「シャンノ采访 VOCALOID是否会回归现有的音乐流派？来自同时进行着音乐与MV制作的全能创作者的思考方式」

自从2007年初音ミク发售以来，VOCALOID文化一直在持续、广泛地传播。随着各种走红歌曲与国民级艺术家的出现，在VOCALOID逐渐逐渐走向大众化的当下，本连载选择采访那些于这种环境下追求相对容易被忽视的另类表现的VOCALOID P主们。从他们各自独有的精神或制作方法出发，来揭开VOCALOID作为音乐文化不为人知的一面。

 

在第六回中登场的是シャノン。他从2017年开始进行VOCALOID活动，在回响贝斯（Dubstep）中以独特方法抽出声音后，再与摇滚乐、爵士乐等交叉，自由地进行音乐创作。同时，他还在自己制作的动画MV中编织出独特的世界观，获取了大量的人气。在最近，他除了给歌手提供歌曲之外，还参加了由春卷饭所主导的动画影像制作工作室「スタジオごはん」，可以说是一位活跃于许多领域的全能创作者。在这一次的访谈中，我们会从他创作的原点和背景入手，结合「蟹柳」这一独特的意象进行各种各样的讨论。

 

VOCALOID = 「蟹柳」。其中的真意是？

首先想针对您的音乐经历进行一些提问，您一直以都来在听什么样的音乐呢？

 

因为母亲胎教时一直在听莫扎特，所以可能这就是最初到听的音乐了吧（笑）。这种先不论，自己第一次主动去听的音乐是中島みゆき的曲子。大概是九岁的时候，在跟家长一起听『大吟醸』这张专辑时喜欢上的，我记得当时只要是中島みゆき出了新专辑都会买回来。此外，也是从那个时期开始玩游戏，从而接触到了游戏音乐。记忆中有『がんばれゴエモン』『ドラゴンクエスト』『塊魂』这些。因为这些作品中的音乐都很出色，所以会我听很多遍，作为最初的体验给我留下了深刻的印象。

 

我从上初中的时候开始看niconico动画，在那时邂逅了动漫歌曲、VOCALOID和東方Project。动漫歌曲歌手中，我最喜欢的要数石川智晶。虽然可能动画『ぼくらの』中由她演唱的OP「アンインストール」很有名，但我是因为听了动画『エレメントハンター』中的OP「First Pain」，以及『機動戦士ガンダム』系列中的歌曲才喜欢上她的。同时，那段时期我也迷上了東方Project。比起游戏来说，我反而是先迷上了其中的音乐，随后才开始玩游戏。当然，那时候我也有在听VOCALOID，在2010年~2013年VOCALOID最初最火的那段时期听了很多曲子。『カゲロウプロジェクト』和ハチ的音乐也是在那段时期好好地享受了。

 

从2013年年末左右开始，我开始听数学摇滚（Math-rock）和后摇滚（Post-rock）。我并不是因为非常喜欢某一位艺术家而去听他的曲子这种狂热的类型，而是仅仅在复习考试时把各种各样的音乐作为学习用BGM而已。努力去回忆一下的话，应该是听了toe和People In The Box，以及钢琴系中的mouse on the keys之类的。而且，在大学入学考试前一个月这种紧要时期，我却被朋友带着第一次去了游戏厅。当时正好赶上KONAMI的音游筐体很热门，「jubeat」之类的筐体被排列得整整齐齐。以此为契机我接触到了音游中的音乐，也就是电子舞曲（club music）。

 

进入大学之后，我以学习用BGM的形式又听了许多各种各样的曲子。像是DE DE MOUSE，还有Schroeder-Headz之类的。此外，在寻找一些比较奇怪的音乐时，我偶然发现了名为Farmers Market的乐队的「Kind of Blues」这首歌，这曲子我现在还有印象，它是一首源于保加利亚民歌的带有谜一样节奏的曲子。再加上当时我受到一起合租的朋友的影响，在吃饭时会一直听着FM802电台，也就逐渐接触到了之前不怎么听的J-POP。

 

最近的话，想着可以作为参考，我也开始听爵士乐了。

 

您觉得有在目前的音乐中留下最深刻影响的艺人吗？

 

因为我从每位艺人中都或多或少地受到了影响，所以实在是很难从中选出一位，如果硬要是说的话果然还是中島みゆき吧。我在创作旋律的时候会感受到这种影响。顺便一提，春卷饭也跟我在同一时期听过中島みゆき的那张专辑，如果去听春卷饭的曲子的话，应该也能感受得到中島みゆき的影响。

