lumo 专访 「复杂而又流行」的音乐风格，是为了贴近「来自未来」的vocaloid这样的存在

自2007年初音未来发售以来，vocaloid文化持续地传播着。vocaloid文化正在通过产出大热的曲目以及涌现出国民级的艺术家，变得越来越普及，而本系列连载则是对按照这样的观点考虑，则经常会被忽略的那些追求另类表现的vocaloid P主的采访。通过探寻他们各自的创作的支撑或是具体的创作方法，希望将vocaloid文化作为一个音乐圈子的这一侧面调查清楚。

在第三回连载中登场的是lumo。他的音乐活动既是实验性的，同时也是在流行排行榜上出现的常客，他就是那些强烈地体现vocaloid圈多样性的人物中的一员。他的一系列乐曲中到处都充斥着他电子风格的编曲，既复杂而又流行，被vocaloid圈的普通粉丝到狂热粉丝都广泛地喜爱着，他的想法和创意十分少见，不是Synthpop或是Electronica这样的统称风格所能概括描述的。这次除了对于他乐曲制作的方法和迄今为止活动的经历，还将采访他关于他作品风格的背景中所存在并始终贯彻着的，「对于vocaloid理解的方法」这一点。

从「你也可以成为vocaloid P 主！」开始的音乐创作

想请教您一下您开始音乐创作和开始当vocaloid P主的契机。

我开始音乐创作，和我开始当vocaloid P主的时机是相同的。2009年左右我被朋友邀请去了「THE VOC@LOiD M@STER」（略称：ボーマス，下文将使用略称VM），这种vocaloid P主们分发同人CD的展销会。那个时候我还不太了解vocaloid相关的东西，但是给我留下了非常有趣的印象，参加活动的人们会以1000日元左右的价格售卖专辑CD。在活动中，我读了入场买下了的小册子，发现上面有DAW的广告，上面写了「你也能成为vocaloid P主！」类似这样的话。然后我就开始计划着尝试成为vocaloid P主，这就是那个契机。

在开始音乐创作前您听着什么样的音乐呢？

初中到高中的时候，我主要听国外的另类风格的乐队……准确来讲我说的风格可能不太对，但比如说我有听过Nine Inch Nails、Marilyn Manson、The Smashing Pumpkins之类的。虽然他们和我的音乐风格感觉很不相同，但是我喜欢的和弦的感觉和曲子的气氛或许是从他们那里受到影响的。J-POP或是歌谣曲的和弦的感觉的话，现在也不怎么有印象了，但我觉得那些国外乐队对我的影响还留存着。

Nine Inch Nails的曲中lumo桑挑选的一首「The Hand That Feeds」

Lumo桑的乐曲中塞满的各种展开，亮丽的合成器音色，这些都很有特点，这些是从哪些音乐那里受到了影响的呢？

说到底我是因为「这么做的话或许是不是就能创作出很搭配vocaloid的特点了呢」这样的理由才加入这些要素的，因此对于我来说，感觉并没有从那些听起来亮晶晶的Synthpop或是创作这些曲子的音乐家那里受到直接的影响。如果要说受到了什么影响的话，我觉得关于曲子整体的氛围和结构的方面受到了许多艺术家的影响啦。比如拿曲子的氛围来说的话，「稍微做得像动漫歌曲一点的话感觉会不错哇」之类的、「做成70年代的美国的流行歌曲感觉会不错哇」之类的、「做成民族流行音乐的感觉会不错哇」之类的，可塑性强的地方我会参考各种各样的音乐。拿曲子的结构来说的话，反而从那些并不是音乐的建筑物这样的地方也给了我灵感启发。氛围按照这个感觉，结构按照这个感觉，这样混合在一起之后，我就感觉已经开始创作了啦。

