Boris 的 Wata 谈美学、装备和 25 年的声音表达
Boris 的 Wata 谈美学、装备和 25 年的声音表达
2017 年 12 月 15 日
撰写者
安吉拉·戴维
被某某人翻译
霞比林顿
图片来源：
小长井优子
本采访最初发表于2017 年 9 月发行的 《She Shreds》第 13 期。
日本的鲍里斯是摇滚界最多产、最勤奋的乐队之一。自 1992 年成立以来，该乐队已发行 88 张唱片，与 Sunn O))) 和 Earth 等地下重量级人物一起吸引了国际听众。2017 年，在《Boris》庆祝其成立 25 周年之际，三人组还庆祝了新长片《亲爱的》的发行，该片于 7 月在萨金特之家发行，这进一步加剧了他们庞大的过往目录中本已破裂的接缝。
这个反流派的强者中有三分之一是瓦塔（Wata），他是一位无与伦比的吉他手和歌手。Wata 与乐队成员 Takeshi（贝斯手、吉他手、主唱）和 Atsuo（鼓手、主唱）一起创立了 Boris，其演奏的流畅性与其他任何人都不同。利用一系列非常特殊的设备，例如 EBow（单声道电弦驱动器）和老式 Matamp，她可以根据自己的意愿弯曲声音和空间，将失真融化成令人心碎的难以穿透的声音之墙。
受到平克·弗洛伊德 (Pink Floyd) 音乐和即兴演奏的喜爱，瓦塔 (Wata) 坚信即兴创作，相信音乐带你去哪里。我们打电话给 Japan 与 Wata 聊了聊她对干净音调设置的热爱，以及为什么对于鲍里斯的世界来说，美学与声音一样重要。
She Shreds：Boris 作为乐队活跃已有 25 年了，恭喜您达到了如此令人印象深刻的里程碑。您对这段时间所取得的一切有何感想？
渡：感觉还没有过去25年。我认为能够让一支乐队与所有相同的成员一起持续这么长时间是一件非常困难的事情，但对于鲍里斯来说，我们已经能够分享我们想做的事情，并通过这个来分配责任，所以我们已经能够以良好的方式继续下去。
你的最新唱片《亲爱的》将是你的第 27 张完整专辑。你对此有何感想？你是否认为这是你们成立25周年的准确标志，并且代表了乐队自成立以来所经历的声音？
当我们第一次开始制作《亲爱的》时，那是 2014 年秋天，所以我们甚至没有考虑过 25周年纪念日。二十五年前，这种音乐确实不存在，所以我们能够创作出这样的东西，说明我们经历了很多，这让我很高兴。《Dear》是一张只有 Boris 才能创造的声音的专辑，所以我觉得它是我们 25 周年纪念的完美标志。
您的大部分专辑都是在模拟设备上录制的。《亲爱的》也是如此吗？其中有多少是现场录制的？
大约 10 年前，从Pink专辑开始，我们就开始使用 Pro Tools 进行数字录音。对于《Dear》，我们使用基本的 Pro Tools 一次性捕捉到了所有内容，并将麦克风全部安装在一个房间中并进行了现场表演。由于我们在同一个房间录音，我们能够自然地产生类似的波浪，这有助于它听起来更有机。然而，吉他和人声是分开录制的。
在之前的一次采访中，Atsuo（鼓手）说：“对我来说，有某种先入为主的信息或主题是非常无聊的。” 你觉得你的音乐代表什么？你到底想通过你创作的歌曲来描绘什么？
当你创作音乐时，错误总是会发生，我喜欢在这种事情发生时能够提供帮助。每当有先入为主的信息和主题时，发生错误的可能性就更大。我们试图让我们的声音与这样的概念相呼应：当你抬头仰望天空时，云彩会形成一幅图画——这就是我们音乐所代表的意义。
作为一名音乐家，你学到的最重要的一课是什么？
我觉得在即兴演奏中，如果有人以一种方式演奏，我就以另一种方式演奏，这样才能很好地融合在一起，这一点非常重要。通过聆听其他人的演讲，我从即兴演奏中学到了很多东西。我们有一位支持成员，栗原道雄，他在声音方面是个天才。通过他，我能够学会节奏同步，他对待乐器的方式给我留下了深刻的印象。他知道他的乐器很重要。
您因使用 EBow 而闻名。是什么促使您第一次拿起这台设备？您觉得它如何塑造您的演奏风格？
我真的不记得我第一次开始使用它的触发因素是什么。我想我买它是因为我听说你可以用它来发出连续的声音。有了 EBow，我可以通过滑动和弯曲发出各种声音，我认为这太棒了。和 Takeshi 一起玩真的很有趣，因为他也玩 EBow，当我们一起玩时，我们可以一起创造不同的方式。它非常方便且易于使用，但由于我们使用它的音量如此之大，所以它是如此强烈，以至于我已经多次损坏它并不得不购买一个新的。
您的现场效果设置始终以 Roland Space Echo 和 Electro-Harmonix Big Muff 为中心。您为什么使用这些特定的装备？
现在我使用了 Roland Space Echo RE-150 以及 Electro-Harmonix Big Muff 的副本，它实际上被称为 Elk。这是一个日本品牌。你无法真正重现相同的声音；它非常有特色。他们将所有东西连接在一起以创建自动化的声音。对我来说，它们就像本身的乐器。我最喜欢我的 Elk 踏板，因为它充满活力，但发出的声音却很粗糙。
您在现场或录音时是否使用过其他人们可能不熟悉的设备？
我有一个专门为我手工制作的踏板，叫做 Wata Fuzz，由 Masf 品牌制造。这是一个克隆模型，我让他们制作了它，因此外观和声音一样独特 - 它的外观非常粗糙。定制后我被告知，制作外部的成本比制作内部的成本更高。对我来说，视觉元素非常重要。我还有一台 Matamp，它是老式原装的。我认为没有多少人知道我使用这个。
您有首选的吉他/音箱设置吗？如果有，它是什么？作为一名音乐家，它对你有何评价？
对我来说，我使用 Matamp、Orange 放大器和 Gibson Les Paul。通过这种干净的音调设置，我能够创造出许多不同的声音。我也非常喜欢橙色放大器的外观——它们真的很可爱。通过保持声音大并让空气流通，我能够将我的声音与世界联系起来。视觉效果是音乐的重要组成部分，因此拥有一把适合我的吉他和扩音器非常重要。
您觉得您个人想通过音乐表达什么？
我确实没有具体的信息，但作为一个人，我正在创造一种只有我才能发出的声音。
你的演奏方式如此自由奔放、即兴发挥。当涉及到音乐创作时，这是如何运作的？你会带着对自己想要创造的东西的先入为主的想法进入工作室，还是倾向于只是玩直到有什么东西粘住为止？
