【修说德云】为什么九辫不出新活，还被说创作能力强
说到新活，这里有三个概念，一为“新”，一为“活”，合起来为“新活”。
新与旧相对，有三层意思：刚有的、没用过的、性质上变得更好的。
活，在相声里指的是节目、段子。
判定九辫有没有新活，取决于我们对“新”的定义。严格地把新定义为整体从未出现过，那九辫的新活的确极少，广义地看变化、看迭代，那九辫的活一直在出新。
相声的本质是故事，相声表演就是相声演员借助有限的场地和道具，把这个故事演绎出来给观众看。
故事是情绪的经济，表情是以形传神，用演员的情绪打动观众的内心，演员带动观众的情感。
一样的梁子，不一样的包袱。
一样的包袱，不一样的笑点。
一样的故事，不一样的内核。
一样的相声，不一样的演绎。
至此，九辫把相声演员都能演的传统活变成了自己的。
什么叫自己的？用赵佩茹的话说，“你得不断地加工修改提高，什么时候这段儿你说得最好，别人说不过你，这才叫会一段儿。”
九辫说，每一次表演都尽量给大家不一样，有变化。
这就是九辫的创作。
拿《歪唱太平歌词》来举例。
歪唱的梁子很简单，逗哏埋汰捧哏，说捧哏的不会太平歌词，捧哏不服，说我就会！逗哏要唱个捧哏不会的，于是生造出来一段不知道是什么玩意儿的玩意儿，捧哏戳穿，说你再来一遍，逗哏做不到，结束。
九辫的歪唱梁子没变，但是包袱、笑点都变了，整个故事的情绪和内核也都变了。
相声诞生于街头，包括茶馆、小剧场在内的演出场地，决定了相声演员和观众的距离很近，因此，会有拉家常一般的垫话，吸引到观众的注意力后再慢慢入活。
18年后，九辫的演出绝大部分是商演，而且粉丝过度热情，于是，九辫的歪唱逐渐取消了垫话，改成上来就唱，一为压言，二也为满足粉丝需求。
歪唱那一段，原本是逗哏貌似即兴地胡编，老郭曾经贴合当时流行歌曲的潮流，歪到过“亲爱的，你慢慢飞，小心前面带刺的玫瑰”。
九辫的相声是台上一个逗哏和一个逗逗哏，台底下一群捧哏。于是，九辫见景生春，把歪唱的这一段变成众筹，既完成了表演，又在不影响表演的前提下满足了观众的参与感。
九辫歪唱还有一个独特看点——九辫的互动。一块是杨九郎为了打断张云雷的捂嘴、抓手等肢体接触，一块是杨九郎拿扇子敲着桌子让张云雷“再唱一遍”的凶悍霸气。
有多少粉丝给这两块的杨九郎弄得小心脏扑通扑腾，捧着心喊“九爷霸气”“九爷杀我”？
又有多少粉丝给这两块的张云雷弄得一脸姨母笑，觉得我角儿真可爱我二爷好娇媚？
于是台下就啊啊啊啊啊啊——
写在纸面上变成文本，看起来还是那个歪唱，但是内核、情绪都不一样了。
到此，歪唱成了九郎的拿手活，九辫可以左右这个作品。
这个过程，说起来容易做起来难。
老郭曾说：“观众今天听你节目打70分，他希望你下场80分。但是不管从艺术的角度、从美学的角度、从科学的角度，下一场我还维持70分，就已经是天大的难处了。”
九辫的歪唱，14年上半年还是很传统的演法，14年底，一方面出于九辫感情的飞速进展（14年年底，张云雷得到了杨九郎的御子），一方面也出于现场观众的反应回馈（就爱看杨九郎凶张云雷），九辫摸索到了他们的方向，在之后的几年里，不断地缩减啰嗦的垫话，增加能刺激观众情绪的点，最终形成了自己的风格，把歪唱这个本身情绪比较单薄的节目演得精彩绝伦。
于谦说相声讲究张扬个性，个性是把自己和别人区别开的一个重要的点。
首先区别，然后提高。
一样的活，九辫的情绪比很多年轻演员的表演要饱满强烈，一方面是因为二人的私交甚笃，另一方面，俩人下了功夫。
杨九郎老说“我们不对词”，但是张云雷会说，俩人会注重积累，生活里发生了什么，就考虑用到包袱里。
这就是九辫创作的形式。
很多人以为创作、写本子就该是坐桌上对着纸笔写东西，其实那是第三个阶段。创作的第一个阶段是有创作的欲望、有情感上触动的点；第二个阶段是积累一些散碎零星的灵感，就像老郭那一条一条的小纸条，形成了素材矩阵；到了第三个阶段，才是拉框架理逻辑，对素材进行取舍加工，使结构完整、逻辑顺滑。
到这里，相声初步的创作完成。
接下来需要在演出中，两个人不断取舍不断磨合，根据自己的感受、观众的反馈反复打磨，直至成型。
成型之后，不断优化，做到人无我有、人有我优。
这是九辫创作的劣势。
众所周知的原因，张云雷甚少能再去小剧场演出，去小剧场打磨的机会极少。
还有一点，就是九辫的粉丝太多，而且都喜欢拍视频，现场给演员的反馈不在点子上。所以九郎一方面遗憾“因为包袱乐多好啊”，一方面指责粉丝笑得不对（还讲理不？还嫌弃粉丝笑得不对！），一方面希望观众能放下设备，多看看演员。
演员在成长，粉丝也在成长，相信九辫和九辫的粉丝都能越来越好，越来越知道对方想要什么。
2020年，九辫的版图明显扩张，2021年，九辫以惊喜开年。
创作需要广博的阅历、深刻的感受、深入的思考、高人的指点和持续的努力。
目前看，这五点，九辫都齐了。
2020，九辫没有合体说相声，期待2021，九辫能给我们越来越多的惊喜。