从建筑物中获得灵感这一点像是现代音乐中的话题吧。

根据我创作的时期这方面实际上完全不一样，不过我最近的话就是按这样创作曲子的啦。并不只是建筑物，比如说时装之类的，数学之类的，什么都可以，对于在这些领域所包含的像是结构一样的东西，我都会想着去尝试看看之类的啦。虽然是新冠疫情之前的事情，我去新加坡的时候发现了把一间间公寓复杂地组合起来的建筑物。这样的东西在音乐上如何表现出来才好呢，我很喜欢思考这样的问题之类的哦。

lumo桑在新加坡发现的建筑物

另一方面，您活动早期的曲子和现在相比，给人印象不同，是比较简单且贴近流行的，这一点又是从什么样的音乐中受到了影响呢？

我活动的早期与其说是受到影响之前的阶段，不如说是完全是学习的时期一样的感觉。归根到底我是从「DAW是什么？」「MIDI是什么？」一样的水平开始的，一边学习着怎样可以制作出曲子一边制作的，因此我不需要受到什么影响就渐渐地成为了那样的风格啦。打比方说的话，当我了解到效果器的功能的时候，我就做了一些加了非常深的混响的曲子之类的。

2010年10月投稿的「Light At The End Of The Tunnel」之后的数个作品中采用了简约音乐或者是噪声音乐的元素。这种创作风格的变化又是有着怎样的原委呢？

    

那是我开始作曲后一年左右，我那时有了曲子按这样的感觉制作就会不错之类的经验，而软件的使用方法之类的东西也无意中慢慢弄明白了，因此那段时期我开始想着试试制作稍微有些奇怪的声音。我有摆弄过在DAW中原本内置的合成器来制作着奇怪的声音。刚好那个时候我喜欢并在听后摇滚、电子音乐、噪声音乐，因此我就想着把这些元素组合在一起在作品中展现出来。

顺带一问，据说您大学期间有在叫做「ノイヅ勉強会」（译者注：噪声学习会）的团体活动过，这一点的影响也是有的吗？

这一点有很大影响哇。把喜欢电脑音乐的人们聚集在一起，一起学习，通过交流沟通，学习别的人的创作风格，那个团体就是一个像研究室一样的地方，我认为从在那里的经历中我受到了很强烈的影响。

我感觉您从2011年9月投稿的「vocandroid」开始就很明显地变成了和现在相通的风格了。您是通过什么样的经历最终成为这样的风格的呢？

那一段时期我变得大体能掌握DAW的特性了，因此我深入思考「那么要创作能有效地使用vocaloid的曲子的话要怎么做才好呢？」这个问题，然后创作出来的就是「vocandroid」。那段时期我开始比之前都更加认识到vocaloid的存在价值了。

视频的封面风格也是从这里开始统一了，当时一开始就有今后要统一下去的想法吗？

这一点完全没有，只是那首曲子比平时的播放数更高，才想着之后也要按这样的封面风格来这样的啦。以同种风格的封面投稿的话听众产生「是那个人的曲子诶」的想法的概率可能会变高，我是因为这样的理由才一直保持下去的。

乐曲复杂的展开来自于器材的限制

关于当下的制作环境想向您请教一下。

DAW方面的话，我现在基本上是使用Apple的Logic Pro 9。虽然现在已经发售了新版本Logic Pro X，但是我是有点念旧的人，所以就固执地一直使用着Pro 9啦（笑）。升级了操作系统的话Pro 9就会使用不了了，因此我也一直使用着老的操作系统，不过我现在觉得或许差不多要到极限该换了吧。最开始我是在Windows操作系统的PC上使用Sonar的，不过中途换到了Logic上了。

关于插件的话基本上就是一直使用着DAW的预设里的东西，只有鼓组会采用Addictive Drums。别的插件的话基本上不会使用哦。制作音色的过程中有时会使用Ableton Live，或是用Max这个可视化编程软件来制作音色。

在创作单一一首曲子的过程中使用Logic和Ableton两种DAW的话，您是怎样来进行分工使用的呢？

我基本上都是在Logic完成乐曲全部的创作的。我是把Ableton当做能对音频文件做到各种各样加工的重要工具的，而且Ableton里默认预置的效果和Logic相比也有些不同，所以当我想要那种差异的感觉的时候就会用Ableton捏出音色再导出，然后导入到Logic里编辑。虽然我这种做法可能是有点奢侈浪费的，但是只用Ableton就做完曲子我觉得对于我个人而言很难啦。