两种模式都有：有时我走进录音室并知道我要演奏什么，但有时也有一些情况，我正在演奏，而一些好的东西恰好出现。有时候我一直玩啊玩，却什么也没得到。知道何时停止是件好事，这样你就不会永远强迫它。
您第一次拿起吉他是什么时候？您对音乐的热爱源自哪里？
当我第一次拿起吉他时，我大约 16 岁。当我年轻的时候，我曾经弹钢琴，但我讨厌练习，所以我从来都不是很好。当你弹钢琴时，你是一个人，而乐队一起演奏乐器对我来说看起来很有趣。我和我的哥哥住在一起，他非常喜欢披头士乐队，而且他还打鼓，所以我认为我开始喜欢音乐是很自然的。
您是否认为有哪些特定的音乐家影响了您的演奏风格以及您选择演奏的吉他和设备？
平克·弗洛伊德 (Pink Floyd) 乐队的大卫·吉尔莫 (David Gilmour) 是最早在音乐上激励我的人之一。平克·弗洛伊德：庞贝现场的回声、声音以及他弯曲和掐住吉他的方式特别影响了我。如果我能够达到与大卫·吉尔莫相同的水平那就太好了。还有很多与我一起参加过即兴演奏会或现场看过的艺术家给我留下了深刻的印象。
当前项目：Boris Instruments：Gibson Les Paul Custom 1986 Black electric、Gibson Les Paul Custom 1986 Silver Burst electric 音箱：MATAMP GT120、Vintage Orange OR120、Reissue Orange OR120、Orange Rockverb 100、Orange AD140、Orange Terror Bass 其他：EBow、Roland RE-150 Space Echo、Jim Dunlop Cry Baby Wah（标准）、Ernie Ball VP JR。Passive Volume、Soul Power 8 Loop-Selector（定制）、Boss DS-1 Distortion、Boss RV-2 Digital Reverb、ZVex Super Duper 2-in-1 Boost、Dwarfcraft Shiva Fuzz、Elk Big Muff Fuzz Sustainer、MASF Wata Fuzz、 Line 6 M9 Stompbox Modeler、Electro-Harmonix Big Muff 3rd、Electro-Harmonix Big Muff Rams Head、Roland AF-100 Bee Baa Fuzz、Lovetone The Big Cheese、Maestro Fuzz Phazzer、Foxx Fuzz and Wa、4ms CV Max Tweaker Swash，One Control Micro Distro 电源。
鲍里斯挥舞着末日之锤
弗雷迪·维拉诺
松岛美纪摄
Wata 和 Takeshi 采用 Jackson Pollock 的即兴演奏方法——通过大量的放大器和效果器——为《末日》创作新的配乐。
剧作家兼诗人贝尔托·布莱希特曾经说过，“艺术不是一面照着社会的镜子，而是一把用来塑造社会的锤子。” 如果这是真的，那么混合了实验、吸毒、淤泥、厄运和硬核声音的鲍里斯也许就是这样的一把锤子——至少在无拘无束、尖端摇滚的行家中是这样。
乐队的名字和最初的声音风格都是根据一场史诗般的八分钟梅尔文斯即兴演奏而定的。三十年后，鲍里斯的声音已经演变成一种激烈的情感骚动——在大流行、全球社会动荡和毁灭性气候事件期间——似乎捕捉到了正在回响的焦虑、恐惧、愤怒、仇恨和不确定性。
它存在于像“Genesis”这样的歌曲的 DNA 中，这是他们最新专辑《NO》中原始的、令人不安的开场器乐曲目。它是暗示开始的结束还是结束的开始？这是挽歌还是国歌？这首序曲所唤起的本能反应为《NO》的其余部分定下了基调。鲍里斯能够用他们的音乐传达如此宣泄的体验，绝非易事。这种超越只有当信息与时刻相遇时才会发生。对于鲍里斯来说，“不”就是信息，而 2020 年就是这个时刻。
Boris 于 1992 年在东京成立，当时是一个四人组合，1996 年在 Fangs Anal Saturday厂牌上首次亮相时，歌手 Atsuo Mizuno 接手了他们原创作品的鼓手，之后迅速转变为一个流派融合的前卫力量三人组合。鼓手永田。Absolutego是一首受 Melvins 启发的无人机摇滚乐，其中有一首 60 分钟的曲目。1998 年的后续作品Amplifier Worship急剧转向迷幻和即兴乐队领域。2005 年，《Pink》可以说是鲍里斯的商业突破，其大部分歌曲都是简短、简洁的歌曲，具有鞋履和后摇滚风格。Pink在Blender和SPIN中都获得了相当多的好评杂志将其评为 2006 年最佳专辑之一。
与其他实验音乐家和艺术家（如灰野敬二）的合作也是鲍里斯职业生涯的一个标志，2009 年，他们出现在吉姆·贾木许的电影《控制的极限》的前卫金属配乐中。就在去年，他们发行了第 25 张录音室专辑LφVE & EVφL。
Boris 的音乐之旅一直遵循着对乐队演奏音乐所提供的深入人际对话的信念——这是他们 DIY 精神的重要核心价值。在录音室里，他们自己录音：放置自己的麦克风，混音专辑，进行自己的声音实验。他们对工艺的专注和真正的好奇心推动了对过程而非结果的深刻承诺。他们投资于他们的探索所需的工作，而不是他们最终可能从中获得的名声。就像爵士音乐家一样，他们最致力于他们之间以及与观众之间、现场和当下发生的音乐对话，因此他们很少以相同的方式演奏相同的作品。
这支发行了近 100 张专辑（包括 EP、重新发行、单曲、现场专辑和合作）的乐队能够在几周内创作出《NO》也就不足为奇了。“封锁后，我们预订了房间并在那里排练和录音，”吉他手/贝斯手 Takeshi 说。“我们从3月24日开始，三周后完成录制。” 如果说有什么不同的话，那就是全球大流行只会让他们的使命更加紧迫和集中——或者至少助长了他们的世界末日美学。
