《世界电影史》第2章

电影的国际化（1905-1912)

这一时期的电影在美国已经成为一种常规的娱乐方式。电影主要在一种小型的影院放映，这种影院能容纳1、2百人左右，因为这一时期电影还是默片时代，没有声音。所以电影放映的时候，影院会雇佣1、2个演奏员和1个解说员，在电影放映的时候进行配乐和情节的解说。票价通常是一个五分钱的镍币，所以被叫做镍币影院。好几个重要的商人都是在这一时期通过镍币影院进入了电影行业。比如，华纳兄弟，后来成立了华纳兄弟公司。卡尔·莱姆勒，后来的环球创始人。路易斯·梅耶，后来的米高梅。阿道夫·朱克，后来的派拉蒙。威廉·福克斯，后来的二十世纪福克斯。

镍币影院的商业价值也引发了激烈的竞争，两家大的电影公司爱迪生公司和AM&B公司互相控告对方侵犯了自己的专利权，经过几轮较量后，谁也打不过谁，于是1908年，爱迪生公司和AM&B决定合作，成立了MPPC——电影专利公司，用于控制其他的竞争对手。MPPC希望控制电影的三个方面：制作、发行、放映。规定只有获得许可的制作公司才能制作电影，只有获得许可的发行公司才能发行电影，只有获得许可的影院才能放映电影。但并不是所有的电影人都愿意向MPPC付钱，所以，那些没有得到MPPC授权的公司和影院就形成了行业的另一个市场，他们被叫做独立制片，这些独立的制片公司中就有第一章里提到的爱丽丝·盖伊的solax。1909到1911年间，MPPC几乎起诉了所有的独立制片人侵犯自己的专利，但在1912年关于“莱瑟姆环”的起诉中，mppc失败了。莱瑟姆环是放映机里使用的一个零件，以前胶片在放映中容易断裂，莱瑟姆兄弟发明了这个圆环零件，用于释放胶片的拉力，缓解断裂的情况。法庭认为莱瑟姆环的技术在更早的专利中就能预见，所以否决了MPPC的起诉，这一判决沉重打击了MPPC，同年，美国政府开始起诉MPPC的垄断行为。从此以后那些独立制片公司也不用再担心因为使用摄影机被MPPC起诉了，于是这些独立公司开始创建一种新的、更稳定的垄断，这种垄断形成了后来的好莱坞。

在法国，百代已经成为一家大公司，发明出了一套手工着色的系统，不过因为工序复杂，公司也只给部分影片着色。这一时期，电影的明星制也开始形成，百代公司最赚钱的影片都是那些由明星主演的系列片，马克思·林德就是其中之一。林德既是导演也是演员，他的特点是表现那些在社会活动中所遭遇到的尴尬情景。高蒙公司也建了新的摄影棚，雇佣了更多的电影制作人，爱丽丝·盖伊对这些电影人进行了培训，自己也拍了一些更长的影片。在爱丽丝离开高蒙去了美国后，路易·费雅德接替了她的工作，路易·费雅德后来也成为了无声电影时期最重要的电影人之一。这一时期几家小的公司也崭露头角，其中电影艺术公司拍摄的《吉斯公爵的被刺》讲述了法国历史上一个真实的事件，这部影片首次进行了在银幕上表现人物心理活动的尝试，比如这个片段，公爵来到会议厅，周围的人都在寻找着合适的时机想要刺杀他，公爵也感受到了这个氛围的异常，想通过恫吓来震慑他们，双方在心理上进行着博弈，这部影片成为电影由杂耍向艺术过渡的重要标志，著名音乐家卡米尔·圣-桑还专门为影片制作了用于伴奏的音乐，首次出现了电影原创音乐，影片成功以后，就开始了一个用名作家、名导演、大题材和富丽场景来拍摄影片的时代。

在《吉斯公爵的被刺》拍摄的同年，意大利的安布罗修公司也制作了一部历史片《庞贝城的末日》，1910年，导演乔瓦尼·帕斯特洛纳制作了长达三卷的历史片《特洛伊的毁灭》，都是一些大型的历史片、史诗片，所以这个时期意大利电影就与历史奇观片画上了等号。意大利除了这种大型的历史片，也制作一些小型的喜剧系列片，比如这两个在当时比较出名的角色“罗宾尼特”和“珀里德”。

在丹麦，1906年，奥尔森成立了诺帝斯克，1912年拍摄了以马戏团生活为背景的影片《从马戏团圆屋顶跳上马背上的死亡》,这部影片讲述了一位伯爵为了偿还自己欠下的赌债，到马戏团去找了份工作，期间陷入了两个女人的爱情纠葛的故事，全片40分钟，比同时期的影片有更紧凑的情节和更强烈的情感。

