干货！西方美术史串讲 上

文案：40分钟串讲一下国外美术史的基础知识点，所谓外国美术史，其实是很局限的欧洲美术史，我们将按时间顺序串讲古埃及、古希腊、古罗马的艺术，中世纪的拜占庭艺术、文艺复兴时期、巴洛克和洛可可艺术、理性恢复的新古典主义时期，以及印象主义的开端。

中国美术史偏向于平面的绘画和书法，如果要讲外国美术史就不得不讲它的雕塑和建筑。

 

目前发现最早的绘画、建筑和雕塑分别是，拉斯科和阿尔塔米拉黑暗的洞穴里，一万多年前冰河时期的人类画在墙壁上的野牛。土耳其发现的在户外集会的哥贝克力石阵，而在更早的两万多年前，这个丰腴的人体雕塑被称为《沃伦多夫的维纳斯》 ，这三件最早的作品可以看出，对于力量、宗教和生殖的崇拜一直延续在人类的文化中。

 

《汉谟mo2拉比法典》是古巴比伦的法典，它刻在高两米多的石柱上，所以又被称作石柱法，序言包括两种内容，一个是君权神授，一个是“使强者不凌弱”。

 

亚述浮雕是统一了两河流域的战斗民族亚述人的作品，因为他们骁勇善战，所以浮雕内容包括征战、猎狮等主题。

 

古埃及的艺术和法老的死亡相关，安葬法老木乃伊的金字塔，其中最大的是胡夫金字塔，后来国力衰弱法老死后就只能造崖墓了，像是哈特谢普苏女王陵墓，他们石棺画有鲜明的埃及特点，严格的等级、几何的构图、正面律技法画人相对完整的样子。雕塑方尖碑是对于太阳神的崇拜，太阳照在尖顶的时候会闪闪发光，它还可以用来看时间，原理同日晷gui3一样。

 

古希腊的艺术受两种文化影响，一种是克里特文化，代表作有《女蛇神》，一种是迈锡尼文化，代表作有《狮门》。

 

希腊人建立了雅典、斯巴达等小城邦，他们追求民主自由，热爱知识，喜欢运动，所以他们的雕塑像《米洛青年像》、《断臂维纳斯》自信、健美、神情平和，身体的美是精神美最直观的体现。埃及喜欢恢弘的建筑和雕像，所以材料用的都是相对粗糙坚硬的矿石，希腊雕塑多是和真人的比例差不多，使用的材料是细腻的大理石，但是为什么后面又开始用青铜了呢？像《宙斯》、《驾战车者》、米隆的《掷铁饼者》原作都是青铜材质，因为两点，第一点：大理石一刀刻错了很难补救，而青铜在注模mu2前可以多次修改，第二点：雕塑家都在不停炫技让原本呆呆站立的雕塑，有运动的姿势，但是大理石承重能力不如青铜器省心。

古希腊雕塑最具代表性的是《拉奥孔》，拉奥孔察觉了木马计，试图阻止木马进入城中，违扭了雅典娜的旨意，雅典娜就放两条毒蛇去杀死他们父子三人。

胜利女神像，是为纪念军事胜利而创作，飞扬的两翼，展现出昂扬坚定的态度。

还有同样没了头的是雕塑《命运三女神》，三姐妹分别知道过去、现在、和未来的命运。

古希腊建筑的成熟标志是多立克式、爱奥尼式、科林斯式，这三种柱式系统的完善。

帕特农神庙是供奉雅典娜女神，以多立克柱式为基础，并结合爱奥尼式的元素，兼具刚劲和秀丽。

黄金分割率，是古希腊数学家毕达哥拉斯所发现的，比例在1:0.618的时候是最完美统一的。

罗马灭了希腊地理上这个国家，但是希腊的文化却没有消失，反倒同化着罗马，

罗马万神殿是用以供奉奥林匹亚山上诸神，门口伫立着埃及的方尖碑，石柱融合了希腊不同风格的样式，也有创新使用拱的结构，上部形成半圆的结构，减少支撑柱使用，空间挑高且具有完整性，美国国会大厦建造灵感就是源自于它。

纪念君士坦丁大帝统一罗马帝国而建的君士坦丁凯旋门，会不会让你想起拿破仑在法国建的凯旋门，对了 因为模仿的就是它。

 

这里讲一下拜占庭艺术，拜占庭和罗马有什么关系呢？罗马太大了，于是皇帝决定把罗马分成两半，拜占庭是东罗马的首都，东罗马帝国也就称为拜占庭帝国，所以中世纪的拜占庭艺术就是东罗马的艺术。东罗马信仰基督教，之后的艺术中宗教题材将是浓墨重彩的一笔。

 

君士坦丁大帝是第一位信仰基督教的罗马皇帝，基督教开始合法化，信徒数量激增，他们集会的场所必须容纳很多人，于是发展出巴西利卡式会堂，其特点是平面呈长方形，实用，会议厅和法庭也采用这种建筑风格。

