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下（易燃易爆炸   山海   假行僧   我）

20180311《歌手2018》第八期

——心中前三：李泉，华晨宇，KZ

《易燃易爆炸》华晨宇

      华晨宇的这一版《易燃易爆炸》，因为仓促改歌，在结构编配上和天籁版大同小异，但是，出发点不同了，一切都不同了。

天籁版本，体现的是“燃”和“爆”。

      巴洛克风格的羽键琴、弦乐、合唱给了这首歌一种紧张和对抗感，花花也把这首歌唱得极有张力，而且如许多人所说，巧妙的表达了对大众各种求全责备妄加指点的怒怼。

      但在我心目中，那一首《易燃易爆炸》只是一次有古典气质的、符合花花特点的任务式改编——更好的版本依然是原唱。

      因为这首歌的女性意识，女权意识太鲜明了。在男权社会中，女性甚至还不是一般意义上的“弱势群体”，而往往还被加上了种种规定和要求。

      这让我想到前几天三八节，对“妇女”这个词的讨论。当然，在古汉语里，妇女两个字分别代表已婚和未婚的女性，所以用来指代所有女性，本这是没有问题的。

但是在现代语境中，这个词地位却很奇怪。

      首先，对于Women’s Day来说，women是一个和男性(Man)完全对应的常用词汇，可是，“妇女”这个词，我们却几乎找不到与它对应的男性词汇，是一个孤立的存在；而且往往，和“妇女”连用、并称的是“儿童”，这就已经给妇女这个词蒙上了一层父权、夫权的阴影。

      其次，妇女这个词的盛行，是在解放后，国家为了打破封建思想、提升女性地位而提倡的，它朴实无华，去除了一切性别标签，充满了劳动者的气息，符合了当时鼓动全国人民一起建设国家的大背景。这本身出发点以及效果都是极好的。但从更苛刻的角度来说，这个词依然隐含着生殖力和劳动力的诉求，在赋予女性劳动者、生育者的形象，依然是一个社会对女性提出的框架要求，随着时代的变迁，女性们渐渐不喜欢这样一个弱化性别特点的词汇，也是情有可原的。

      然而，取代妇女节的，却是“女王节”、“女神节”这些奇怪的叫法，仿佛在这些日子，男性就应该俯下身来假装女性至上。甚至朋友圈流传这这样看似温馨的段子：孩子们，今天，牵着妈妈的手，带着爸爸的钱包，跟妈妈去逛街。这句话实在让我恶心透了，实际上，不管是“女王”“女神”，还是“爸爸的钱包”，折射的都是换汤不换药的男权社会对女性定位的臆想和规范，这当然不是所有男性的想法，但敏锐的商家是最忠实的晴雨表，它们消费着并鼓动消费着这些臆想和规范，固化着社会的刻板成见，让女王、女神们今日的处境，未必比“妇女”同志们好一些。

      所以你看，即便是公认的有性别平等意义的“妇女”这个词，依然在试图在“要你如何，又要你如何如何”而今日更隐蔽的不平等又如何消解？

      陈粒以女性的角度，虽然仅仅从恋爱关系出发，而演唱这首《易燃易爆炸》，依然其意义、其抗争的力量，都是无可取代的，并不输给张惠妹那首更直接更锋利的《母系社会》——甚至，我认为《易燃易爆炸》还更好一些，因为它的出发点不是在一个道德的高处，一个理性的批判，而是一个有个性、有独立思想、有鲜活情感的女性最切身的不满、愤怒和嘲讽。这恰恰是存在主义的，也是最有力的。

      说了这么一大通，再回到花花《歌手》的这一版。虽然看起来和天籁版似乎很像，但恰恰因为有着逝者的背影，让这首歌从纯粹自我的发泄表达，变成了震撼人心的悼词和挽歌。华晨宇一袭黑衣，仿佛死神的长袍，一张嘴，便已经是不同的感觉：相对天籁版平铺直叙的进歌，这一次显然华晨宇唱得更精致、更细腻，使用了更多口腔的共鸣，并在每句末用弱声处理，显得更为抒情和伤感，而进入“赐我梦境”的B段，B4左右混声高音时也没有使用之前稍微带几分桀骜的处理方式，而是《孩子》式的飘渺空旷。这一整个段落，就为这首歌设定了一个更忧郁的基调，仿佛在抚摸着逝者的发梢，回忆她的人生，讲述她的种种抗争。