 

您说您在初中的时候听过VOCALOID和東方Project，您是从哪里感受到它们的魅力的呢？

 

关于我喜欢上它们的理由，果然还是得益于能在初中这一最感性的时期与它们相遇。再就是東方Project是独立游戏，而VOCALOID是同人音乐，这种非官方感让我感觉很不错。从偏离主流的地方能够感受到魅力这种气质，我总觉得跟自己很合得来。

 

能请您告诉我您开始创作音乐的契机，以及开始做VOCALOID P主的契机吗？

 

开始音乐制作的契机应该还是東方Project。在当时，我认为说到谱曲就是要在纸面上用笔去写，而且还需要熟练地运用乐器才能完成。但是从接触到東方Project开始，我才知道如果使用电脑的话，就能够在看不懂谱面、无法使用乐器的情况下进行作曲与演奏。最开始我是用MIDI输入再用MIDI输出，这与其说是音乐制作，不如说是像制作卡拉OK音源一样的「MIDI譜面制作者」之类的行为。因为我在小时候学过电子琴，对于编码有一些了解，所以用起来也很顺手。而且，因为当时没有音源，所以就用名为MSGS（Microsoft GS Wavetable SW Synth）的Windows内置的MIDI音源制作了東方的编曲，后来成为了朋友做的游戏中的BGM。

 

高中生的时候觉得只用MIDI的话还是不太够，于是就开始使用名为Reaper的DAW（数字音频工作站）的试用版。在用它做了東方的编曲后，于2013年首次投稿在了niconico动画上（因为当时投稿的和现在是同一个账号，所以如果回溯的话应该还能找得到）。从那时开始，我不想局限于仅仅是编辑曲子，而是想尝试原创，所以我在2015年左右购买了Cubase和Megpoid（GUMI）。最开始制作出的曲子应该是「カゲロウデイズ」的翻唱（这首曲子我没有投稿在任何地方）。但是，因为调音很困难而且我对操作也不太熟悉，再加上大学也很忙碌，所以并没有继续制作下一个曲子的心情，就先暂时搁置了一段时间。

 

这种状态出现变化是在2017年的7月，起因是ハチ投稿的「砂の惑星」。虽然那时候是我没怎么听VOCALOID的曲子的时期，但是ハチ时隔四年的投稿果然还是令人十分在意，就去听了一下。居然有＜思いついたら歩いていけ　心残り残さないように＞ 这样的歌词啊！这句歌词深深的打动了我，让我意识到现在如果不做点什么就会留下遗憾，于是我就把封存的GUMI又拿了出来，再次开始了创作。真正的VOCALOID P主生涯大概是从这里开始。

那么您在各种各样的VOCALOID中选择GUMI的理由是什么呢？

这件事我自己也很迷惑，但我觉得这并不是值得深究的问题。初音ミク是用的人最多的，鏡音リン・レン看起来有点难用，那我还是选择声音最喜欢的GUMI吧。再就是ハチ使用的也是GUMI，以及自己被monaca:factory使用GUMI制作并投稿的「ロゼッタ」这首超强的曲子所震撼过，类似这样的理由。

 

虽然在您最开始的投稿中，明显能够感受到后摇滚（Post-rock）和数学摇滚（Math-rock）的氛围，但是从「アンダーグラウンドと地生魚」开始，您开始大量引入回响贝斯（Dubstep）这样的Wobble Bass、电子风格的节拍。能请您说一下相应的背景吗？

 

因为我在作曲的时候基本上就是把成年之前听过、积累的各种音乐的从纵向切开，再做成曲子。如果在那个时期听的歌曲有所变化了，那么相应地作曲的风格也会改变。虽然也许不完全是这个原因，但是在第一部作品（「七月十九日は永遠に」）中，我想还是受到了トーマ的强烈影响。途中改变了一贯曲风也是因为感受到了MIDI音乐的局限。

 

重新回想一下，我觉得我在浏览和欣赏音乐这方面有自己的特点。音乐分为各种各样的流派，我在一上来先不会听流派中正宗的那种，而是选择一些将这种流派融入其中的游戏音乐或者其它改编作品，从它们开始。以瞪鞋摇滚（Shoegazing）为例，在niconico动画上有「東方靴凝視」这样一个有关瞪鞋摇滚的tag，我会从这个tag出发，再逐渐去听正宗的瞪鞋摇滚音乐。回响贝斯（Dubstep）也是一样，从音游开始一直听到Skrillex，感想是无论如何还是“太噪了”。