另外，我也很喜欢演奏乐器，因此我也会把自己在实际乐器上弹奏的声音录音下来使用。比如说我自己持有Nord Electro 3这样的键盘，microKORG这样小巧的MIDI合成器，还有Novation的MiniNova这样的微型合成器等等，所以我会把弹奏这些乐器的声音加工之后来制作音色。此外，我还买了TASCAM的录音器，所以我会录下来比如说敲桌子的声音和自己的声音这样各种各样的声音使用。有一段时期我买了像是非洲的打击乐器一样的乐器，然后我也会录音下来加工后使用。

也就是说，曲子中合成器的声音全都是在实际乐器上产生的吗？

虽然一部分是在Logic中使用了默认的模拟音源得到的，但是旋律部分基本上都是用实际乐器做的啦。

您不在DAW中直接输入而是坚持实际乐器录音的原因有什么呢？

我刚开始使用DAW作曲的时候，感觉MIDI所产生的声音很没有意思，或者说不知道为什么感觉听起来很机械。比如说，哪怕是实际中想想弹都觉得非常难的钢琴曲，如果是在DAW中输入的话就能简单地创作出来了不是嘛。这一点对于我来说就会感觉有点没意思，或者说我更想要更加有实感或者生命感的东西，因此于我个人而言我更喜欢使用我自己弹奏的声音啦。

作曲是按照什么样的顺序进行的呢？

虽然不同的曲子的制作方法各不相同，如果讨论最近的做法的话，我是按照，一开始先决定乐曲整体的氛围和情绪，然后再进行乐曲结构的细节制作，这样的顺序哦。首先是把作为曲子的核心的从intro到副歌的部分，用大概4条音轨简洁地制作出来。有了钢琴、鼓、贝斯和旋律声部的话，直到副歌部分曲子想要的那种气氛都能创作出来，因此把这些作为核心，我就可以把合成器和录音下来的声音等各种各样的东西编入进来以继续创作曲子了。在这样做了并得到只有一段副歌的接近完成的音频之后，我就会考虑接下来应该怎么办。比如说，分解并再重新组成在之前这只有一段副歌的音乐中使用过的元素，然后用这些东西制作B melo段（译者注：即主歌中用于衔接开始的主歌（A melo）和之后将要到来的副歌的部分），或者如果我打算要做完全不一样的东西的话就会再录一些别的音色进行制作。

作曲或是编曲的时候，您有别的人大概不会如此进行制作或是器材的特别使用的方法一样的特别工序吗？

关于鼓的话，因为我一直用着Addictive Drums，所以会通过MIDI的形式输入，不过也会将kick、snare或者是hihat之类各自的声音导出为音频文件之后再导入尝试排列在一起，或是切分开来制作鼓组的pattern，我会经常这样干啦。虽然也可以说「如果是这么搞的话归根到底用MIDI不就好了」，但是音频文件对我而言就像是纸张和笔一样的感觉。把音频文件粘来粘去的同时想着「要不这块这样做试试看」，某种意义上我是把音频文件当做思考的工具一样的。我觉得这可能是别的人不怎么这样做的特别工序吧。

我还想请教一下关于「逃避ケア」或者是「スーパーハイ！」等，这些掺杂着Cut up技法（译者注：Cut up，即指音乐制作中将原先的乐句切分后再重新使用的技法）的音乐的制作方法。

归根结底，我一直认为我实际上做了的事情并不是Cut up。我觉得所谓的Cut up，是有了另外的一个音源，然后在此上将这个音源中好听的部分，或者是用在自己乐曲的某个地方会很有趣的部分抽出来，然后将这些部分再组合重构，这才是一般的Cut up的制作方法。而我的话，比如说我会想着，在一瞬间加入了某个声音之后，接下来使用这样那样的效果加入声音的话，是不是就会很有趣地将前后连接在一起呢，也就是按所谓推倒多米诺骨牌一样的感觉制作曲子，我比较经常按这样来，所以我觉得和Cut up不太一样。