NO与《Pink》一样，其特点是更短、更简洁的快节奏曲目，而不是鲍里斯最知名的商标——冗长、单调的即兴演奏。NO的11首歌曲中只有三首超过五分钟。（开场曲“Genesis”就是其中之一。）然而，歌曲长度基本上是与Pink的比较的终点，因为NO是一张更重的专辑。像《Anti-Gone》、《Lust》和《Loveless》这样的作品都具有激烈、快节奏的即兴重复段，在 Motörhead 专辑中听起来并不会显得格格不入。据 Takeshi 介绍，这是 LφVE 和 EVφL 日本巡演期间与 Gastunk、Genbaku Onanies 和 Narasaki（Coaltar of the Deepers 乐队）等日本硬核/朋克传奇人物互动和分享账单的结果二月里。
“一首歌除非在录音室中实际大声播放，否则不会完成。有些歌曲之所以诞生，是因为它们响亮。”——渡田
“我能够通过音乐重新确认自己的根源，这些音乐在我十几岁的时候就对我产生了巨大的影响，”Takeshi 解释道。“那次巡演之后，世界因新冠病毒而逐渐变得可怕，无法巡演或现场表演，我们唯一的选择就是制作一张专辑传递给听众。在录音室期间，声音图像根据硬核朋克的风格变得快速而嘈杂。我们通常不会为录音设定任何规则，但就像听硬核朋克治愈了我年轻时的焦虑、仇恨、愤怒和悲伤一样，希望诞生了，我们希望NO作为一种极端的音乐，能够治愈生活在冠状病毒威胁下的听众。”
除了 Takeshi 和 Atsuo（同时担任乐队的录音和混音工程师）之外，Boris 还请来了强大的吉他和键盘手 Wata。Wata 可能是乐队中最内向的一个，但她宏大的音调、灵巧的旋律和动感十足的即兴重复段让她与 High on Fire 的 Matt Pike 或 Gojira 的 Joe Duplantier 处于同一对话中，一起构成了末日/斯通纳时代吉他之神的三巨头。但渡很少公开谈论她的工作。
PG最近采访了在东京家里的 Takeshi 和 Wata。在翻译 Kasumi Billington 的帮助下，他们都公开了自己的创作过程、吉他相互作用、装备、影响等等。
即兴演奏对鲍里斯的创作过程有多重要？NO中的歌曲完全是从即兴创作中诞生的，还是你们中有人将充实的歌曲带入录音室？
渡：鲍里斯的歌曲创作和录音一般都是以即兴演奏的形式进行。我们很少提前作曲。这是摇滚乐，所以除非声音当场滚动并且发生不可预测的事件，否则就没意思了。放大器设置和音量也是我们作品的重要元素。一首歌除非在录音室中以很大的音量实际播放，否则它不会完成。有些歌曲是因为响亮而诞生的。
花絮：尽管 Wata 在《Boris》中也演奏键盘，但他们的新专辑仅包含吉他，是根据她和 Takeshi 主导的练习空间即兴创作的。“这是摇滚乐，所以除非声音在现场滚动并且发生不可预测的事件，否则就没意思，”她解释道。
Takeshi：有时我们会提前写歌，但这主要是一个想法的备忘录[对于一首歌]。和往常一样，NO从录音室的即兴演奏开始。
您正在聆听或培养即兴创作中的哪些元素来帮助指导新歌曲的形成？
Takeshi：我们受到即兴演奏中产生的乐句和旋律的指导。它不像作曲，更像是绘画的感觉，但由声音引导。这对我们来说是很自然的方法，能够轻松地创作工作。录音时最重要的是让成员们保持一个没有压力的环境——能够看到彼此的脸，能够在相同的空间和氛围中产生声音的共鸣。
鲍里斯（Boris）已经存在了足够长的时间，可以使用模拟和数字录音来制作专辑。您的偏好是什么？
Wata：就设备而言，我喜欢模拟，但使用 Pro Tools 录音更容易。有时，我们在调整监听器时排练最终听起来比主要制作期间的实际录音更好。我们最近考虑到了这一点，现在也在排练时进行录音。很多时候都是用排练时的录音来代替。由于没有录音成本，数字录音适合这种具有强烈纪录片元素的制作。
鲍里斯采用降调效果很好。您有首选的写作和演奏调音吗？
Wata：一般来说，我们会调低三级。我也喜欢将第 6 弦放到 D# 的位置进行调音。当您同时弹奏第 5 弦和第 6 弦时，窒息和颤音的表现会发生变化。当与 Takeshi 一起演奏即兴演奏时，每种演奏风格都会产生不同的波浪，并增加声音的深度。使用各种调音时会受到限制，但也有一些歌曲只能使用该调音来创作。我想继续尝试各种事情。
鲍里斯有一种非常 DIY 的精神。《NO》的工作室设置是什么样的，包括你的信号链？
Takeshi：我们经常录音的地方是我们多年来一直使用的排练室。没有混合室。我们通过将录音设备带到同一个房间来进行自我录音。麦克风支架是我们自己搭建的，一切都是DIY。我们尽量不增加录制的音轨数量，但对于吉他录音，我们同时录制来自麦克风 (Sennheiser E606) 和 DI (Countryman Type 85) 的信号。当我们混合时，我们可以选择将两者结合起来或单独使用其中之一。我们总是确保用麦克风记录下空气震动的声音。
Wata 和 Takeshi 在这段 2017 年的现场视频中都弹吉他，其中有大量女妖哀嚎的 EBow 以及低调轴过度驱动到最大时发出的独特喉音。
凭借他的第一幕吉他/贝斯混合体，Takeshi 可以覆盖 Boris 音乐中有时快速的音调和动态变化，或者只是通过低调音、踏板和高净空放大器的组合保持在重音区域。摄影：Tim Bugbee/Tinnitus Photography
您最常使用哪些吉他和音箱？
Takeshi：在这张录音中，我大量使用了颤音臂，所以我的主吉他是 BC Rich Warbeast。为了录制贝斯，我使用了我的第一幕双颈贝斯/吉他。对于吉他放大器头，我在录音期间使用了 Sunn Model T 和橙色 PPC412 箱体。为了用噪音吉他录制配音，我使用了 Roland JC-120，它可以产生从低频到高频的平坦范围。
低音呢？
Takeshi：我使用 Orange Terror Bass 作为低音放大器头和 Ampeg 810E 箱体。这次【核心音】吉他使用的踏板是 Dwarfcraft Devices Baby Thunder 法兹，贝斯主要使用 Death By Audio Apocalypse 法兹，稍微添加混响，并用 EarthQuaker Devices Aqueduct 颤音附加波动。
Wata，您在录音室录制NO时的信号链是什么？
Wata：过去几年，我们在箱体上使用了 Sennheiser E606 麦克风。根据 Atsuo 的说法，他能够捕捉到比标准 SM57 更精细的动态。我们将常规调音调低了三级，声音极度失真，带有模糊感，因此这款能够捕捉细微差别的麦克风似乎是一个很好的匹配。我总是使用 Countryman 的 DI Box 来录制直接信号。在混音过程中，我们可以使用放大器模拟器来处理 DI 信号。一般来说，应用踏板效果后，我们还要确保在录音时使放大器振铃。Atsuo 说，没有反馈的录音就失去了使用电吉他的目的。