圣索菲亚大教堂属于拜占庭式建筑风格，巨型的圆顶，让建筑内部更宏大，但是这个圆顶不太结实，一地震就容易坏。

 

随着十字军东征带来的文化融合，逐渐形成了哥特式的建筑风格。

哥特式建筑广泛采用，尖拱、肋lei4拱、飞扶拱，使建筑形成了一种向上的动势，给人高耸挺拔之感，人抬头仰望时生出对神的无限敬畏。飞扶拱取代了墙壁的承重功能，墙壁用彩色玻璃做花窗，内部空间宽敞明亮，色彩斑斓，最著名的哥特式建筑是法国巴黎圣母院、德国科隆大教堂、意大利米兰大教堂。

中世纪后期，中产阶级和市民阶级随着商业贸易兴起，他们不满以宗教为中心的生活方式，开始改良宗教中不符合人性的地方。文艺复兴艺术的核心是人文主义精神，以人为中心而不是以神为中心，肯定人的价值和尊严。

文艺复兴具有以下基本特征：

一、它复兴的是古希腊、古罗马的艺术样式。二、宗教题材逐渐世俗化，用生活当中的人物去表现宗教题材。三、再次出现了裸体的形象，冲击了中世纪的禁欲主义。四、以写实为主，发展了透视学和人体解剖学。

文艺复兴我们要学习三个阶段：早期：佛罗伦萨画派、中期：文艺复兴三杰、晚期：威尼斯画派

佛罗伦萨画派的特点也就是文艺复兴的特点。乔托是最早一批以人体解剖学和空间透视法来处理画面的画家，代表作有《犹大之吻》、《哀悼基督》和《圣方济各之死》，他的作品比之前宗教的宏大主题多了人性的温暖，把宗教上的死亡转化成人类生活中会出现的情感，神的死亡像是亲人死亡，人们流露出悲伤的神情。

 

马萨乔发展了乔托的艺术技法，并且在画面中首次引用了灭点透视法，灭点，简单说在人眼来看火车铁轨平行的线在远处会形成一个点，一个消失的点，灭点透视法的出现使得油画突破了平面化的限制，开始变得具有立体空间感，代表作有《三位一体》，“灭点”放在了十字架的脚下。他是画坛的新星，蓝色是“炫富”的色彩，中世纪你看的画大面积蓝色，那就是很贵的订单。

与中国文人画陶冶情操，寄情山水的传统不同，西方的绘画一直都是接订单的职业画家，这就不得不提到文艺复兴最大的金主爸爸——美第奇家族，他们还开办了美第奇美术学院，美第奇家的墓是米开朗基罗雕的，结婚礼物是波提切利的《春》，

波提切利的很多作品取自于希腊神话，像《维纳斯的诞生》，肯定世俗的繁华与感官的享乐，洋溢着浪漫和喜悦。歪个楼，维纳斯是怎么诞生的呢？是她哥哥克洛诺斯把自己的父亲的隐晦器官，投入海中，维纳斯就从海的泡沫中诞生了。

 

这个时期的绘画材料还不是油画，主要是木板蛋彩画，盛行于14-16世纪欧洲文艺复兴时代，用蛋液调和颜料绘成的画，画在表面敷有石膏的木板上，到16世纪后，逐渐被油画取代。

 

下面我们讲文艺复兴三杰：达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。

达·芬奇是一个复合型天才、精通舞台布景、建筑、力学、绘画、解刨学，《人体比例标准图》就是他避开教会的禁令，解剖尸体所绘制的。《最后的晚餐》这张壁画原作现在非常斑驳，以对称的构图画了耶稣被出卖以后，与十二名弟子共进晚餐，耶稣向大家宣布“你们中有人出卖了我”之后众人的反应。《蒙娜丽莎》应该是世界上被复制最多的一张画了吧，有人说她神秘的微笑是最最伟大之处，有人说这张作品最应该被称道的是她的手，有人说这不过是法国艺术的广告效应，你觉得是为什么呢？《抱银鼠的女人》和《蒙娜丽莎》所用的都是明暗法，从明到暗的过渡是朦胧的，没有明显界限。化妆的人深有体会，就是多晕染减少边界感。《岩间圣母》是金字塔构图法，拉斐尔也喜欢这种稳定感的构图方式，《岩间圣母》有两幅，两幅目前都鉴定为真迹，所以六百年前发生了什么小插曲，倒是蛮有意思的。

米开朗基罗是我非常喜欢的一位狠人，他23岁的时候就接到一笔大订单，法国红衣主教委托的雕塑《哀悼基督》，大家知道这个年轻人挺厉害的，但是没想到他这么震撼，并且这种激情一直贯穿在此后几十年的创作中。26岁雕刻了《大卫》，为男性阳刚之美树立了典范，这也和他做解刨密不可分，所以雕塑系的孩子们，你们现在专业课包括解刨人体吗？