这一点先说到这里，而我变成这样的风格，或许是因为使用的音源。最早的时候我是使用着Logic Pro中有的默认音源哦。使用这些音源制作音乐，和那些使用认真制作的音源制作出来的东西相比就会有中廉价的感觉。而哪怕是在这样的限制下，使用像是Cut up一样的技法就可以让声音的质感感觉模糊起来，因此结果上我可能就变成了这样的风格。

把鼓组之类的暂且变成音频文件，或是录音下合成器的声音使用，说不定正是经过这些制作工序，才会变成像是使用了Cut up一样感觉的声音吧。

正是如此。我不清楚大家是怎样的制作音乐的，不过比如说我觉得尝试把整个A melo（译者注：A melo即指主歌中非B melo，不起连接副歌作用的部分，下同）演奏一遍并录音的人比较多。我和这样的方法相比，是以更小的单位，也就是一小节长度为单位进行声音的录音并连接在一起的啦。虽然对于有些曲子我有时也会演奏完整个A melo，但是我会从其中找到好的地方抽出来组合在一起来进行制作。

「逃避ケア」的最后一段副歌，或是「デンパラダイム」的第二段副歌之类的，曲调发生很大变化的展开这一点也很有特征。Lumo桑倾心于这样的表现的原因是什么呢？

毕竟我还是想给听众留下某种冲击，或者说抱着想要留下印象的想法。Cut up一样的表现也是如此，我觉得在那些一般不会在这里切断声音的位置，一下子把声音切断的话，对于听众而言或许这就会变成有冲击力的感觉了，所以我会使用这样的表现方法。而且我自己也是容易厌烦的性格，因此只重复相同的模式来制作乐曲的过程中我自己也会厌烦，而且我会有不安，觉得对于听众来说是不是也会厌烦呢，所以结果上乐曲就会变得很复杂，可能这样的情况比较多啦。

此外，虽然和音乐制作可能没什么关系，我很喜欢信息量大的东西。我很喜欢虽然一次没法理解但是重复很多次就能理解的东西，因此我觉得这样的东西可能也在影响着我。

在曲调发生很大的变化的复杂性之外，「メトロハドロンコライダー」或是「QFT」这样和弦走向很复杂的乐曲也很瞩目。想请教一下关于和弦的感觉方面使您受到了影响的艺术家或是乐曲。

我觉得我从各种各样的人那里受到了影响，不过如果是限定在这几首乐曲的时期的话，那还是涉谷系吧。比如说Cymbals，或是给konami的音乐游戏作曲的wac（脇田潤）桑，我很喜欢这些作曲家。我调查后发现，好像Cymbals的沖井礼二桑和wac桑在早稻田大学的轻音乐社团一起待过，我很喜欢他们那个系统的和弦的感觉并受到了影响哦。还有就是Dorian Concept，虽然他也有hiphop的感觉，但是主要还是像是爵士乐钢琴家一样的和弦的感觉，还有就是『轮回的拉格朗日』这部动画的OP中Rasmus Faber和中岛爱桑合作的那首「TRY UNITE!」之类的，我觉得我也受到了这一块的和弦的影响。

顺带一问，印象中您也经常在数拍中使用各拍不同的音色来表现和弦，这一点是怎么样进行制作的呢？

我会首先确定和弦的感觉，然后只录音下来那个和弦之后，再换成别的音色录音那个和弦，再把这些声音组合起来制作出来。

Vocaloid是「来自未来的歌唱家」

lumo桑在vocaloid中的话主要是使用初音未来，我想请教一下使用初音未来的时候常用的参数或是DAW上一并使用的插件、效果之类的。

我没有怎么调整过参数，基本上是按原样来。虽然我也会整体上稍微改变「VEL」「BRE」「BRI」「GEN」等这些参数，但是在曲子不同部分改变成不同的值这样的操作完全没有做过啦。我完全没有想让她像真人一样歌唱的想法，或者反过来说我是抱着让她机械性地歌唱的想法制作的，所以我觉得这些参数不要搞得太奇怪比较好。插件的话基本上也只插入了Logic默认的插件，没有使用奇特的东西。但是，Logic内置的卷积混响（convolution reverb）插件我个人很喜欢，我感觉基本上所有音轨我都会插进去。