      我并不了解尚梦迪的经历，也并未看过她的其他作品，但能写出《易燃易爆炸》的歌词，她的内心一定是有着同样的冲突和不满的。

      于是进入到后面在合唱烘托下的爆发段，以及最后靠着麦架无力伏下的动作设计，便触目惊心的成为一种代入式的演绎。华晨宇此刻，超越了对自身境遇的吐槽、超越了自我表达的层面，已经和尚梦迪的精神、陈粒的精神、和无数被求全责备的女性的精神合为一体，而进入了更高的、为她人发声的境地。当他最终唱完最后一个字缓缓垂下头，我仿佛看见最后一滴眼泪的流尽，最后一次挣扎的徒劳，最后一次委曲求全的哀艳，最后一声忿懑而无奈的叹息。在这一刻，每个人都好像肃穆的站在葬礼的现场，观看着这死亡的直播，感受到这个灵魂所呼喊的一切，感受到这个世界的冷酷锋利。

      这一刻，我也恨死了在台下尖叫“华晨宇”的那个毫无敬畏的女生。

20180318《歌手2018》第九期

——心中三票投给汪峰花花kz

《山海》华晨宇

      最后，花花这首歌，情绪复杂，技巧极致，层次跌宕，是汪峰外我最喜欢的歌。把他排进前三是不用犹豫的。当然，我在微博上说，我还是更喜欢原曲，就有花花的歌迷来和我探讨。

      我是这样说的

      草东那张砖虽然丧，但是和汪峰式的在丧和鸡汤之间彷徨是不一样的，那是一种激烈到用全部血肉去自杀性反抗的丧，是一种承认和面对时代的大势后清醒的拒不合作。华晨宇解决好自己问题自己的冲突就可以了，就平静了，世界与他何干。这种态度其实也是年轻人的普遍态度。但草东不是这样，是绝望的看着这个世界，虽然向山海走去，还是不能独活的。这或许是不合时宜的情怀了。

      我在这里其实并不是说这两种取向孰高孰低，常常虚浮的愤世嫉俗忧国忧民远不如血肉真实的走向内心。但是，就算华晨宇这一版逻辑成立，改编巧妙，戏剧性极强，也打动到了我，但原唱副歌第一句就击穿了我的灵魂。这只是的主观感受，也是最强大真实的理由。如此而已。

20180324《歌手2018》第十期

——有两票是easy choice，华晨宇和JessieJ，第三票给了郁可唯

《假行僧》华晨宇

      我们是怯懦的。我们已经越来越娱乐化的时代（是的，如同配套设施般的，鼓励我们“上进”、催动我们焦虑的商业化社会，也一定提供了最掏空人麻醉人精神的娱乐工具，让人上瘾，让人依赖，让人退化），让我们愈发的不敢揭开、不敢直面。

      像我写文章时，就会每每感触到，许多情感，许多事情，不能往深处说，不能太切己而诚恳的说——因为那必然会接触到真实的血肉，触碰我们深深隐藏的灵魂，那必然会要我用刀片，去划开自己的心灵——往往的，我们的创作和思考，还不是一把冷酷而精确的手术刀，而是一把并不锐利、锈迹斑斑、需要反复切割厮磨才能把血肉筋脉撕裂的钝刀。心中的颤抖，胃部的抽痛，甫一切割，我们就已经觉得难以忍受。于是，我们总是草草缝合，投入到忙碌的工作与麻木的娱乐中去，那样活着更轻松不是吗？

      华晨宇则不一样，他是敏感的，但他又是坚强和勇敢到可以直面这种切肤锯肉的疼痛的。就像他能唱出至今我还不敢认真听的《癌》，他有着艺术家那种残酷的天赋，始终带着那把钝刀，插在身体里，带着血迹沉着前行。