好的画家不一定做得了雕塑，但是做雕塑的都能画画，米开朗基罗用四年的时间画了世界上最大的壁画——西斯廷教堂天顶壁画《创世纪》宽14m长38米，等于500平，是他老冤家达芬奇《蒙娜丽莎》的1347倍，长期仰头的艰苦作业，令他的脖子无法正常弯曲。30年后，他又接到教会订单邀请，在天顶下方的墙壁上画了400多个人物，《最后的审判》，这幅壁画描绘了基督来临的那一刻，他要审判生者和死者，被他免罪的人获得永生。现在我们看到的版本是有内裤的版本，其实之前都是赤裸的，米开朗基罗死后教皇才叫人来缝内裤的，我觉得大可不必，这像人有手有脸有头发有脚有大腿一样正常，所以你说文明开化会永远进步吗，伊朗女性的头巾从摘下到再被要求带上，也不过二十多年，我们刚建立的文明其实很短暂，上一次卢旺达死了100万人的大屠杀才过去30年，自由、文明、安居乐业是我们必须警醒和捍卫才能持久的脆弱之物。

 

说回米开朗基罗，他著名的雕塑还有奴隶系列，包括《被缚的奴隶》、《垂死的奴隶》。晚年他又重新做了“哀悼基督”的主题，完全不同于年轻时作品的华美，是在历经八十年沧桑岁月之后的深沉和庄重。

我们讲文艺复兴三杰最年轻的一位——拉斐尔，相较于米开朗基罗的沧桑和沉重，拉斐尔的作品更完美精致，因为还没还没来得及进入不惑之年就去世了。他的代表作有《雅典学院》，这幅壁画是受雇于教皇尤利乌斯二世，这个人也是米开朗基罗的甲方，并且《创世纪》和《雅典学院》这两张画都在西斯廷教堂，差不多的时间绘画的，《雅典学院》

是以古希腊哲学家柏拉图创办雅典学院为题材,力求展现一个百花齐放的古希腊文化盛景。亚里士多德用手 指地表示他关心人世间的法律和客观实体，柏拉图用手指着天，表示他追求心灵升华的理念世界，画中的柏拉图是达芬奇的晚年形象，赫拉克利特的造型是米开朗基罗，把古希腊画家阿佩利斯刻画成自己的样子，他还作弊看镜头了。拉斐尔人缘特别好，所以接了很多教会订单，画了很多圣母像，在创作中采用了较为稳定的三角形构图，描绘了极为华丽的布景，圣母皆是温柔貌美的形象，具有古典精神的安宁和秩序，像是《玫瑰圣母》、《椅中圣母》、《西斯廷圣母》等。

 

扬·凡艾克是尼德兰文艺复兴的先驱，他特别擅长细腻的写实绘画，代表作品《阿尔诺芬尼夫妇像》。

下面介绍超现实主义绘画的鼻祖——博斯，代表作《人间乐园》，这是一个木板三联画，最左侧是亚当和夏娃，中间是疯狂人类行为大赏，各种拼接的动物满天飞，人钻进代表欲望的鲜艳果子，倒插在水里，被贝壳夹住，还有插花行为，我不理解，但我大受震撼，右侧是大火审判下人被分支蚕食的骚乱。

勃鲁盖尔是一个画画家族，老布鲁盖尔也受博斯影响画一些疯狂人类，我更喜欢他的现实主义作品，以农村生活为主。电影《寒枝雀静》的片名灵感来自于《雪中猎人》，阿巴斯《24帧》第一个场景也是在向这幅画致敬，老布鲁盖尔避开了宗教、贵族和富商，以最普通的百姓生活为题材，他还画了一系乡村生活的风俗画《农民的舞蹈》、《农民的婚礼》等。

 

丢勒被称为“北方的达·芬奇”,他的关键词有：自画像，水彩，版画，版权。

他陆续画了多幅从少年到老年的自画像，（这张看着有点像徐锦江）是最早画这么多自画像的画家，帅而自知，才华横溢而自知，他的画很少有愉悦的一面，画面给人冷峻忧郁，深沉之感。。

为数不多的愉悦感是他在旅途中经常画一些轻松的小水彩。

那最具代表性的还是他的版画，他的版画《骑士、死亡和魔鬼》的意象也出现在伯格曼的电影《第七封印》中，《启示录》是15幅描绘末日审判的木刻版画，版画因为可以印刷传播，所以他在画家中很容易出圈，迅速风靡欧洲。出圈所以盗版也多，于是他把自己首字母“AD”签名做成防伪标志，表明自己不单是受雇的工匠，也开始有艺术家的身份了。

 

小荷尔拜因的代表作是《大使们》，一直被争论的是画中变形的骷髅，为什么会出现在形象照里，因为这是订单画，所以我更倾向于是订单主丹特维尔的意思，并且他本人帽子上也有一个小骷髅装饰，他对于死亡的观念是“凡人皆有一死”。

 