您不怎么调整初音未来的参数，还有为了有效按原样利用Logic的默认音源采取了cut up一样的技法，这些是不是因为您被某种类型的像是有点廉价的表现吸引着呢？

因为我很喜欢一边思考在许多限制之中有没有存在着可以做到的事情，一边制作音乐啦。也是因为我不太想花太多钱的想法，默认预置的音源就能够满足我的需求了，没有特别地配齐许多音色。

「ハイパーサピエンス」中初音未来的声音上添加了可以说是过剩的效果，那些是怎样制作出来了的呢？

添加了过剩的效果的部分，印象中我是使用了Ableton的默认效果吧。虽然记不太清楚了，我那时适当地插了些让声音听起来乱糟糟的效果后发现感觉挺不错的。

此外，特别是最近的曲子里我有调整vocal的音高。我之前注意到了初音未来的声音相连的地方如果按一般导出的话音高会有点晃动，所以在不想有晃动的部分，我过去就会重新建一条音轨把那个部分单独导出来。但是实在是太麻烦了，现在的话我会使用安装在Logic里的音高调整工具一样的东西。我记得好像从Logic Pro X开始默认就会有这个工具了，不过我买了Logic Pro X，并在电脑上单独启动它，只是为了修正vocal的音高（笑）。

您对于vocaloid本身是怎样的存在这一点是如何看的呢？

我是理解vocaloid是从未来来的歌唱家一样的感觉，比起说是乐器，归根到底我觉得他们还是歌手。我觉得对于我个人来说，从不是人类而是vocaloid的视角出发上制作音乐是非常有魅力的。vocaloid的视角这一点，我觉得理解也因人而异哦。比如说，有些人心里有着这样的世界观，vocaloid不被操作就没有办法自己唱出歌曲。我自己的话，我觉得能够超过人类的视角，俯瞰着人类这一点或许就是vocaloid的视角。

按这么定义了的时候，我觉得好处就是，变得不一定要创作所谓的恋爱主题，或者是想要引起共情的基于感情的音乐。能够创作无视所有人类的感情的音乐真的很有乐趣。

音乐本身的方面上的好处是什么呢？

我认为不使用vocaloid就创作不出来的音乐绝对是有的，我觉得能够创作这样的音乐这一点是不是就是音乐方面的一个好处呢。vocaloid完全不需要换气也可以，还能让他们用快得不得了的速度说话，还能发出人类的声音达不到的领域的声音。我觉得能够创作出迄今为止只靠人类就是不可能创作出来的曲子这一点是极具魅力的。

以这一点为前提，我认为lumo桑也制作了像「デンパラダイム」一样的显著的高BPM且高速歌唱的曲子，而这也是cosMo@暴走P桑或是wowaka桑等在vocaloid圈主流音乐中一直展示着的元素。我觉得lumo桑和他们又不一样，开辟了自己独特的路线，那么对于使用这种表现手法的方面的这些先例您是怎样认识的呢？

我从cosMo@暴走P桑和wowaka桑受到了很大的影响呢。我作曲开始前我就知道这两位了，特别是听cosMo@暴走P桑的「初音ミクの消失」的时候，我感觉只有vocaloid才能做出的这种表现真的是太棒了。既是那么高的BPM，而且歌词也是只有用在vocaloid上才能成立的，因此哪怕现在我也仍然觉得是非常好的曲子，并让我受到了相当大的影响啦。