 

对于每个音乐流派来说，都存在只有在这个领域中耕耘的人才能感受到的韵味，或者说是类似文化或民族性一样的地域感。如果外来者一上来就直接去接触最正宗的那些内容，可能会因为不够熟悉，而提不起兴趣。反过来，如果事先接触过一些包含有这种音乐元素的内容，则可能会引起兴趣。例如说爵士乐，在『塊魂』的配乐中收录的「真っ赤なバラとジントニック」这首爵士风的音乐非常帅气，我就是以这首曲子为开端，开始慢慢了解爵士乐的。诸如此类，用我的话来说就像「蟹柳」之于「螃蟹」（笑）。

 

您是说「蟹柳」？

 

是的。我认为在蟹柳之中有着对于「想变成螃蟹」的「憧憬」之类的要素。我最初的音乐经验来自于游戏音乐与VOCALOID，也不会什么乐器，总觉得自己没做过真正的音乐。这种欠缺感从另一面来说也包含了「憧憬」，而这正是只有蟹柳才具备的优点。举个例子，在做螃蟹料理时，为了活用食材的味道，大多人会选择把螃蟹烤着吃或者煮着吃，应该没有人会把咖喱浇上去一起吃吧。就像把螃蟹作为料理素材的话就必须让它成为主角一样，如果制作的曲子是后摇滚（Post-rock）的话，那么从曲子一开始到最后都要保持着后摇滚风格。但是，蟹柳则不一样，你想把它放在哪个场合都可以。既可以放在咖喱里吃，又可以拌在米饭里面吃。想把螃蟹这种门槛很高的食材放进各种料理中时，蟹柳可能是最契合的形态。当我第一次发现在一些情况下，只有蟹柳这种形态才最能够发挥出最大魅力时，我感到十分欣喜。

 

原来如此。顺便一提，从「死について」开始，动画的部分也是由您自己来完成。可以请您告诉我这之中的缘由吗？此外，您都受到了哪些动画作品和动画作者的影响呢？

 

最开始的理由是没有找到能够委托制作动画的人。虽然我知道有些作家会接受个人创作者的委托，但那也是因为这些创作者的活动时间长、名气高，对于像我这样初出茅庐的创作者来说根本没法提出委托。这样的话就只能自己做了吧！虽然话是这么说，但过程并不是「好，开干吧！」这种感觉，而是在一边想着「总觉得好像哪里不够」一边添砖加瓦的途中，不知不觉间做出来了像是动画一样的东西，也就是「死について」了。

 

毫无疑问，春卷饭是一位对我影响很大的动画师。当然我也受到了ハチ以及和ハチ组队的南方研究所的影响。wowaka和トーマ自己也在绘制曲绘，所以我也意识到Vocaloid P中有的人会自己制作动画或曲绘。另外Mah和Waboku、WOOMA也是我非常憧憬的对象。

 

还就有是こむぎこ2000。我有一段时期会频繁和他本人见面，在吃饭的时候就会不知不觉聊起动画的制作方法。在对话过程中对话的内容会逐渐改变，这一点很有趣，但看到他自己逐渐成长的这一变化过程，也让我学到了很多。

刚才只提到了Vocaloid相关的动画师，但要说专业的动画师的话，对我影响最大的果然还是庵野秀明。要说对他有种亲近感可能有些冒昧了，但我喜欢他对演出效果以及机械的描写而不是对人的描写。他所描绘的机械的破坏场景能让我感受到他的思想，与我想要做出的作品很接近，所以我也非常尊敬他。

制作音轨的思考回路也是「蟹柳」式

请谈谈您音乐的制作环境。

我的创作环境还是挺糟糕的，我在MacBook上安装了Cubase，然后从朋友那里拿到了一个音频接口，然后在那上面插上原装Apple耳机……也没有MIDI键盘，只能用鼠标进行音符输入，这些真的就是全部的设备了。其实我是想用上音箱的，但是我家太小了，把音箱的声音放出来的话会被骂的。混音和母带处理的工作，最近都是委托专门的工程师帮忙做的。