Takeshi，你的双颈贝斯/吉他的起源是什么？
Takeshi：我最初在 2001 年左右买了一张。大约在同一时间我们发行了一张 70 分钟的单曲专辑《Flood》 ，演奏时我必须在吉他和贝斯之间切换。换起来很麻烦又浪费时间，所以我买了Starfield的SG风格双领[ Ibanez品牌]]。但由于它的音阶较短，所以发出的低音不多，而且琴体本身又重又大，所以我不太喜欢它。旅行时携带起来也很困难，所以我后来买了一台 Steinberger 的 Spirit。体积小巧，适合旅游，声音也扎实，不错，但我还是不太喜欢这个形状。我最喜欢的贝斯手——Rush 的 Geddy Lee、Yes 的 Chris Squire、Metallica 的 Cliff Burton 和 Motörhead 的 Lemmy Kilmister——通常都使用 Rickenbacker，所以我希望有一天我能得到一个类似于 Rickenbacker 形状的定制贝斯手。我的大学朋友曾上过乐器制作学校，所以我让他画了一张基本图。
你是如何与《第一幕》合作的，鲍里斯标志性的双领呢？
Takeshi：在某个时候，来自 Converge 的 [贝斯手] Nate Newton 向我介绍了 First Act。我们已经是很多年的朋友了。他通过《第一幕》制作了一把莫斯里特形状的定制贝斯。在鲍里斯美国巡演期间，我去了第一幕位于纽约市的办公室，并会见了[艺术家关系总监]吉米·阿奇。
“鲍里斯的音乐元素之一是故意将我们的两种声音混合在一起并干扰低频以产生声波的现象。”——Takeshi
他热情地听取了我的艰难要求，并愿意接受这件定制双领的生产。现在他离开了 First Act，在纽约经营了一家名为 30th Street Guitars 的吉他店。他仍然会来看鲍里斯的现场表演。如果我没有和Nate和Jimmy的这段关系和遭遇，我的双颈可能就不存在了。当我刚开始玩双颈时，感觉很奇怪，但现在我已经习惯了。
[编者注：Takeshi 定制的 First Act 贝斯和吉他双琴颈采用桃花心木琴体和枫木面板、两个枫木琴颈和红木指板、Badass 琴桥、Gotoh GB707 贝斯调音器和 Sperzel 3x3 Trimlok 吉他调音器。低音侧在琴桥上有一个 Seymour Duncan SJB-3 Quarter Pound J 低音拾音器和一个 Duncan SPB-1 Vintage P 低音琴颈拾音器。6 弦侧配有两个 Seymour Duncan '59 Model SH-1 拾音器。]
由于您演奏贝斯和节奏吉他，您如何决定将哪一个应用于歌曲或歌曲的某个部分？
Takeshi：我最初弹吉他，所以即使在即兴演奏期间，弹吉他比弹贝斯更容易产生想法。当我开始创作一首歌时，大部分时间我都在使用吉他。每当有歌曲创作时，我们都会通过吉他放大器和低音放大器一起演奏，因此吉他覆盖了低音频率范围。鲍里斯调低了三级，所以我和瓦塔可以说是一对男中音吉他组合。随着连复段和旋律的建立，歌曲会告诉我是否应该添加低音。
您能澄清一下NO feature bass 上有哪些歌曲吗？
Takeshi：我演奏贝斯的歌曲有《Anti-Gone》、《HxCxHxC -Perforation Line-》、《Kikinoue》和《Lust》。在“Loveless”中，我只弹吉他，但是，通过删除第 6 弦和第 5 弦，我创建了一个声音图像，看起来好像我在低音范围和男中音吉他范围之间来回移动。仅靠正常弹奏贝斯是无法营造出那种氛围的。当我在即兴演奏中尝试这一点时，有趣的效果诞生了，所以这首歌最终没有低音。
Wata，EBow 已成为您风格的标志性组成部分。您是如何发现这个工具的？是什么让它成为您音乐库中的首选？
Wata：我在Absolutego期间开始使用它。我把它带进来是因为我可以在不受嚎叫声困扰的情况下获得无人机音高。当我开始使用它时，给我留下了深刻的印象，EBow 不仅能产生连续的声音，而且还可以通过将其靠近或远离琴弦，以及通过改变位置、调整左弦来实现非常广泛的表达。手，并通过使用效果。这是一个简单但极其深刻的有机设备。
对于一首特定的歌曲，你如何决定选择吉他还是键盘？
Wata：我是唯一一个弹键盘的人，所以根据节目的颜色，有时我可能负责键盘和手风琴。
因为我们一边表演一边唱歌，有时我负责的乐器会随着歌曲的变化而变化。我们没有使用键盘。
松岛美纪摄
贝斯和吉他
第一幕定制鲍里斯双颈贝斯/吉他
70 年代早期 Ibanez 2402 螺栓固定式 6/12 双颈
70 年代中期 Starfield 2402 6/12 双颈
BC Rich NJ 豪华战兽
90 年代 Greco LP 定制
AMPS
Sunn T 型头 (1973–1975)
橙色 PPC412-C 1x12 驾驶室
马歇尔 1960A/1960B 4x12s
橙色恐怖贝斯（1000 瓦）
橙色恐怖贝司（500 瓦）
Ampeg SVT-810E 低音箱
琴弦、拨片和缆线
声音生成 5029EX（低音；.060、075、.095、.125）
声音生成 6670EX (.013–.056)
Jim Dunlop 44R1.0 尼龙标准 1 毫米
Acoustic Revive 乐器线
效果
Zoom MS-50G MultiStomp
定制亮洋葱分割器
移线宇航员多动词空间单位
矮人设备 雷霆宝贝
Malekko 重工业恋物癖
变速线嗡嗡声低音驱动器
靴腿深盒
OneControl Distro 小型电源分配器
Korg Pitchblack 迷你调音器
EarthQuaker 设备雪崩运行
斯特里蒙时间线
Strymon 多功能开关
灵魂力量乐器切换器
AMT Electronics 小大声音量踏板
音频启示录的死亡
OneControl 声波银钉
Korg FK-2 多华先生
Electro-Harmonix Freeze 声音保持器
EarthQuaker 设备 Aqueduct Vibrato
DOD FX33 蜂鸣器
音频室立体声混响器之死
Meris Hedra 3 音节律变调器