这首曲子以外，有着只有vocaloid才能做到的表现的曲子我也非常喜欢，因此我一直想着自己也要创作那样的曲子。这一点正是我从创作「vocandroid」前后开始意识到的啦。

对我个人而言，说到lumo桑的作品风格和那些先例不一样的地方，我觉得那就是尽管是音乐是实验性的，但是曲调和歌词两部分都极其有流行/积极的感觉这一点。是因为制作的时候存在着某种概念或者是有特别注意的地方吗？

我个人喜欢流行音乐，因此也就有想要创作流行而且快乐的东西的想法。但是，我不是要制作单纯的流行音乐，硬要说的话我想制作有着违和感的流行音乐。比如说，如同在『弗兰肯斯坦』里登场的怪物或者说像机器有样学样制作出来的人类的流行音乐一样的，我想要制作这种有点奇怪的感觉的音乐。

但是，我认为最重要的还是vocaloid本身原本就既是实验性的同时也有着流行元素，大概是这样。我认为使用合成音声来歌唱这件事本身在当初就是实验性的，然而通过可爱的视觉形象使其成为了一种流行的标志。如果要制作贴近这样的存在的曲子的话，我会觉得，尽管是实验性的但也有流行元素的曲子，和其他的曲子相比是不是亲和性会比较高呢。

也就是说，lumo桑的曲子可以说得上是有了vocaloid这样的存在才成立。

正是如此。因为我感受到了正是因为是vocaloid才能做到的东西的趣味，我自己也就想着要制作出那样的东西。但是，回顾想想的话我感觉是不是自己并没有做到那么实验性。因为无论如何我一直都还是在既存的音乐架构之中思考，所以我会经常想着，自己是不是没法采用再稍微不一样的方法，或是做出实验性的东西了，然而最终只是以自我模仿告终，这样情况更加常见。这一点我一直觉得是个待解决的课题。

从2014年12月投稿的「musiClock」那一阵开始，曲子中克制去采用高BPM或是复杂的展开，这一点也变得突出出来，不过我能感受到那不变的魅力。和之前相比，关于音乐的兴趣上，是不是有了变化了的地方和没有变化的地方呢？

我想要制作有vocaloid感觉的曲子的心情一直都没有变过，有一段时期因为cosMo@暴走P桑的影响我认为使用高BPM是是产生vocaloid感觉的一种手法所以有意识地一直这么干。但是，我开始制作乐曲之后，我渐渐开始感觉到曲子的气氛变得一样，产生不出太大的区别了，因此我想着BPM以外也有能够产生vocaloid感觉的方法，就尝试了把BPM降下来之类的。

关于乐曲的展开方面，尽管以前有想做过和弦展开非常复杂的曲子，但是要弹奏乐器录那首曲子的时候因为太过于复杂失败了啦。体力上也很困难，因此从那时候开始我就会逐渐克制展开的程度了。制作复杂的东西本身并不是很难，但还是很累的吧。但是只是重复同一乐句就会感觉有点欠缺，因此我现在是在能够使自己满意的范围内，一点点地制造差别和进行展开。

从「スーパーハイ！」开始到最新曲的「ハイパーサピエンス」或是「パラレルレイヤー」之间有着3、4年的空白，这段时间内有产生什么变化吗？

对于制作曲子的态度没什么变化啦。关于「パラレルレイヤー」，则是给游戏中的角色（编者注：这首乐曲是手机游戏『#COMPASS 战斗天赋解析系统』登场角色「零夜」的主题曲）制作的适合的曲子，因此我觉得或许才和平时相比有些不一样的感觉。单纯地只是我开始工作，时间上变得不太充裕了，因此才产生了空白期啦。

关于最新的两首曲子，用于制作重音的吉他很瞩目呢。

确实是加入了吉他啦。顺序上来说「パラレルレイヤー」是更先完成的，不过「ハイパーサピエンス」这首曲子本身从之前就有在做了，把它存着吃灰一年没有公开。制作「パラレルレイヤー」的时候我想着要和角色的概念相符而使用了吉他，结果我意外地迷上了这种感觉，因此我把存着的「ハイパーサピエンス」拿出来，在其中也加入了吉他，稍微重做了试试。