制作音乐的时候是按什么顺序来的呢？

如果是有歌词的乐曲的话，大部分时候我会先定下来一个主题。或者我有时候会想出一些歌词和旋律能很好地结合的片段，然后就会试着想出一个主题背景。在一开始就把歌词和旋律想好的话，感觉写出来的作品会更出彩。

制作音轨的时候也是，在有了歌词和旋律的组合之后，大多数时候我会首先想出一个与之匹配的音律。然后把它当作这个作品的方针，再朝着实现这个方针的方向去创作，所以并没有“先从哪里开始入手”这种概念。硬要说的话，可能先从节拍组合开始创作的场合比较多吧。如果没有实际把节奏型制作出来，就比较难想象作品的整体感觉，所以会先制作节奏序列。

先决定一个主题，再根据主题的氛围来创作，听起来有点类似于游戏音乐的创作方式啊。

确实是的。但这不是我创作音乐的常用手段，每次我都是从确定的主题开始，不断地涌出新的想法，再一步步把乐曲创作成型的。

其他人都不会用这样的方式使用器材吧，您具体都做了哪些工作呢？

其实我最近已经开始请人帮忙演奏吉他了，所以不怎么用直接输入吉他音符的方式，但我在这方面应该还是有别人不知道的使用方法的。因为Cubase中只有一个吉他声源，如果我在加设一个有两个阶段的放大器模拟器，并在中间设置一个压缩器，会让它软绵无力的声音会变得更好听。

是不是因为只有吉他音源的输入，所以表达方式有所限制，导致早期的曲风主要偏向以琶音为主的大众摇滚乐队曲风？

是的，完全正确（笑）。 我之所以以大众摇滚开始，是因为我觉得这是唯一的方法。 我觉得即使只用吉他音源输入，也能达到这种效果。

在那之后，直到第五或第六张专辑，我一直在用音源输入的方式制作歌曲，但我觉得仅仅用这种方式做的事情是有限的，所以在最近的专辑中，我开始找吉他手进行实际演奏。

在「こわいものがみたい」和「ヨミクダリの灯」中，日本流行音乐和电子舞曲风格的融合方式是独一无二的，想问问您在创作时的想法和具体的创作方法。

我认为这也是对「蟹柳」的运用。 当我们谈论音乐流派时，我们总是被背景和外围信息所包围，比如音乐在哪里诞生、由谁制作，或者制作音乐的人有什么样的形象，但我把自己从这些东西中分离出来，只注重声音本身。 我们不是把螃蟹作为一个有机体来看待，而是专注于味道本身。 这样想来，日本流行音乐和电子舞曲风格的结合是具有相当可行性的。

 

我想很多人对电子舞曲风格中使用的wobble bass声音有一种异样的印象，而我认为它接近于令人毛骨悚然的、恐怖的日本形象。 它就像《幽灵公主》中的作祟之神——一种黏糊糊的生物一样。    

每当听到这种乐曲的时候，都会让人觉得wobble bass的声音是一种隐喻，或者说是一种恐怖的形象。

「ヨミクダリの灯」中的那个声音，就是以从产道中掉下来的声音作为原型的。 根据对梦境分析的研究，当经历了生与死的冲突般的特殊经历时，你会有类似于做了一个“下到冥府”的带有神话色彩的梦。 我将这些意象与声音所创造的场景联系起来，写出了这首曲子。

在「深夜徘徊」中，您似乎加入了UK garage和二拍子的要素，这首曲子是以包含这些要素的流派为基础制作的吗？

我应该没有意识到流派的问题。 我可能以前在写的什么地方听过，但它应该是无意识地被我写出来的，因为我听过各种流派混合的东西，但不知道在这些流派中什么样的要素是最具有代表性的。

在您最近的歌曲中，有让春卷饭桑和遼遼桑来演奏吉他，请介绍一下关于这件事的来龙去脉。

首先，我之所以决定请他们演奏吉他，正是因为我前面提到的，使用直接输入的吉他音源具有一定的局限性。 但一开始我很不愿意让别人弹吉他。 歌曲中的吉他声就像一个重要的器官，所以我觉得如果我替换了它，音乐就会变成别人的。 但我想把音乐做得更好，所以我也不能再继续抱有这种想法，于是我咨询了春卷饭，幸运的是他同意帮我演奏吉他。