Countryman 85 DI 型
特别是关于吉他，你如何分配你在《鲍里斯》中的角色？
Takeshi：有时我们会根据歌曲来划分角色，但总的来说，Wata 是主音吉他角色——她的吉他声音为歌曲增添了光彩和伸展性。鲍里斯的音乐元素之一是故意将两种声音混合在一起并干扰低频以产生声波的现象。
Wata： Takeshi 擅长硬核、鞭打般的节奏吉他演奏，具有速度感和扭曲感。他擅长使用效果器，擅长创造带有噪音的声音和空间广阔的声音。他还掌握了多重效果。我尝试通过延音、反馈、窒息和颤音来演奏简单而令人难忘的吉他旋律，注意声音之间的部分。
当您从贝斯切换到吉他时，如何防止低音丢失？
Takeshi：有时候，Wata 担任主音，我会切换到贝斯，也有一些歌曲是我一直演奏贝斯的。当从贝斯切换到吉他时，我有一个设置，吉他信号可以通过贝斯放大器输出，因此底端不会减弱。有时我会扮演主角，所以在这种情况下，角色就会互换。
我认为《Loveless》展示了你们有时在鲍里斯（Boris）中扮演的那种传统节奏/主角角色，并且是这首歌的构建中不可或缺的一部分。你如何决定节奏、主音、贝斯和键盘之间乐器的相互作用？
渡：这取决于他是构图的中心还是我是构图的开头。这些安排充分利用了每个人的特点。有时我们会根据我们三个人在舞台上演奏的想象来安排歌曲。对于《Loveless》，Takeshi 创作了即兴重复段，然后我们一起创作了主奏和旋律。Atsuo 负责声音制作，所以我们三个人会提出想法并继续前进。尽管这是一个三人乐队，但也诞生了很多机会。在录音中不，Takeshi 演奏了大部分节奏。
你创作独奏的方法是什么？
渡：我在脑海中形成了一个形象，但大部分都是即兴创作的。有时是录制几个镜头后确定的，有时是根据录制镜头重新安排的。现场演奏时，我们以录音为起点，加入那一刻的感受和情绪，变化就诞生了。
Takeshi，你之前提到过 Chris Squire、Cliff Burton 和 Lemmy Kilmister 的影响力。他们的演奏中有什么是你喜欢的？
Takeshi：我喜欢贝斯手用扭曲的吉他般的音色演奏——就是这样的影响。
Wata，您是否有任何特定的影响因素帮助您塑造了吉他演奏方法，或者接受过任何正式培训？
Wata：我受到平克·弗洛伊德 (Pink Floyd) 乐队的大卫·吉尔摩 (David Gilmour) 的影响。在我开始学习吉他的时候，我接受了一些学习，但自学、在乐队中演奏很快就成为了主要内容。
我接触过 Orange 扩音器、Roland Space Echo、Elk Fuzz 和 EBow 等设备，对我的风格产生了重大影响。音量大以产生反馈也很重要。Roland Space Echo RE-150 对我来说非常重要，我什至在巡演时都带着它。模拟磁带特有的破坏感、自动播放的波动感，给了我演奏时巨大的力量。感觉就像磁带回声在和我一起表演。此外，当我尝试获得的各种效果踏板时，有时会产生各种想法。
您目前正在研究演奏的任何技术方面吗？
Wata：我现在不做太多训练。我对演奏的速度或准确不感兴趣，我专注于触及在各种情况下听到音乐的听众的内心。音乐或这些艺术表现形式没有答案，我认为每个人都必须以自己的方式找到适合自己的答案。
“我对演奏的速度或准确不感兴趣，我专注于触及在各种情况下听到音乐的听众的内心。” ——渡田
日本的视觉系运动——使用化妆、服装和其他设计元素作为音乐呈现的一部分——对你的演奏风格有什么影响吗？
渡：当我开始弹吉他时，有很多活跃的乐队，后来被称为视觉系的根源。我的很多学校朋友和学长都属于视觉系，所以我经常去看现场表演。吉他的音色非常不同，但作为一种音乐体验，当时的影响是巨大的，即使它不是直接的。简单而有力的riff、旋律作品等方面都受到了影响。作为音乐的一个元素，“视觉”是极其重要的。如果放大器是橙色的，声音的印象就会变得完全不同。
您使用的有哪些设备是必不可少的或特别值得注意的，但对于普通听众或粉丝来说并不明显？
Takeshi：在过去的几年里，大约 80% 的时间，Wata 和我一直在制作双吉他声音，而我没有演奏贝斯。声音制作主要是用吉他。在舞台上，我经常使用 Bright Onion 踏板的相位/接地开关踏板，因此每个放大器和扬声器的相位都与该设备对齐。我能够产生更强的音量和声压。这是基本的，但极其重要。
还要别的吗？
Takeshi：对我来说，Sunn Model T 的声音特征至关重要。这种响亮的音量和独特的低频感觉是其他放大器无法获得的。我有大约 5 个 1973 年到 1975 年的老式音箱，但每个音箱的声音都略有不同，这很有趣。之前我用的是1974年的第二代，但是这个声音有点暗，有点低沉。我现在用的主要是1973年的第一代。这一款具有合理的嘎吱声和明亮的声音。它还具有良好、平衡的范围。
瓦塔，你有什么秘密武器吗？
Wata： Soul Power Instruments 二进四出八循环切换器。这个切换器是为我定制的。通过一个开关，我可以更改吉他和键盘的二输入设置，以及输出到多个放大器的四输出设置。根据歌曲，我可以控制使用的放大器数量和音量。就好像我们通过声音与观众进行触摸和交流，因此能够控制声音的强弱程度非常重要。
NO中有哪些歌曲的创作灵感来源于效果器？
Takeshi： “HxCxHxC”的吉他演奏使用了极端的混响和延迟。我们录制的即兴演奏中，鼓声在声音空间中冲刺，我们无法理解和弦和旋律，而且平衡非常有趣。后来我们加了一段低音线，它就成了一首歌。为了保持新鲜感，我们喜欢尝试新的踏板和音箱，所以有时我们也会从这些音色和效果中获得灵感。尝试各种设备很有趣。
制作出有凝聚力的声音而不被归类为特定音乐风格的秘诀是什么？
Takeshi：从表面上看，听众可能会觉得专辑或歌曲脱节，但我们并没有有意识地每次都尝试挑战自己做一些不同的事情。我们一直在通过生活中的感受、音乐的经历和表达方式来寻找“沉重”的意义。在这段旅程中，我们发现了一些新的东西，这也是激励我们继续创作的原因之一。从一开始，鲍里斯的这个基本部分就没有丝毫动摇过。
松岛美纪摄
吉他
1986 Gibson Les Paul Custom（黑色饰面，Seymour Duncan JB/琴桥，'59 型号/琴颈）
1986 Gibson Les Paul Custom（银色饰面，Seymour Duncan JB/琴桥，'59 型号/琴颈）