作为「美食广场」的vocaloid圈的有趣之处

之前谈到了来自cosMo@暴走P桑或是wowaka桑的影响，您还有别的特别喜欢的vocaloid P主吗？

有很多，不过特别喜欢的是daniwellP桑啦。「Nyanyanyanyanyanyanya!」这首曲子中，没有换气的高速歌唱，歌词也只有「nya」，尽管是以在人类歌唱的流行音乐中根本不会有的这些元素构成的，却能成为一首非常可爱的主流流行音乐，真是不得了的发明啊。我认为这就正是只有vocaloid才能做到的表现。

最近的话他自己搭建了Web应用，可以让用户画的角色跳舞（编者注：即网站「Wonder of Wonder Art」，可以通过下方Twitter的链接访问）或是创作各种各样的东西，在那个网站上也加入了vocaloid音乐对吧。迄今为止我印象中vocaloid是被niconico动画或是YouTube之类的平台保持着生命力与活力，但是vocaloid正在从这些地方进一步地扩张，或者说vocaloid的可能性正在不断扩大着，我对这一点的印象也很深。从这样的意义上来说我也很喜欢daniwellP桑啦。

还有就是松傘桑这位和miku一起做hiphop的，我也超级喜欢。只有vocaloid才能做到的说唱，或者说是正是因为是vocaloid才能做到的那种感觉的说唱，他向着这一块专心钻研，所以我觉得真的很厉害啦。「初音ミクの証言」这首，是以松傘桑为首的使用vocaloid制作着hiphop的各位集合在一起制作出来的曲子，我非常喜欢不管过了多少年也会一直听。

vocaloid圈以及其文化中的哪一部分让您感受到了有趣呢？

和刚刚的vocaloid的视角的话题也有联系，我觉得vocaloid是非常科幻小说一样的存在。比如说，哪怕对昭和或是平成初期的人说「数十年后机器会唱歌并且会感动很多的人哦」，他们大概也是不会相信的吧。正是因为vocaloid是科幻小说一样的存在，所以其中有着全新诞生的东西这一点非常有意思。

还有一点虽然大概是被说烂了的，使用vocaloid不管是什么样风格的曲子都会被听众认知为vocaloid曲并收听这一点很有意思哦。虽然这个想法或许已经有谁做过了，我认为哪怕作为曲子都不成立，可能听众们是不是也会听呢。也就是说我有点想，以像是John Cage的「4′33″」这首曲子一样的方法，探究到什么程度为止的音乐可以作为vocaloid曲成立这一问题。

印象中粉丝给lumo桑的曲子自制的的视频很多，关于这一点您是怎么看的呢？

单纯地很感激啦。我自己不会画画也不会制作视频，因此从我那个谜一样的封面开始想象并制作出来视频真的让我很高兴。也有我自己没有想到的解释，或者是我是这么想的但是别的人却是那样理解的，我很喜欢观察这种差异。

使用富于节奏的曲调，或者是原本的视频中使用简单的插画，我觉得这些或许都会激发粉丝的创作热情。

关于简单的插画我完全是受到wowaka桑的影响啦。最开始的时候我觉得如果不使用初音未来的插画的话不会很不好吗，但是wowaka桑就是使用简单且有几何感的插画，所以我觉得自己也可以制作这样简单的插画，所以就成了这样的风格了。

就我个人而言，我感觉lumo桑极端的音乐接连地火起来这一点也是vocaloid圈的一大魅力。对于vocaloid圈或是自己的听众您是抱着怎样的印象的呢？

本来我也没有觉得自己火，我对自己的认识是，自己现在是没有打全垒打但是打出了一垒安打了。我这边的话真的只是制作着我想做的东西而已，因此存在着听了我的曲子对我说不错啊的那些人，我真的很高兴。