我们来到世俗快乐的威尼斯，航运兴起了一批new money，他们喜欢绚丽的色彩，肉体的感官之美，威尼斯画派宗教题材的人物也更具有享乐主义的精神，画派领军人物贝里尼改良了木板蛋彩画，使用油性物质作为调和剂，在湿润的空气中更容易保存，颜色深浅更容易把握，画像主体与空间的过渡更为柔和，油画的光泽更奢华。乔尔乔内和提香的出现将威尼斯画派推向画坛主流地位。乔尔乔内的《暴风雨》中圣母形象，因为旁边加了一个世俗男人的凝视，这个氛围多少有点别扭。《乡间音乐会》也是，男人都是穿着衣服，处在安全的舒适区，女人都是裸体。这个画面组合在一起就是性别凝视，那你说他画的好吗，画的挺好的，挺好的油画A片。提香重视对色彩的运用，画女人体时经常使用一种金橙色，这一颜色被称为“提香色”，但是对色彩运用的基础是素描，你们看看他的素描功底就知道了，要是谁跟你说素描不重要，啊 那你就当面把白眼翻上天，我的礼貌在愚蠢面前为0。他的代表作有《乌尔比诺的维纳斯》，把维纳斯从自然风景中请进了卧室里，与其说是宗教里的女神，更像是新婚的少妇，慵懒地享受生活，前几年流行的那句话怎么说来着，欲望满足之后的倦怠感。《酒神的狂欢》这件作品是众人纵情喝酒舞蹈的场面，文艺复兴户外演唱会现场。丁托列托延续了娱乐精神，他画的《维纳斯、战神与伏尔甘》描述的是什么呢？维纳斯出轨爱上了战神，生下来儿子丘比特，他们出轨的时候被老公伏尔甘撞见，这个剧情是吧，包括后面这个镜子的设置，日本产业看了都得叫爷爷。韦罗内塞画的《最后的晚餐》被教会起诉了，教会问他“耶稣的弟子彼得在做什么？”他说“在等着分羊排”，羊排面前提什么宗教，先吃了这口再说，这可能就是威尼斯文艺复兴的精神。

 

我们再补充两位画家就进入巴洛克和洛可可时代，格列柯在艺术史上的价值到现代才被重新重视，苦闷、怀疑、躁动充斥在《托莱多风景》和《揭开启示录的第五封印》中，毕加索《卡萨吉玛斯的葬礼》、《哀悼者》仿效了格列柯的《奥尔加斯伯爵的葬礼》的构图方式。

 

卡拉瓦乔创造了“酒窖光线”，物体处于黑暗之中，把主要部分打亮突出出来，他最著名的一张画是《手提歌利亚头颅的大卫》，这应该是美术史上最反叛的一张自画像，他本人不是画中的大卫，而是被砍头的歌利亚，《带着施洗约翰头颅的莎乐美》中同样被砍下头的也是他自己，《砍下荷罗孚尼头颅的犹滴》这个人头也是他。他背叛了文艺复兴以来理智、古典、唯美的秩序，他应该也是最爱寻衅滋事打架斗殴狂乱放荡的画家，曾因杀人逃亡，也以当红妓女做圣母的模特，他画中的少年丰腴的肩膀，欲望到腐烂的水果，极具戏剧感的故事画面，卡拉瓦乔汲取的是文艺复兴的技法，表现的是巴洛克的生命力。

我们便于学习，把巴洛克和洛可可对照着来讲。

巴洛克风格贯穿17世纪，之后的18世纪才逐渐形成洛可可艺术，洛可可艺术是巴洛克的延伸，为什么不到百年时间巴洛克就被洛可可的主流审美取代了呢？因为没那么多钱了，巴洛克是外部建造的艺术，洛可可是内部装饰的艺术。

巴洛克原意为形状怪异的珍珠，建筑风格喜欢繁复的装饰，漩涡纹强烈的律动感，“狂喜”是它的关键词，追求精神飞扬的蓬勃激情。它诞生的背景是十七世纪欧洲强权扩张，财富迅速积累，生活上提倡豪华享受，百姓们看不惯他们奢侈的生活方式，马丁路德提倡新教改革冲击了旧教势力，那有钱的旧教势力为了吸引教徒，积极利用艺术建造宏伟的教堂和宫殿。

比如贝尼尼的作品，他在教会的支持下改建罗马，被现在游客当做许愿池的《四河喷泉》，它原本是代表四条孕育文明的河流，圣彼得堡大教堂前的回廊、教堂内四根巨柱的天盖，底下的主教宝座，这个椅子过分华丽了吧，以及克利那勒教堂圆顶内部，蜂巢的造型，都出自他的设计。他设计并亲手制作的雕塑代表作有《圣特雷莎的狂喜》，丘比特的利剑要穿透圣女的心，但也不是心，而是更隐私的部位，她的表情不再是肃穆和悲悯，特蕾莎嘴巴微张陷入宗教的迷幻之中，后方的金属条散发着光辉，像镀上一层氛围感滤镜。阿波罗和达芙娜》斜线的构图法让两个人的身体造型非常轻盈，飘飘乎如遗世独立，羽化而登仙。《被掳掠的帕尔塞福涅》是x形构图，一个强壮，一个柔弱，两个人物产生对抗的张力，最被人称道的细节是手指摁入大腿，冰冷的大理石产生的肉感，眼角的泪水和紧绷的脚趾为这组雕塑增添了紧张的戏剧感。