关于遼遼桑的话，我一直很喜欢他的吉他，所以他也在我的候选人名单上，但我并没有完全鼓起勇气去问他。 但后来我联系了一个，似乎是遼遼桑的熟人，所以我找到了他，并让他同意帮忙演奏。 他们两位都是编曲家，所以他们不只是单纯地照着我的意思演奏音符，同时也会思考这些音符在编曲中如何使用，并向我提出他们的意见，这一点让我十分感激。

您给吉他演奏提出了什么要求呢？

基本上来说，我会给他们一个我的MIDI文件，并告诉他们我希望和弦是这样这样的。 通常情况下，我会同时做出一个节奏谱，但他们两位说只要我把它打成MIDI，他们就能演奏，所以我就把它原封不动地交给了他们。 然后我们会开个两三个小时的会，决定这个部分的音符创作的方针，然后听他们演奏的内容并给予反馈，这样不断重复。

由谁负责具体的音符创作呢，是シャノン桑还是吉他手？

我不知道调整放大器的方法，所以我把音符创作留给他们两个人各自负责。 我只负责检查声音。 如果我有参考音频的话，我可能会告诉他们我想要一个接近这个的声音，但除此之外，我只是说我想让它听起来像什么，让他们来调整声音。

您的摇滚歌曲的特点就是会在BPM和曲调上有很大的变化。 您是如何构思这些歌曲的展开方式的？

大概是因为我在制作它们的时候比较顺其自然。 但我确实想给人们带来惊喜。 我听音乐的时候，曲调变化的部分会让我感到难忘和感动。 我喜欢给我带来惊喜的音乐，也想在我的音乐中表达出这种特征，所以我在制作音乐时考虑到了这一点。 曲调的变化是作为一个噱头加入的，所以不是每此变化都有意义，当然也有符合故事的有意义的展开。 但这种变化不会很明显，我会希望通过节奏和声音的运用，以一种暗示的方式来表达。

您也经常插入一些爵士乐风格的音乐片段呢。

我最近热衷于爵士风的「蟹柳」，我认为它与主题有很大关系，虽然关于这点我仍在探索中。 我认为人们对爵士乐的印象因时代不同而不同，过去比现在更加大众化，而如今爵士乐似乎有一种古典、高级的气氛。 我认为这种印象的变化可以加以利用。 使用用爵士风会给人一种成熟的感觉，但我其实反而想表达一种孩子气，就像看儿童电视节目那样。

儿童电视节目中播放的音乐出乎意料地高级，或者说，非常有想法并且成熟。 此外，在义务教育中，也会播放日本的古典音乐和世界经典名曲。 所以在听爵士乐等古典作品的时候会让我想起我的童年。 我现在仍在摸索着加入多少爵士乐元素可以触发这种感觉。

您之前提到了wobble bass，您是否是利用它来表达声音所具有的形象？

是有这种感觉。 每个声音都象征着某种东西，我在过去几年中积累了很多知识，所以明白哪种声音对应哪种感觉。

Vocaloid业内独有的「同时进行音乐和绘画创作」的乐趣

您认为Vocaloid是怎样的一个存在？

有很多关于他们是人还是机器的争论，我觉得二者都有道理。 但我认为说到底的话，Vocaloid算是一位最中立的歌手。 人类的声音是有自我的，虽然和刚才说的蟹柳没有关系，但我认为他有时会有一种意识，来试图填补缺失的部分。 这本身就是一种很好的个性的来源，但从作曲家的角度来看，考虑歌手的意识和习惯是很有必要的。

我想做的音乐不是想被人们带有自己感情唱出来的东西。 我想要创作一种无论是怎样的故事，都能以俯瞰的视角来看待的作品。 比如说，如果我唱了一首关于死亡的悲伤的歌曲，那么这就是从一个认为死亡是悲伤的人的角度出发的。 这是一种一厢情愿的理解，也许已经死亡的人并不为此感到悲伤。 我认为Vocaloid能以一种中立的方式唱出这样的主题是一件很好的事。

原来如此。 那么，在进行Vocaloid的调声时，您有注意什么具体的方法吗？

我参考了春卷饭桑的关于调声的讲座。 可能这个讲座不是很出名，但我从中学到了很多，我大部分技术性的东西都来自那里。 除此以外，我没有做任何特别的事情。 我觉得如果我按默认的声音参数输入的话，听起来会不那么有感情，这样反而更好，所以基本上我就按照默认的来。