关于听众我印象中是物以类聚，或是说是意外地有很多和自己很像的人。那些表达喜欢我喜欢的东西的人，我感觉在根本的部分的某处或许是相似的吧。可能是因为我的音乐和普通的流行音乐稍微不一样，有点扭曲的感觉吧。

我也有过相同的体验，因为vocaloid圈中有很多年轻的听众，我觉得可以把lumo桑的音乐作为契机，接触到在排行榜上少见的音乐，然后有时再由此引发去听各种各样的音乐吧。

这一点也是vocaloid圈的魅力之一吧。我认为vocaloid圈就像美食广场一样的感觉，首先去那个美食广场吃中国料理，喜欢上了之后接下来就会想去华人街，我认为能够创造出这样的趋势，也是vocaloid圈特有的有趣之处。这是在一般的音乐圈中不会产生的趋势吧。

但是另一方面，我觉得从华人街来到美食广场的人的话就没有那么多了啦。这一块是让我个人觉得有些可惜的部分吧。在华人街就已经满足了所以不需要去美食广场，这样的。虽然这有可能是因为vocaloid圈是有点封闭的空间，但我觉得没有那么多的音乐爱好者敢于尝试接触vocaloid圈这一点很可惜。

举例来说，因为作曲的菊池成孔桑，乐团DCPRG的曲子中有着vocaloid兎眠りおん主唱的曲子（「キャッチ22」），所在的那张专辑被爵士乐的名厂牌Impulse! Records所发行，我觉得真的很有意思。从某种意义上，我感觉这像是给了在华人街的人前来美食广场的契机，希望这样的契机能够继续增加。

也就是说，Herbie Hancock一样的泰斗爵士钢琴家之类的人制作了vocaloid主唱的曲子的话，喜欢爵士的人说不定就会来瞧一瞧vocaloid圈，我觉得这就有可能会产生出前所未有的崭新的爵士乐表现，因此如果能变成这样的话我想或许就能创造更多的未来了。但这大概很大程度上不是我能够做出来的事情了，谁来给我整一整啊（笑）。

顺带一问您至今为止都没有制作过vocaloid的完整专辑，有这方面的打算吗？

现在的话还没有啦。我我觉得自己制作的曲子是高卡路里的，像是家系拉面一样的东西（译者注：家系拉面，即1974年创始的「吉村家」的拉面作为来源的，以猪骨酱油为基础的粗直拉面，售卖这一类拉面的店名经常取为「〇〇家」）。家系拉面连续吃十顿的话太累了，因此从音乐的特点上我觉得我的音乐是不适合专辑这样的形式的。一旦真要做的话还要担心库存，母带制作还必须得要把各曲目调一致，有太多要考虑的东西了，所以我觉得好麻烦啦。

此外，我自己的话即使听了张什么专辑，完整听了一次后，而只反复地听喜欢的特定的曲子的情况比较常见。观察现在的音乐界的话，只制作了一首曲子就作为单曲专辑在流媒体上发布了，这样的做法也变得多起来了，所以有点感觉不到坚持于专辑这样形式的意义了啦。

vocaloid文化以视频网站为中心兴盛了起来这一点，说不定也造成了「单曲循环信息量大的曲子」这样的形式普及开来。我感觉lumo桑的音乐，从这个意义上来说也是vocaloid所特有的东西。

确实如此。因为为了听一首曲子而特意的访问视频网站这一点，是在此前的音乐体验中所没有过的东西啦。事到如今虽然视频网站上像是听专辑一样听音乐也变得可能了，但是在之前很长一段时间里都是很难的吧。

lumo 个人简历

Twitter：https://twitter.com/lumommmbon

ニコニコ動画：https://www.nicovideo.jp/user/1526859/mylist/18782179

YouTube：https://www.youtube.com/channel/UC3lf_txBkZ5Jk7P_Wwm225Q

原文链接：https://blogs.soundmain.net/14600/

https://note.com/lf_flat/n/n8bb685b12359

导语·采访：Flat

本文编辑：しま

已获得Soundmain平台的翻译授权。

翻译：nagi