洛可可原意是混合贝壳的装饰物，它的线条比巴洛克柔和，色调更清新，多用于室内装修，或者一些小而精致的乡间别墅。路易十四建造凡尔赛宫的时候是巴洛克时期，到路易十五的时候，时尚主流就是洛可可风格了，这就不得不提路易十五的情人蓬帕杜夫人——“洛可可女王”，她有美色迷倒国王，有政治铁腕处理政务，有戏剧才华活跃于文艺界， 伏尔泰和孟德斯鸠是她的座上客，华托、布歇为她粉刷墙壁，画肖像。蓬帕杜夫人喜欢少女心的粉蓝色调，喜欢鲜花，喜欢书籍。这个时期肖像画的光来自四面八方，照亮整个面部和人物服饰，色调柔和明亮。布歇还画了东方的异国风情，此时中国的山水花鸟画、明清家具弯曲的腿脚、瓷器、描金、漆绘等工艺传进法国宫廷，弥勒佛也远渡重洋成为装饰品。华托的代表作是《发舟西苔岛》，《爱的乐趣》，他常用这样的构图，表现一群青年贵族男女在草地上嬉戏的场面，利用树丛构成舞台背景，在背景后留下一块明亮的天空，人物一排布置在前景上。

还有弗拉戈纳尔表现男欢女爱的《秋千》，现在解读说这幅画色情在女士那个时候没有内裤，但是这幅画的一百年前法国女人就穿蓬蓬裤，用来提升臀部曲线，骑马时做安全防护和防偷窥。

在洛可可之前艺术中心一直在意大利，怎么就突然跑到法国了呢？因为洛可可之前还有一个短暂的枫丹白露画派，代表人物是从意大利过来上班的罗索和普利马蒂乔，他们改造了法国国王打猎的行宫枫丹白露宫，内部装饰加入了大量的金色，墙面上花边的浮雕精致奢华，相对于宗教的崇高宏大，更柔美宜居。就是这个国王，让·克卢埃画的《弗朗索瓦一世》

，他是艺术的狂热爱好者，安格尔后来还画过一张弗朗索瓦一世看望弥留之际的达·芬奇。枫丹白露画派，还有一张代表作是无名氏的《埃斯特雷姐妹》，两姐妹是国王亨利四世的情妇，两个人在剧场一样的幕布前，妹妹捏住姐姐的nipple，有人分析说这是暗示姐姐怀孕了，怀的是这个戒指主人的崽，就是这个不能露出全身像的男主的孩子，大家都心照不宣的宫廷秘事，后面这个老妇人正在做孩子的衣服。历史冷知识这个情人因为难产不幸去世。

 

我们讲完了洛可可，现在回头补充上巴洛克的三位代表艺术家。鲁本斯、委拉斯凯兹、伦勃朗。

卡拉瓦乔和鲁本斯是同时代的画家，鲁本斯比卡拉瓦乔更会经营自己绘画的天赋，他非常受王公贵族的喜爱，笔下的女性丰满白皙，丰乳肥臀的风格被大家戏称“开肉铺的鲁本斯”，我非常喜欢这样的肉体，热情洋溢、极具运动感，颜色富丽，我想象中盛唐打马球的女人就是如此，佳人自鞚玉花骢，翩若惊燕踏飞龙。鲁本斯画了很多皇家纪念照，他的画像一出场好像自带嘹亮号角，构图恢宏，具有戏剧性。贝尼尼画了宙斯弟弟抢人家女儿的故事，鲁本斯画了宙斯双胞胎儿子抢别人家女儿的故事《劫夺留西帕斯的女儿》，不愧是宙斯一家人。这幅画鲁本斯采用圆形构图，人物造型魁梧健硕，男人、女人、马匹交织在一块，像一个旋涡。在技法上运用了透明色加工，亮部厚画，暗部薄画，所以人物在画面中会很突出，有一点像电影手法的背景虚化。

 

电影中有专门的一种光线被命名为伦勃朗光线，被摄者脸部阴影一侧对着相机，灯光照亮脸部的四分之三。这种黑影强光的技法就是来自于画家伦勃朗。伦勃朗属于现实主义创作的道路，擅长画自画像，从他不同时期的自画像中，可以客观了解当时伦勃朗的精神状态。伦勃朗没有鲁本斯那么幸运可以接贵族订单赚很多钱，伦勃朗接的订单多是中产阶级商会和组织的订单，他的代表作《杜普教授的解刨学课》和《夜巡》，韩剧《鬼怪》孔刘展示的这幅画就是《夜巡》，城市民兵组织委托伦勃朗画一张集体画，他们的本意是画一张人像整齐排列的作品，大家众筹了一样的钱，所以每个人应该占大小相同的比例，但是伦勃朗交工的这件作品，有主有次，次要位置的人说我交了钱但是却在后面昏暗的光线中看不清脸，他们说rnm退钱，他们并不管画面中闯入的小女孩对于作品如何有戏剧冲突，这个光线如何为主旨服务，《辛德勒名单》中穿红衣服的小女孩设置和这里有异曲同工之妙，这幅画作让伦勃朗的艺术生涯从巅峰开始走上下坡路，订单越来越少，这是西方美术最大的弊端，工匠按着甲方要求制作绘画。