您想要的不是接近人类声线的逼真音色，而是偏向自然生成的音色吗？

不如说，前提是在Vocaloid诞生之前，人们听人类演唱以外的歌曲的机会是很有限的，所以我认为除了 "逼真的音色 "之外，世界上没有任何歌曲可以称为自然。 另一方面，对于Vocaloid来说，自然生成的声音才是最基础的，所以要使用Vocaloid唱出怎样的歌曲完全取决于自己。 如果你问我是否想以更像人类的方式唱歌，那么我的答案是否定的。 但我想让大家清楚地听到歌词。 我希望我调出来的声线不像人类，但要让人能听得清歌词，大概是这种感觉。

请谈谈您特别喜欢的Vocaloid P，或者有哪些Vocaloid P引起了您的注意？

要说我最喜欢的Vocaloid P，果然还是春卷饭吧。 不仅仅是Vocaloid音乐，所有音乐都有自己的重点，如文学、哲学、个性、声音......诸如此类。而我认为春卷饭桑侧重于哲学。 就文学音乐和哲学音乐的区别而言，当你重视文学性时，你会用各种方式谈论日常的事物，而当你重视哲学性时，音乐的内容本身就很高大上。尤其是春卷饭最近的歌曲正是这样的。 比如最近发行的专辑『幻影EP-Envy Phantom-』中的歌曲非常具有哲学性和抽象性，但故事中的人物却非常真实，你很容易通过他们的情感被带入故事中，这是非常厉害的。 这是一种独一无二的风格，也是我想要实现的目标。

 

此外，我也在关注那些自己兼顾音乐制作和绘画的Vocaloid P。 中国的负二价-桑就是同时在进行音乐和绘画的创作，非常厉害。 然后是Miwo桑。 他在制作乐曲的同时还在推特上发布自己的设计作品，而且似乎从现在开始要去美术学校上学，他的绘画和音乐都十分精彩。

 

我还喜欢椎乃味醂桑和にほしか桑，他们很擅长DTM。我所说的擅长DTM是指他们擅长创造一些很有感觉的细节的声音？还是怎么说，感觉很难描述.......。 在Vocaloid P中，有擅长乐器的，有擅长制轨的，还有擅长DTM的，我会擅自觉得他们和我很相像。

Vocaloid业界和Vocaloid文化的哪些部分让您觉得有趣呢？

我认为（Vocaloid文化）的精髓部分是在凌晨3点看NicoNico动画，然后发出一些没营养的评论的时候。 我希望视频中充满了无聊的评论，而不是有内容的评论，我希望它也充满了无聊的反面人物。 我希望业界是这种风气。

在这个层面上，Vocaloid业界对我来说就像是音乐这个「螃蟹」的「蟹柳」。 我认为Vocaloid业界是一个可以找到在某种程度上远离各种音乐流派的历史和声音的人的地方。 有些人努力让自己成为业界的中心，但我认为把它作为「蟹柳」来享受也不错。

当我用Vocaloid做一些不错的歌曲的时候，有些人评论说这首歌「让Vocaloid来唱太浪费了」、「应该用人声而不是Vocaloid来唱」、「这是在浪费你的才华」，但我觉得这是很正常的反应。 我认为这是一种赞美，听到大家这样说让我很高兴，因为它让我觉得我在一个非主流的地方创造了一些好东西。 我认为这种状态是Vocaloid业界中的精髓所在。

非常感谢。 顺便一提，「スタジオごはん」是业界中少有的集体活动的团体之一，シャノン桑也参与了这个团体。 可以谈谈这件事吗？

「スタジオごはん」是一个为春卷饭实现梦想的组织。春卷饭桑创造出一个梦想，而周围的人扮演着辅助角色。 尤其是一个人无法单独完成的动画制作部分，就由我们来帮忙。

我不知道他们是如何找到我的，但大概是通过我与こむぎこ2000的关系吧。 在我成为「スタジオごはん」的成员之前我就很喜欢春卷饭桑，我甚至主动在我的推特id上加上了「gohan」，但我没能做到主动去联系喜欢的人，所以更像是偷偷摸摸的偷看。 但似乎在我发布第三部作品时，春卷饭桑就认识我了，当时第一次听说这件事的时候让我很高兴。

请谈谈春卷饭桑对您和您这一代人意味着什么。

直到2010年左右，有很多创作者可以自己制作音乐、图片和视频，但只是恰好也是Vocaloid P；而最近的Vocaloid P中，很多人都把曲绘和动画委托给他人，自己完全投身到音乐中。 所以，在这种人看来，春卷饭桑应该是一个与众不同的人吧。