      在这一期歌手里，华晨宇自己对于这首《假行僧》，有着长长的vcr解读。他的假行僧，在演唱之前，解释权当然只属于他。但正如所有伟大的艺术一样，每个见证者，心里都会有自己的感触、自己的形象。因此，我还是愿意回到现场，回到没有任何先入的无知状态，来重新拾起当时跟随着一个个乐句被震撼，被惊骇，被征服的历险。

      一开始，阴沉的钢琴，单调的弹奏，勾勒出一个彳亍独行的音乐形象。奇异的是，华晨宇的低音在现场出乎意料的有磁性和包围感，让人一下子就调整了呼吸，跟随着他的旅程。“我是谁”的“谁”用叹息的方式唱出，让人感到了一种深深的压抑。接着，是飘渺的吟唱，仿佛海妖危险的歌声，又仿佛幽幽洞穴里不详的回音，让依然行走在单调和弦上的旅程更加的迷茫不安。

      邪魅诡异的笑声让我背后一麻，我立刻意识到这是一个不同的表演，华晨宇在解放他的封印，将他真实的自我裸露出来，有明亮的，更有黑暗的、扭曲的、拉扯的东西。

      于是他立刻单手遮住了脸，仿佛在抑制自己的情绪，又仿佛是在拼命保护那一面已经破碎的面具，保护面具后面藏得深不见底的东西。

      直到此刻，我还是感觉到，副歌的B4，发声位置似乎不太对，导致有硬憋的干涩感，但很快我意识到这是他有意选择的方式，那充满挣扎的煎熬，又在两次整整18拍、仿佛无情而绵长的岁月般的长音中，被磨洗压平，如同镇压那只渴望自由、诅咒神佛灰飞烟灭的心猿。

      琴声开始流淌起来，加速了一倍，吟唱的主题这次以强声出现，又是一个长音，桀骜的尾音处理把情绪冲突带向高潮。于是副歌部分再次以加速后的节奏呈现，这次刻意的撕裂唱腔更加明显，唱腔在这里愈加的黑暗化，仿佛藏在人性后面兽性的嘶吼，更像是魔鬼借着人的手摧毁美好时的恶毒嘲讽。其实音乐进行到这里，已经接近五分钟，再加上一个尾声，就可以算非常完满了。但是，此时吟唱部分第四次出现，接续着分叉的声音，神经质的笑声，又带来了更加撕扯的情绪，那种天人交战的沉重，深深的揪住了每一个人的心灵，此时那琴声急促如织，让人想起白居易著名的诗句，嘈切间，铁骑突出、暴风骤雨，在现场的时候，我们完全被这癫狂疯魔的铁壁笼罩，随着华晨宇的声声嘶吼呐喊，被抛入深渊，同那一声沉重的砸键声一起，摔成齑粉。

      那时，请不要责怪我们破坏了这死寂的氛围，已经有太多的情绪随着这音声呼啸压在了我们的心上。我们必须同样呐喊，我们必须同样发泄。

      但华晨宇的呼吸声重新让现场安静了下来，我们稍稍得到释放的心再次被攥了起来，听他回归式的用第一段的处理方法，来结束整首歌，仿佛这一切挣扎都是一种西西弗斯般的无尽循环的苦难。

      是的，华晨宇的这首歌，看似用了太多近乎口技的技巧，制造了太多声效，意象纵横，却完全让人不感觉驳杂，不感觉炫耀。看似这是一场音乐剧式的夸张表演，却因为每一丝情绪，每一分力量全部来自这个灵魂的内部，而如此的动人。他演唱这首歌的状态，一人，一琴，周边唯有慢慢长夜，空气中唯有自己的呼吸。如此简单，如此原始，仿佛回到文字之前、语言之外，回到最古老的音乐，最直接诚恳的表达方式。“独坐幽篁里，弹琴复长啸。”、“来往不逢人，长歌楚天碧”

