地面上，低机位镜头将情绪压抑住，进入下一次变奏。

鼓点与掌声减弱，舒缓的旋律重又占据上方，舞台灯光变得灰蒙，两个女演员柔顺地舒展着自己的肢体，对称式的编排有着顺畅的过渡作用，注意到那个鼓手的插入镜头之后，两名演员已然起身从另一处场景走出，这本来是一个很跳跃的转场，但在音乐的连贯性之下，我们很容易地接受了它。这个处理是“超舞台化”的（舞台不能跳跃时间），也是“超现实”的，再一次告诉观众，这是乔的幻想。

乔与主持人从两名女子的腰窝之间出现，抒情地演唱着对死亡的向往，灯光明暗交替，乔的生命也已如残烛灯影。身体机能正离他远去，乔处在背光的位置逐渐暗淡下来，主持人闪到一边与乔对唱，也是完全背光的处理，而两名女子重新缠绕着乔，他还有心愿未结，生的欲望还未离去。

对唱的形式为创造节奏提供了操作空间，镜头在乔与主持人之间竞相切换，频率越来越快，然后随着肢体一次纵情的舒展，音乐再一次焕发活力进入新的一幕，乔在电吉他的riff里划向舞台一侧，镜头随之摇过去用动势配合音乐的起势，观众起立鼓掌，这是全场表演的最高潮。

乔径直跑向观众席，与自己人生中遇到的人和事拥抱作别，留下主持人和女演员在舞台上舞蹈，他的意识已经与身体分离，正是一次华丽的“走马灯”，他想用这场无与伦比的演出，给自己、给所有人一个完美的交代。除了电乐器之外，我们还能听到类似激光的电音，这是在模仿电击起搏器的声音，导演将现实融进了音乐中，这种对声音的理解实在是超乎常人的。

在与亲爱的女儿拥抱的时候，插入了一个死神观看的特写（她也是观众之一），父爱是他生前最投入的一种感情，但此时他已经身不由己，将要抛却凡尘仙去，在与正妻道歉作别之后，他回到了舞台之上，舞台在召唤着他用表演作人生最后的谢幕（give it to me）。长号和小号这两种爵士的灵魂乐器开始进入，先是一齐在上方呼喊着节奏，然后长号在下方摇晃，小号在中间迅速地跑动，将表演推入最后的华彩。

随着独奏小号激越的高音上扬，所有乐器一齐进入，演员们动用着全数气力唱出最后的挥别。特写与全景的组接增多，这种大幅度的景别变化非常具有冲击力，还有一个旋转镜头仰拍营造演出成功的辉煌富丽，乔实现人生的时刻也是他人生终结的时刻。

随后灯光熄灭，只留下几盏追光射灯，乔独自一人乘上高台升起，仿佛灵魂受圣光牵引即将进入天国。音乐也进入尾声，只留下键盘与吉他的和弦奏出教堂管风琴般的庄严。镜头切至乔的正面特写，我们听到了心电图频率收紧的滴滴声，配合着正侧快切，生命的终点近在眼前。

音乐最后的煞尾是电乐器的集体即兴演奏，但灯光没有再变得斑斓，维持着冰冷的色温，画面仿佛蒙尘一般被光雾笼罩，乔的特写则是在背光之下，他已然失去了生命体征。

随后我们来到了一个缓慢的拉镜头（类似滑动变焦，但这个镜头是人物和摄影机一齐运动，保持前景不变而后景不断后退），这种面对人物的拉镜头会让人好奇他目中所见是什么（视线匹配的是什么），切到一个同样移动速率的推镜头，我们看到在前方等待着乔的，是张开双臂的死神。此处的音乐则由萨克斯接管，一路护送着坦然释怀的乔。

景别不断收缩，直到人物的眼部特写，与段落开场相呼应。快速的正反打对切之后，音乐戛然而止，跳切到被放入装尸袋的乔，用视觉冲击（smash cut）来表现幻想与现实的落差，这出令人哑然失笑的悲喜剧，就此落幕。随后响起的是Ethel Merman的百老汇名曲There's No Business Like Show Business。

电影是视听艺术，歌舞片是最能展现视听技术的类型，所以训练视听敏感度也可以看音乐MV开始。许多大导演都拍过MV，浓缩着他们对视听语言的理解，包括大卫·芬奇、保罗·托马斯·安德森、韦斯·安德森等等。编排一个MV就需要花费很大的精力，编排一出歌舞剧所耗费的心血可想而知。

歌舞片作为最早的一批类型片种，展现了电影艺术与舞台艺术的复杂关系，电影中的“舞台思维”也是非常值得研究的。《爵士春秋》还有非常多可说的地方，但我水平有限就只能挂一漏万地向大家介绍一下了。如果你去看，你也一定会为它所深深折服。

今天的拉片就到这里，我们下期再见啦(ﾉ´▽｀)ﾉ♪【不知道下期是多久了呢，反正一有活动不知道写啥就拉片凑稿子呗】