在英国，布莱顿学派的希塞尔·海普华斯拍摄了《义犬救主记》，影片讲述了一个婴儿被拐走，父母焦急万分之际，家里一只忠实的牧羊犬独自出门，寻找小主人踪迹的故事，这部影片被称为是这一时期剪辑最流畅，观感最自然的电影。

这一时期的电影故事变得更长，更复杂。在没有声音、没有对白的情况下，如何让观众更好的理解影片中讲述的内容，成了制作者需要解决的问题。所以制作者们对于“电影叙事”清晰度的问题进行了探索，逐渐产生了一系列延用至今的视听语言。视听语言，不是平时说话的语言，它是对电影在传达信息时所使用的一切方法的统称，包括三个大的方面：画面、声音、剪辑。这一时期初步产生了纵深调度、机位、色彩、场景、灯光、剪辑在视听上的应用。

纵深调度是让演员或物体在画面的纵深方向活动，营造一种真实的空间感。

机位就是摄影机的位置，这一时期摄影机的摆放位置和景别也丰富了一些，不局限于常规的站立拍摄位置，而是可以选取不同的角度。景别除了全景以外也可以有中景，格里菲斯在《彩妆女郎》这整部影片里，都尝试用更近的镜头拍摄演员，当时有个概念叫九英尺线，就是说摄影机不是放在距离演员12英尺或者16英尺的位置拍摄，而是距离演员仅仅九英尺的位置，让观众更能看清演员的面部表情，所以彩妆女郎整部片子都没有一个从头到脚的全景，最全的这个景别脚也被裁掉了，看不到全身。不过当时也有一些评论员是反对这种景别的，他们认为裁掉人物的下半身感觉很不自然。

色彩，这一时期，有些影片也会通过对不同场景进行染色，来贴近生活中真实的感受。比如战争或者灾难用红色；夜晚户外的场景用蓝色；夜晚内景用琥珀色；野外森林用绿色；白天用棕色或者紫色。

场景，这一时期场景的搭建也更大型，更真实。比如盖伊1906年的这部影片，场景的搭建更有层次，尤其是后景。以前的后景为了节约成本，通常只是在一块巨大的画布上绘制图案，而盖伊搭建了仿真的实体城墙，演员可以在上面表演，使整个画面会显得更加生动真实。

灯光，这一时期，摄影棚已经开始使用简单的人工光源，给场景和人物打光。

剪辑，这一时期的剪辑，已经初步形成了组接镜头的三种方式——交叉剪辑，分析性剪辑、邻接性剪辑。交叉剪辑：就是把两个事件的镜头来回切换，通过这种方式，观众能明白这两个事件是同时发生的。比如《逃跑的马》，赶马车的人走进一座公寓，马在门口发现有一袋食物。接下来，画面在赶车人公寓内发生的事件和马吃食物的事件之间来回切换，通过交叉剪辑的方式，使观众能感觉到这两个事件是同时发生，并行发生的。在《孤独的别墅》里，格里菲斯把交叉剪辑用得更加成熟，男人得知家里遭遇劫匪，妻子和女儿躲在卧室，而劫匪准备要撬开卧室的门，画面就在男人、贼和家人三个事件来回切换，营造出了一种紧迫感，产生出了悬念的效果。分析性剪辑：把某个空间分解成多个不同的取景画面的剪辑方式。现在的电影里，一个场景会由很多个镜头组成，但在当时一个场景并没有很多的镜头，往往一个场景就是一个镜头。在这个时期一个场景不再局限于一个镜头，比如一个远景镜头展示整个空间和人物，然后再用一个更近的镜头来让观众更清楚地看到正在发生什么。可能把分析性剪辑翻译为分解性剪辑更好理解一些，因为这种剪辑方式就是把一个场景分解为多个镜头，然后再把多个镜头组合起来。邻接性剪辑：在某个空间里，人物走出画面，然后出现在另一个邻近空间的剪辑方式，这种方式通常用在运动追逐类影片中。后来人们发现，保持运动方向的一致性有助于观众理解空间关系。比如人物从画左出，再从画右进。观感上是连续流畅的，但如果从画左出，还是从画左进，观感上就很奇怪。这是源自与生活中真实的观察习惯，比如生活中我们观察两个人聊天，在眼睛里是这样一个画面，当A离开，我们的视线随着他过去，自然就形成这样一个画面，而不会形成这样的画面，除非我们瞬移到了另外的方向，所以这不符合生活中人们观察事物的基本习惯。

后来也衍生出了好莱坞的180度规则。180度规则就是指观察两个人物的最大角度，不超过180度。两个人物中间这条线就是轴线。在拍摄人物对话的时候，摄影机一旦选择了位置，就不要超过这条线。这样观察两人对话才是自然舒适的，后来把这种拍摄方式称为正反打，在现在的电影里180度规则和正反打已经是最常见的拍摄方式了。