1969 年吉布森 SG 标准
1968 年吉布森 SG 特别版
键盘
Roland FR-1x V 手风琴
北波
AMPS
两辆 1970 年代 Matamp GT120
20 世纪 70 年代橙色 OR120
90 年代橙色 OR120 Overdrive
橙色 AD140 HTC
橙色恐怖贝司
橙色摇滚动词 100
橙色PPC412-C
橙色PPC212-C
1970 年代橙色 1x15 弹跳低音驾驶室
琴弦、拨片和缆线
SG 镀镍钢 (.011–.060)
吉姆·邓洛普 (Jim Dunlop) 德尔林 (Delrin) 0.96 毫米
Acoustic Revive 乐器线
效果
五台 Roland RE-150 Space Echos
Kastam SS-102 回声室
米兰诺回声室 3R
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瓦塔（鲍里斯）
“我永远感觉自己像个菜鸟……”
2020 年 9 月 14 日，丹尼尔·沃洛霍夫
看起来，在他们最近的“不”中，鲍里斯决定展示“硬币的另一面”。当所有艺术家停止巡演并且唱片公司开始重新安排他们的发行日期时，鲍里斯选择了另一条道路。在这个不确定的时期，“不”成为他们感情的固定。绝望和沮丧。幸福与悲伤。不同噪音段落的狂喜交织在一起，成为鲍里斯成员所谓的“噪音核心”。
在《Peek-a-Boo》杂志的采访中，我们采访了吉他手兼 Boris 联合创始人 Wata，谈论了封锁和《NO》的工作过程、他们工作中的协作和创作过程、以及现场直播。节目以及他们的歌曲创作方法。
霞·比林顿 译
按照你自己在“不”的描述中所说的话，你在封锁之初的感受启发你开始写这篇记录——当情况开始变得更糟时你有什么感受以及你为什么决定在封锁期间修复你的感受专辑的形式？
封锁之初，许多剧院和俱乐部被迫关闭，录音室的情况也类似。
我们原计划的国内演出和国际巡演都被推迟或取消。
当时我们很幸运，因为我们拥有一个只有我们自己才能使用的私人工作室。在无法现场表演、无法巡回演出的情况下，我们能做的就是不断地录音，不断地创作。
但世界形势恶化的速度远远超出了我们的预期。
为了尽快将专辑交付给听众，我们开始制作《NO》。在那些日子里，我们不断问自己我们能做什么，我们应该做什么。现在，为了保护即将被扼杀的音乐和文化，为了连接未来，没有时间犹豫了。如果你不懂日语，你不会知道它的含义——我们希望《NO》中包含的歌曲和尖叫声能够成为反映听众情绪的镜子。我们希望聆听这张快速、沉重、喧闹的专辑能够升华人们的沮丧和焦虑。制作这张专辑也成为了我们自己的治疗。可以说，这有助于稳定我们的思想。
从这个意义上来说，它可以与“极端治愈音乐”相媲美。
它通常与你的典型灵感有何不同——它通常来自你的心情、某种想法或你想探索的音乐结构吗？
Takeshi 和 Atsuo 在青少年时期都受到朋克、硬核音乐的影响。但对于这张专辑来说，在2月份的国内巡演中，能够与日本朋克和硬核界的传奇乐队见面并表演是有影响的。第9首歌曲《Fundamental Error》是活跃在广岛的硬核乐队“GUDON”的翻唱作品。前贝斯手 GUY 来观看我们的广岛演出，他同意我们演奏封面。
《Fundamental Error》封面录音由大阪硬核乐队前吉他手 KATSUMI 参与。他也是老熟人了，但是当他来大阪看演出时，他就同意参加了。在名古屋，我们与“The Genbaku Onanies”和“GASTUNK”这两个日本顶级传奇朋克和硬核乐队合作演出。
这些也是我们的根源，所以很高兴能够与他们分享时光。
我们在制作时决定的“NO”规则，“快而短的歌曲”，“只写歌词信息”也受到了这次巡演的启发。
在你的大部分唱片中，你一直在探索不同类型的声音景观。特别是“不”是非常不同的。在我看来，它的每首曲目都是一张不同的唱片。你是如何处理你的工作的？
当然，与专辑相比，外部的纹理看起来会有所不同。我前面提到的简单的规则设置对我们的音乐创作有很大的影响。我们将与以前相同的密度注入到简单而短的歌曲结构中。我觉得这些歌曲之所以容易上口，是因为它们很简单。
有一次，Atsuo-san 注意到你作为一个乐队也有一个流行成分。还有各种混沌元素。我认为这是一个古老的问题，但是什么可以帮助您在完全混乱和您在音乐中放入的不同旋律元素之间找到平衡？
流行、朗朗上口的部分很重要，这是音乐具有强大吸引力的要素。简单易懂、令人愉悦的歌曲可以深入听众的日常生活。但与此同时，我们也需要交付出只有我们自己能理解的感受的作品，否则艺术表达就失去了意义。
如果我们和平地生活在二项式对立的一边，我们就无法从事富有的工作。我认为冲突的元素必须始终配备在一件作品中。
您如何描述《不》的创作过程？
我们于3月24日开始录制。像往常一样，即兴演奏是基本的，但我们以“快速而简短”的硬核礼仪进行我们的工作。我年轻的时候就受到朋克、硬核、鞭打的影响，这些音乐是我们一直听的，所以这种感觉已经被我的身体吸收了。
即兴演奏诞生了，节拍的加速速度超出了我们的想象。
社会环境非常恶劣，但当我们在录音室时，我们可以忘记这一点 - 录音非常有趣。由于新冠病毒的影响，我们除了不断地做歌、录音之外，什么也做不了，但我认为这也是我们可以应用新冠病毒之后的方法论的时期。由于这些情况，《NO》是乐队从制作开始到发行最快完成的专辑。
当你开始你的职业生涯时，在我看来，你一直在通过“Amplifier Worship”这样的唱片来探索声音的能力。现在，你主要关注的是形式能力。您现在写作材料的方法有何不同？
从我们组建到今天，我们通过即兴演奏来创作歌曲的方式没有改变。即兴演奏中产生的声音变成了伴随着旋律和表情的“歌曲”，每首歌曲都有自己的角色，聚集成一件作品，称为专辑。这也不会因“否”而改变。自《放大器崇拜》以来，音效和功能的方法论不断积累，形成了今天的歌曲创作风格。我们每天都会绘制“声音现象”，直到完成为止。
在工作取得进展之前，图片（=歌曲）不会显示其整体外观。我最近强烈地感觉到我们的方法更接近“画家”而不是“音乐家”。我们每天画的风格。在此过程中，探索声音形式之美。
除了《NO》之外，你还发行了一张与 ZOA 合作的专辑——更加不同。在“Refrain Collaborative”的情况下，哪些常数有不同？