委拉斯凯兹的甲方是西班牙王室，鲁本斯也非常赏识这个晚辈的才华，委拉斯凯兹的风格相较于鲁本斯典型巴洛克的张扬浮夸，比较偏向于现实主义的客观冷静，我们看他的三幅作品《宫娥》，这个画也是和《夜巡》一样的的“闯入者”风格打破原本的和谐画面，这张作品描述的是一个生活的场景，他为国王夫妇画画像，小公主突然闯了进来，对面镜子反射了画家本人。在后面的墙壁上，研究说挂着的两幅画是鲁本斯的作品，我觉得可能性很大，因为鲁本斯非常赏识这个后辈，并鼓励他去意大利学习。《教皇英诺森十世》、画家表现了教皇复杂的性格，他后背挺直，仪态威严，眼神犀利，胳膊无力地垂在扶手上，老人的虚弱和权力赋予他的刚愎自用融合在一张脸上。

《纺织女》是他晚年最重要的一张作品，这幅画把前景在劳作的女工画在阴影处，最压抑和苦难的境地，而后面不劳作的贵妇在明亮的光线中，这是中国近现代艺术批评理论的主要方向——现实主义视角，实际上这幅画是一个古希腊故事，前景和后景是两个场景组合在一起营造戏中戏，这个前景故事是雅典娜化妆成老人打探阿拉克涅，后景是雅典娜把姑娘变成蜘蛛，让她一直纺线，为什么雅典娜发这么大脾气呢？因为姑娘编制的这幅画故事是提香画的《欧罗巴的掠夺》，就是雅典娜他爹宙斯装作公牛引诱一个小公主欧罗巴，并把人家拐走的卑鄙行为。

这是两个完全不同的解读方式，所以当你去评论一张画的时候，也要再站在更远的地方去观察一下自己的评论视角是什么，自己为什么会这样看待这件作品，说出这样的话，如果我们评论的视角出发点就是狭隘的，就难以看到更广阔的世界。

经历了巴洛克和洛可可风格的崇高、华丽和情欲靡靡，荷兰小画派带给人温馨的一面，这个“小”字是说他们画的题材是乡镇人民的是日常生活，不是社会重大事件，在尺寸上也比较小，适用于市民阶层悬挂于家中当装饰画。

维米尔代表作品有《倒牛奶的女仆》、《戴珍珠耳环的少女》、《小巷》，画家用暗箱投影将物体转画到画布上，他从镜头观看物体，物体质感处理的更细腻。这个少女有没有戴耳环，一直以来都有争议，我觉得不戴耳环会让观众把注意力集中在在女孩的面部神情上，戴耳环的话她就成为了和蒙娜丽莎齐名的肖像画。Whatever，我喜欢的是他的这张《小巷》，这张画感动我的就是，它没有任何情绪，没有悲伤、宏大、欢乐、光辉，它只是清晨起来最平凡的一个街角，而维米尔画了下来最最不起眼的这个清早，这样一个清晨是值得注视的，我小时候在农村长大，早上醒来院子和街道都是干净的，不是田螺姑娘，不是魔法，是妈妈和姥姥在我还睡觉的时候打扫过的，好像她们做这些事情是如此地理所应当，根本没有记录的必要，但是维米尔记录了这样一个多次重复、随处可见，一点都不神圣的“廉价”清晨，但对我来说，这些朴实的妇女才是支撑起社会运作的养料，她们比圣母更值得歌颂。

下面我们进入新古典主义时期，文艺复兴离不开美第奇家族的支持，巴洛克是因为教皇和王室的需要，洛可可是因为法国宫廷的喜爱，上有所好，下必甚焉，意思说当权者有哪一种爱好，在下面的人必定爱好得更厉害来讨好他。新古典主义的提倡者是拿破仑，路易十六上了断头台之后他就成为新的国王，他最赏识的画家是大卫，拿破仑经典的骑白马，穿红斗篷手指前方跨越阿尔卑斯山的画像就是出自他，那你说这么有煽动性的画画方式是古典主义吗，不是和鲁本斯一样属于巴洛克风格吗？分类归纳是落后的艺术史学习方法，但是现在我也没有更新的方法去串讲，多记住一些个人特色，少说宏大概念目前来看比较实用，《拿破仑一世及皇后加冕典礼》也是他的作品。大卫并不是一个只会歌功颂德的宫廷画家，他之前是受启蒙思潮影响，极力反对君主专制，他的好朋友新闻记者遭遇偷袭死亡，他画了这张像基督徇道一样高尚的《马拉之死》。不过马拉所在的雅各宾派的暴力统治让整个社会更动荡不安，这也是为什么大卫的观念开始转变，变成另一个君主政府的歌颂者。