就我个人而言，他是我非常尊重的人。 他创建了一个组织来实现梦想，并制作自己的作品，这很了不起。 当我真正开始帮助他制作时，我发现他非常善于分配工作，效率很高，所以我也感觉他具有一种领导者的气质。

创作的「终极目标」

我们也想听您介绍一下视频的制作环境。

我的动画基本上都是在我的iPad上用CLIP STUDIO PAINT绘制的。 剪辑拼接的时候，我会在我的MacBook上用Adobe After Effects来编辑。

您制作一个动画需要多长时间呢？

曾经一度花了大约10个月来完成，但我认为实在是有点太长了，所以最近我一直在努力在三个月左右完成。 如果我长时间不发布作品的话，大家可能会以为我活动休止了吧（笑）。

顺便问一下，您制作音乐部分需要多长时间？

花的时间波动很大，但肯定需要一到两个月。 最近我有时会在制作视频的同时制作音乐。

您是如何构思故事的呢？

首先我会想一个主题，然后尝试去创造一个象征这个主题的故事。 主题是抽象的，但故事是具体的，我会尝试将故事中的事物和人物的行为与主题联系起来。 例如，在春卷饭的作品中，故事中人物的所有小动作都会引向主题。 我觉得这是最理想的境界，也是我努力的目标。

我认为这和梦是一样的。 梦可以包含离奇的事物，但有一种观点是这种事物象征着一个人的潜意识。 我想创作一些乍看之下毫无关联但实际上却有联系的作品。

恐龙和鱼经常被用作主题呢，请告诉我们这个选题的背景。

我认为动物作为象征来说是一个非常优秀的对象。 鱼是生命的象征，鸟是死亡的象征，这种想法由来已久，但我选择用包含关系来表现。 恐龙和鸟类关系密切，所以我把它们画成鸟类的样子。 我认为恐龙的意义在于，本来应该以鸟的形式出现，却以恐龙的形式登场，这种生物比鸟要大得多，但是已经不存在了。

故事似乎和每首歌都有联系，但又不完整，这是否意味着将解释权交给观众？

是的。 歌曲没有项目名称或编号，但我把它们做得看上去有所联系。 但我没有明确说明，正是将解释权交给了大家。

在シャノン桑的音乐中，影像是一种怎样的存在呢？

对我来说，为音乐配上影像是一件自然而然的事情。 反之亦然，我认为音乐应该依附于影像。 当我听别人的音乐时，也经常会有「能看到这样的影像」的感想。

但最近我遇到了一个问题：音乐和影像相互冲突，或者说相互破坏。 我不介意音乐的节奏因为影像而变得缓慢，或者影像因为音乐变得有点粗糙。 一个人的工作量是有限的，所以不可避免地会出现粗糙的部分，但必须努力地从根本上解决问题，所以我也在考虑解决的方法。

您在音乐和影像方面都付出了很多努力，但如果一定要说的话，您在创作的时候最注重的形式是什么？

起初我的目标是常见的动画音乐视频，但它逐渐变得越来越以故事为导向。 我认为其实这更像是在制作一部电影。 但除非故事有趣，否则是没法制作出一部电影的，所以以我目前的能力还是比较困难。 在预算方面也不容易，所以我想以现在的形式制作继续创作，但最终我还是想以电影般的作品为目标。

您认为音乐和影像一起制作的好处和可能性是什么？

我认为没有什么实际的好处，反而可能是一种损失（笑）。 我觉得最好是委托一个插画师来做插图，自己集中精力做音乐，多多投稿。 我并没有体会到多少同时制作音乐和影像的好处，但因为制作的步骤增加了，所以我能够表达出来的内容应该也会随之增加。 嘛，其实在很大程度上是因为我想这么做。

您创作的终极目标是什么？

我的目标是创造一个与现实不同的世界，并成为那里的神（笑）。 首先我必须创造出这个世界的构成，这可能就是我的创作目标吧。

人类是一种有控制欲的生物。 如果人类主宰人类，可能会诞生出一个不太理想的国家，所以我认为维护和平的最好方法是创造一个不同的世界，并成为那个世界的神。

原文链接：https://blogs.soundmain.net/16087/

取材・文：Flat

編集協力：しま

本系列文章已获得Soundmain站方的转载翻译许可。

翻译：NG、天蓝音速刺猬

校对：Suzukaze Aoba