2019年10月13日，原定与ZOA的联合演出由于日本全境遭遇特大台风，演出推迟至2020年3月8日。我们本来应该在场馆出售“Refrain”。由于冠状病毒和现场场地关闭，甚至这场演出也被推迟了。因此，我们最终仅通过邮购方式销售 CD。
ZOA 有着悠久的活跃历史，Atsuo 也曾公开表示过他们对他的影响。事实上，“Boris Side”的音乐作品是根据 Atsuo 20 多年前写的一首歌曲改编的，受到 ZOA 的影响，因此，他们是一支极其重要的乐队，是我们的音乐根源之一。
《ZOA Side》的音乐作品也是基于他们在1989年宣布的事情。标题《Refrain》象征着这种相互影响和重生。
他们在日本以外的知名度并不高，所以我希望更多的人听到他们的声音。他们是一支很棒的乐队。
“NO”和“Refrain”的共同点是它们都有“长时间的积累”。
我不得不注意到，像《Anti-Gone》、《Temple of Hatred》和《Fundamental Error》这样的歌曲，《NO》听起来像是一张完美的朋克摇滚唱片。还有一些你以前从未探索过的东西。这种朋克元素对于你的创造力（音乐和美学）有多重要？
我们2006年通过Important Records发行的专辑《Vein》已经采用了朋克/硬核的风格。是比《NO》更受日本“噪音核心”（GAI、Confuse等乐队）影响的作品。当谈论鲍里斯的音乐性时，总是有“噪音/氛围”这个表达，但“噪音”对我们来说并不具有艺术意义。相反，它具有“我们听过的‘噪音核心’的组成部分，并且是我们根源的一部分”，这是我最近注意到的。这是一种在我们年轻时对我们产生了强烈影响的音乐，所以我们的身体已经吸收了它。毫不奇怪，我们的工作的影响力正在逐渐消失。
什么可以帮助您找到每条记录的路径？
即兴演奏中完成的歌曲和它们之间的关系，以及专辑将如何发展，都会在完成的过程中一点点变得清晰。
这取决于我们当时的精神和身体状况，并且“道路”无限延伸，取决于社会状况或与人的关系。有时我们会找到它，有时我们会被引导到它。
重要的是首先否定自己的无意识、习惯、自我，并以此为出发点。思考如何肯定并接受出现在你面前的声音（=路径），并继续你自己的判断。
一旦你说“Noise”，你开始感觉自己，作为一个乐队，更舒服了。这张专辑有何特别之处？
我们不会人为制造噪音来制造“噪音”。当我们演奏时它会自然响起，因此它在歌曲中类似于旋律。对我们来说，这很正常，而且感觉很舒服。噪音不断地在我们面前出现又消失，帮助我们唤醒感知。
《NO》中的声音很极端，但在制作过程中也治愈了我们。
即使在一个充满冠状病毒、感觉心被撕裂的世界里，我们自己的工作室也总是像其他时候一样充满了令人愉悦的噪音。
回顾过去，你的创造力实际上是根据阶段和章节来区分的，还是这一切都与你紧密相连？
它们都是相互连接的，并且由于不断更新而保持一致。我永远都会觉得自己像个菜鸟。作为音乐家的技巧没有提高，但也许是因为我们积累了作为画家的经验？在音乐界，我总感觉自己是个新人。
你在90年代末开始这样做，当时你和Haino-san一起录制了“Black：Implication Flooding”。是什么促使您走向协作工作的方向？
这听起来不像是一个普通的词，但却是一次“相遇”。这不是巧合，而是必然，就像命运一样。
我们互相致敬，我们互相尊重，我们消除所有个体自我，并创造全新的音乐。我认为通过与其他艺术家合作，我们能够分享鲍里斯不同的音乐观点，并促进我们自己的成长。
现场演奏有何不同？显然，在这种情况下，有人会带来他或她的影响力和能量。
当我们与合作者共同表演一首鲍里斯的歌曲时，同一首歌的表达方式与以前完全不同——不仅是我们听到的内容，而且歌曲所蕴含的特征和色彩也发生了巨大的变化。看到我们的歌曲变成别的东西很有趣。舞台上出现的新现象也将为观众带来激动人心的体验。
在处理噪音和非常具体的音乐结构时，您对创作有时会陷入混乱边缘的音乐有何感受？
抛开你的情绪，通过让你的身体陷入混乱来做出反应。喜悦是来自美丽吗？疼痛？我不知道。把那些还没有变成情感的感觉，在它们变成情感之前，把它们转化成音乐。我们会继续创作，希望能够与这个世界的人们分享我们所获得的快乐。为了不断拓展世界和人类认知的可能性。
丹尼尔·沃洛霍夫
14/09/2020
鲍里斯吉他手瓦塔既安静又大声……
...以及地球上最有天赋的音乐家之一https://consequence.net/2019/10/boris-guitarist-wata-feature-2019/
2019 年 10 月 15 日 | 美国东部时间中午 12:48
Wata 是Boris的三分之一成员，Boris 是一个跨流派的日本实验金属乐队，自 1996 年以来一直在推出自己品牌的独特的泥泞嗡嗡唱片。她也是那个时代最好的吉他手之一。她明确无误的音色、对未探索事物的不懈追求、挑战流派的灵活性以及纯粹的可粉碎性使她在原始技巧和创新方面都处于吉他演奏世界的顶端。虽然她谦逊的身材和安静的举止与她的演奏风格形成鲜明对比，但她在舞台上的存在感却是巨大的。
她在三十年的职业生涯中创造的汹涌的刺耳噪音和沉重的即兴重复段成为了无人机金属、污泥金属和厄运金属的基石，并引领了地球和梅尔文斯等乐队的流派向前发展。在一个缺乏真正的吉他英雄的时代，过去 20 年的金属音乐界没有比 Wata 更好的人选了。让 Wata 与 High on Fire 的 Matt Pike 或 Gojira 的 Joe Duplantier 等同龄人区别开来的最令人困惑的事情是，世界对她几乎一无所知。
显然，瓦塔对这种崇高的主张感到不舒服。这位来自广岛的女孩自称“安静的孩子，而且还是这样”，小时候就被逼着弹钢琴。她很快指出，她年轻时的钢琴练习“不是自愿的”，而且她从未真正与这种乐器产生过联系。尽管她的父母推动她学习钢琴，但他们永远不会支持她成为音乐家。“他们（当时）并不特别支持。我的父母似乎认为我这样做是一种爱好，而更像是，‘你会继续这样做多久？’”讽刺的是，Wata 的哥哥也在音乐界，并担任巡演有史以来最畅销的日本乐队 B'z 的经理。