戈雅所在的西班牙等来的不是拿破仑来宣扬法国大革命的“自由、平等、博爱”，这6个字，而是6年的半岛战争，让西班牙社会四分五裂,在拿破仑屠杀西班牙人民之后他愤然画下政治控诉作品《1808年5月3日》，他晚年的绘画以黑色调为主，《巨人》坐在一片旷野之中，将目光转向观众，仿佛刚刚从失魂落魄中被唤醒。疾病、梦魇、骚动，无处可逃的幽灵飘荡在画面上。但是谁又能想到内心如此痛苦的老人，年轻的时候是意气风发的宫廷画师，西班牙最富有的女公爵的情人，这张像是女公爵指着地上戈雅的名字。他一生的创作从古典开始，经历了浪漫主义、现实主义，更启发了超现实艺术家对于自我的剖析。

安格尔比戈雅老实多了，一直兢兢业业画古典主义订单，安格尔的笔触细腻洁净，这张《德沃赛夫人肖像》呈现贵族女性的优雅，代表作《大宫女》延续洛可可时代的东方异域风情，这个东方不是遥远的印度和中国，是欧洲相对东部一点的土耳其奥斯曼帝国。

浪漫主义画家以戈雅来举例，艺术家从丢勒和伦勃朗自画像这样对自我的外表观察，逐渐演变为关注自我精神世界，探索人类灵魂的性质，关注社会热点话题，他更像我们现代定义的“艺术家”。

我认为西方艺术史经历了三个阶段，第一阶段是工匠，第二个阶段是艺术家，第三个阶段是人人都是艺术家。

我们继续来讲浪漫主义画家的作品。

籍里柯绘画的笔法自由昂扬，作品饱含激情，《玛丽》和《帝国的骑兵团在冲锋》两幅画是他喜欢的马的题材，一方面他笔法自由，另一方面他又严谨科学，画《解剖》图掌握人体肌肉骨骼精准走向，这也给他代表作接近5米x7米的大画《梅杜萨之筏》奠定了技术基础，《梅杜萨之筏》是籍里柯时代的《少年派的奇幻漂流》，海难中的一百多人爬上了木筏，在漂流了13天之后仅存活15人，籍里柯定格了幸存者发现远方船只求救的一瞬间，将戏剧冲突推向了最高潮，这一瞬间有泡在水中浮尸的死亡，也有空中挥舞的新生。

他极大地影响了师弟德拉克罗瓦，这张《自由引导人民》和《梅杜萨之筏》风格非常接近，因法国七月革命而创作的一幅油画，他一直都关注实时事件，《希奥岛的屠杀》这张是画家对希腊人民遭遇屠杀的声援与同情。

 

我们下一个阶段要讲的画家是因为帝国衰落，为皇权贵族和教皇的订单画逐渐萧条，画家为兴起的市民阶级画一些小风景，或一些现实主义的批判作品。这其中就以巴比松画派最出名，卢梭，画家卢梭不是作家卢梭，最早来到巴比松这个风景秀丽的小镇，远离卢浮宫传统绘画权威的循常习故，开始走向乡野田间写生自然之美。

米勒是这一画派的代表人物，他的三部曲是《播种者》、《拾穗者》和《晚钟》，米勒对劳动的农民怀以真挚的情感，他们在这片土地上丰收，教堂的钟声响起，夫妇在暮色中低下虔诚的头颅。这张《抬回新生牛犊的农民》我很喜欢，这抬的哪里是小牛啊，它像基督一样荣耀，包括《夜间捕鸟》这画面像希腊雷神一样壮观，他的农民题材作品有神性的崇高感。

 

柯罗是否属于巴比松画派有些无意义的争论，他个人绘画出现频率最多的两种用色是银灰和褐色，《沙特尔大教堂》的视角不是教派委托的官方画，你怎么能用一个大土堆挡住视线呢对不对？但是这个土堆在这里阻挡了他的视线，所以他就可以画下来，不用刻意删除。《孟特芳丹的回忆》画面中的风好像吹过树枝到我们身边，以前上电影课老师说光线对画面很重要，更重要的是你要让观众感觉到你画面中的空气，并呼吸到它。

 

柯罗的好朋友杜米埃就没有这么温和了，它用夸张的漫画形式绘画，其中最有名的是《高康大》，官吏搜刮民脂民膏供养贪得无厌的统治者，警察以“激发对政府的仇恨及蔑视侮辱国家元首”的罪名，判处杜米埃6个月的监禁。他的油画作品《三等车厢》、《公共汽车》、《洗衣妇》向世人勾画出了19世纪中叶法国的社会风貌，他的一生像一个以画为刀的战士，作品中充满永不妥协的革命激情。

 

同样因革命激情入狱的还有库尔贝，他反对君主专制的权力压迫，《采石工》和《筛麦妇》以普通的劳动人民为主题，他的绘画宣言是“创造活的艺术”但是他的画法被学院派拒之门外，《画室》和《奥尔南的葬礼》投稿都没入选，他立马开始行为艺术，在展览的对面街道上搭起了一座简易大棚，门口竖起牌子 “现实主义者库尔贝个人画展”。《带黑狗的自画像》明显能看出画家的高傲姿态。

 

弗里德里希开创了风景画的新画法，在印象派之前他就在画这样的风景作品，不以追求写实为最高目标，注重光线营造的色彩，像《海边的僧侣》、《雾中海岸》这样诗意的绘画，还有一张《雾海中的漫游》现在很多“成功人士”头像的模板。

透纳将水彩画的技法应用到油画中，多层晕染大气在光线下产生的氛围感，画面整体朦胧感大于细节的准确性，有唯美清新的作品，也有表现强烈情绪波动的作品，《光与色――洪水灭世后的清晨》《海上渔夫》，对工业革命的记录《雨、蒸汽和速度》，对贩卖黑奴的谴责《奴隶船》。

弗里德里希和透纳是印象派和抽象派的开拓者，莫奈《日出·印象》展出的时候，这个讽刺的绰号开始成为这一画派的代名词。莫奈长期探索同一风景下不同光线与空气的色彩，不同季节的《干草垛》，花园中不同角度的《睡莲》系列，不讲究物体造型，关注唯美的色彩。

 

马奈模仿乔尔乔内《乡间音乐会》画了《草地上的午餐》，以及《奥林匹亚》模仿《沉睡的维纳斯》和提香的《乌尔比诺的维纳斯》，看资料说他画的这两幅画的主题被学院派攻击，原因在于“致敬”大师。现在艺术品市场上很多“致敬”大师的潮流艺术作品，说以现代主义的视角解读经典，（嘴上都是主义，心里都是生意。）如果有人说马奈的代表作是《草地上的午餐》和《奥林匹亚》那我觉得是一种讽刺，我们现在学习马奈，是因为他的人物肖像《吹笛少年》、《丛林酒吧》静物《白色牡丹花》《四只苹果》这些作品，他的风景没有人物和静物画的好。

我们再记几个印象派的代表人物和代表作

毕沙罗《夜幕下的蒙马特大道》、雷诺阿作品《小艾琳》

德加一系列芭蕾作品《舞蹈教室》、《蓝色舞者》。咱们再讲一下后印象主义的塞尚、梵高、高更就串讲完了，他们三人意识到印象派只注重光线的局限性，塞尚和马奈同样画苹果，马奈重视的是感觉中的色彩，塞尚色彩更细腻，同时重视苹果的体积营造，展现物象内在结构的稳定性，他特别喜欢画苹果和圆形物体。《采石场》《往蒙吉尔的弯道》以几何形体的块面来塑造形象的体积感、厚重感，启发了立体主义毕加索的绘画风格。

 

想要了解梵高可以看他和弟弟的书信集《亲爱的提奥》，他形容自己是一条狗，一条被父亲驱逐的无家可归的狗，一只被警察射杀的疯狗，他担心这些人永远不能理解他，但他要继续当一条狗，当一个贫穷潦倒的画家。他感受着大自然中的微妙变化，通过两种互补的颜色的匹配、融合、对比，以色调的变幻来表达一对恋人的爱情；通过黑色背景上绽放的光来表达深邃的思想；通过星星来表达希望；通过落日余晖来表达热情。他的色彩总是那么炽热，即便他的作品在死后落灰了那么多年，依旧有着最鲜活的灵魂，好像他知道在未来的某一天我们都会注视这张画，穿过麦浪大喊着告诉他，你的作品温暖了我，我了解你文森特·梵高，我知道你在做什么，你会赢得艺术和商业的双重成功，在艺术史上你的光芒璀璨极了，你不是疯子，你是一个画家。梵高割掉耳朵有不同的版本，一说因为和好朋友高更发生争执，所以割伤了耳朵，梵高曾热情邀请高更来和他作伴，他和高更同时画葡萄园丰收的景象，梵高的葡萄园充满劳动的生命力，而高更提倡想象力作画，他的作品少了现实的具体环境和人物，是非自然的概括，是内心意象的呈现。高更是一个更离群索居的人，在和梵高相处两个月后，高更一个人跑到南太平洋的塔希提岛过起原始部落的生活，在这里他画了《我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？》高更厌倦欧洲文明和工业化的社会，他笔下《塔希提的年轻姑娘》展现部落姑娘们健美的体魄，他的绘画中也常出现宗教和原始神秘主义的倾向，这种倾向让我想起咱们美术史开头墙壁上的野牛，丰腴的维纳斯，巨石阵里可能举行的仪式。我们从原始出发又回到原始。

 

西方美术史串讲就到这里了，然后一定要看置顶的评论，因为我难免会出现错误，我会把说错的更正了放在置顶评论里，感谢指正，再见啦。