Wata 成长于日本视觉系运动的鼎盛时期，这是一种类似于美国魅力摇滚的重金属风格，并因 X-Japan 和 Dead End 等乐队而流行。虽然从声音的角度来看，她并没有看到乐队和视觉系之间有太多相似之处，但 Wata 确实将乐队的视觉效果与那个时代联系起来，并理解独特的外观可以产生的影响。“当我十几岁的时候，我经常听他们的歌。我仍然会去看 Morrie-san (Dead End) 的现场表演，但视觉系之类的“流派”并不重要，我更被艺术家作为人类的优势所吸引。当然，在构建声音时，视觉元素也包含在元素中。如果我没有使用黑色 Les Paul Custom [吉他] 和 Orange [音箱]，公众对 Boris 的看法可能会有所不同。”
Wata 直到 16 岁才开始接触吉他，但这种联系是立竿见影的。尽管她经常练习，但直到她搬到东京上大学并与朋友一起玩独立和硬摇滚时，她才加入乐队。“表演真是太有趣了，”渡田谈到她早期的乐队经历时说道。她看似无穷无尽的创造力一直未被开发，直到她遇到了 Atsuo（鼓、主唱）和 Takeshi（吉他、贝斯、主唱）并于 1996 年组建了 Boris，乐队成员因对 Melvins 和 Pink Floyd 的热爱而聚集在一起。闸门很快就打开了。Boris 是那个时代最多产的艺术家之一，自他们成立以来，现在已经发行了 100 部作品。
和田无论在舞台上还是不在舞台上，都散发着神秘的气息，部分原因在于她内敛的性格。自成立以来，鲍里斯接受的几乎所有采访中，绝大多数的谈话都是敦夫和武的。除非直接问她问题，否则渡田的回答往往简短而零散。对于世界各地的 Wata 弟子来说，了解他们的吉他偶像相当困难。除了《She Shreds》中关于她制作音乐的方法和她最喜欢的装备的精彩作品之外在杂志上，这位女士在过去 20 年金属音乐中撕碎了一些最伟大的独奏，但在这个语言障碍不再像以前由于社交媒体造成的重大损害的时代，她仍然不透明。在各种社交媒体平台上关注乐队一段时间，你就会知道 Wata 是电子游戏、神奇宝贝和任何吉他迷的忠实粉丝，但除此之外就没什么了。
在试图揭开吉他背后的女人的过程中，Wata 似乎与她几乎每天晚上在舞台上呈现的样子并没有太大不同。尽管为了保护隐私，她拒绝回答有关家人的任何问题，但她毫不羞耻地承认自己很害羞。“（在采访期间）我需要花点时间才能想出措辞，所以即使我参加采访，谈话也会继续进行，而我会落后。社交不是我的强项。” 将音乐作为一种重要的交流方式与音乐中一样接近于毫无价值的陈词滥调，但对于瓦塔来说，这个前提似乎是合适的。当讨论她的创作过程和音乐才能时，她的回答比任何与她的个性或音乐以外的兴趣有关的问题都要长得多，而当讨论她在鲍里斯之外的频繁合作者时，对话会更加开放。该乐队与 Sunn 0)))、Ian Astbury 和 Merzbow 等艺术家发行了许多合作专辑。当被问及如此频繁的合作是否是一种挑战时，Wata 只是将其视为学习经历，“没有什么（我称之为）挑战。我只是喜欢和那些有机会接触的人一起演奏音乐。每个人（鲍里斯的合作者）都有自己的声音创意。每个人都有我没有的东西，我可以从这些经验中学习。每个人（鲍里斯的合作者）都有自己的声音创意。每个人都有我没有的东西，我可以从这些经验中学习。每个人（鲍里斯的合作者）都有自己的声音创意。每个人都有我没有的东西，我可以从这些经验中学习。她对合作的态度反映了鲍里斯长期以来一直保持重要地位的一个更大的特质——瓦塔不懈地追求进化。她成为世界上最好的吉他手之一的原因之一是因为她可以将自己独特的音色塑造成许多不同的演奏风格。她将自己的创造力归功于乐队，并表示：“总的来说，（Atsuo 和 Takeshi）创造了大框架，所以感觉就像在上面跳舞和游泳。踏板时时略有不同，就像冲浪一样。因为不同的浪潮来了，所以听起来可能会有不同的风格。” 在乐队在 YouTube 上发布一些采访之前，很容易成为 Boris 的长期支持者，但从未听过 Wata 的声音，直到乐队在 2006 年发行Rainbow之前，瓦塔第一次唱歌的地方。尽管她唱歌“仍然感觉不舒服”，但她愿意为乐队担任主唱，这表明即使进入她的职业生涯 20 年，Wata 也绝对拒绝停滞不前。尽管她对自己作为一名歌手不太确定，但她还是抓住了尝试新事物的机会。“这些诗句（我写和唱的）没有任何信息。它们描绘的是风景或场景，所以也许很抽象，但很容易联系起来。它听起来可能像是充满情感的声音，因为录音时声音被视为乐器。” 对于一位不断重塑自我的艺术家来说，当被问及是否还有什么挑战她时，她只提到，“可能是继续下去。”
Wata 和 Boris 最近通过 Third Man Records 发行了他们近十年来的最佳唱片：双专辑LφVE & EVφL。该乐队刚刚结束了另一场成功的北美巡演，庆祝他们的经典唱片Feedbacker和Akuma No Uta的重新发行，同时预览了LφVE 和 EVφL 的曲目。当讨论乐队通过新唱片开辟了哪些新领域时，Wata 很抽象。“就像鲍里斯的地图再次扩大，现在是三维的？这可能是凌乱的声音和听起来像音乐的旋律之间的联系。” 听录音会让这个答案更加清晰。这张专辑嗡嗡作响，杂乱无章，充满活力，并且同时经过计算。与乐队的许多经典作品一样，它跨越了广泛的声音范围，但仍保持着一种不祥的总体氛围，而这种氛围只能由渡田厚重、模糊、缓慢的风格创造出来。乐队的长期追随者知道要期待意想不到的事情，所以在这方面鲍里斯再次表现出色。
Wata 永远不会主张自己在金属历史上的地位，所以现在是其他人来填补这个空缺的时候了。在讨论她的遗产时，她古怪地说：“这不是我想到的事情。我并没有意识到自己（有影响力），但我非常高兴被告知他们喜欢我的吉他演奏风格。” 鲍里斯最近在巡演即将结束时在芝加哥林肯大厅进行了表演。当乐队登台时，渡的表现是典型的：坚忍、沉默、专注。当瓦塔关掉法兹以获得更干净的音调时，她短暂地靠近麦克风唱了一首歌曲。人群中响起了欢呼声，这表明他们很享受听到瓦塔声音的短暂时刻。她的歌声听起来很轻柔，声音偶尔还有些颤抖。当众人让渡用她干净的语气安抚他们时，她用测量的吉他演奏和微弱的声乐段落，用沉重的污泥即兴重复段重击了这个可容纳 500 人的房间，让人群陷入疯狂。瓦塔的声音和吉他的轰鸣声并置可能是了解瓦塔真实身份的最简单的方式。她没有隐藏或未探索过任何事情。瓦塔几乎在她进入的每个房间里都是最安静和最吵闹的人，无论她选择表现哪一边，观众都会在舞台上欢呼雀跃。采访翻译：Kasumi Billington