      好的艺术，从不需要在文辞上叙说解释得太多，我们已经会感受到共鸣，感受到灵魂上的触动，无数的意象会借着情感的触发，从我们身体内部迸发出来。华晨宇的音乐是压抑和黑暗的，但我们藉由华晨宇的歌声，如同温峤点着了犀牛角，照向幽暗的河面一般，往我们心灵深处一照——

      那沸腾的，恐惧的，柔弱的，呼叫着的

全部被唤醒了。

      我在这音乐的子夜里，

      看到了每一位求索者内心的挣扎和煎熬

屈原既放，形容枯槁，彷徨山泽，在楚王旧庙的呵壁问天。

默罕默德饥饿虚弱中在虚空中听见“请诵读”的召唤。

王阳明在龙场那个万籁俱寂的深夜，内心的山崩地裂。

但丁在黑暗的森林中遇到三只猛兽，而走向的地狱。

克尔凯郭尔在信仰的危机中对婚约的毁弃。

尼采注视着、也注视着尼采、并最终令他疯狂的深渊

萨特注视着的，让他感到可怕、恶心、真实的那棵栗树。

我也听见了贾宝玉温香软玉的太虚幻境里，那深有万丈、遥亘千里的迷津沉重的呼吸。

我也想起了把Diablo封印入自己额头的英雄，终于在漫长的行走中，变成了暗黑流浪者，目睹了身边的苦难和死亡，重新堕落为魔。

还有佛罗多戴上魔戒是，感受到的邪恶的诱惑和召唤。

      是的，我们的心灵里，藏了多少美好，便也藏了多少恐怖。

      常常我们想要拥抱这些美好，就一定会与这些黑暗共舞，被它们割伤。这是这个世界的真相，但不是这个世界的全部。

      不管多么疼痛，不管多么绝望，如果我们害怕了，逃走了，我们就变成了华晨宇所歌的假行僧。

或许，这才是真正的极刑。

      在评论李泉的《一生所爱》的时候，我曾经提到他这首歌隐隐然代表了中国另一类不同的、狂放的审美。那是属于庄生、阮籍、李白、朱耷的狂歌痛饮。但我没有想到，这些话语我写早了。华晨宇以这《假行僧》一曲，更极致的、更贴切的诠释了这种亘古传下的长歌的魂。

      一人一琴，吟啸天地

      弹出三尺微命的五蕴七苦 弹遍万八千世界的神佛鬼蜮

      如古筝 如古琴 如磬 如笙 如百鬼嗔喜 如万壑相呼

      这是最血肉的拍击和歌唱 也是最浩大的天籁

      当华晨宇一曲唱罢，我一身冷汗，与旁边的听审们面面相觑。

      我们都被彻底的震撼到了。

      我在现场听过谭晶、韩红、黄绮珊千锤百炼发聋振聩的共鸣，惊叹过过迪玛希天外来客般的浑厚胸声和极限高音，感受过过现场价值连城的音响中的bass和鼓点在每个人胸腔中的震动。我知道震撼是什么感觉，但这一场华晨宇给我的震撼，是超越这一切的，因为它是超越感官，直击心灵的。

      这种东西什么呢？

      看到过一个有意思的说法——其实这是一个大审查的时代。其实，政治上、道德习惯上的敏感禁区实在只是小小的一个角落；更大的审查来自于商业的力量，来自于每个人的顺从和惰性。我们已经太过习惯于快餐化、碎片化的阅读体验，即便偶尔有微弱的抵抗，依然还是身体很诚实的不自觉的在微博、朋友圈提炼着精简、有趣、刺激的文字。我们已经让自己相信这是时代的需求，这是大众的文化，流量和传播意味着一切，因此，太多的内容，我们甚至未加抵抗和顾虑，就自己对它们判处了死刑。

      于是，大众文化就只能在我们共同的添砖加瓦中，越来越滑向低端，滑向感官，滑向庸俗和短暂的刺激。其实，这个竞争激烈的舞台，也一直在向歌手们发出这样的诱惑，不是吗？

      可是华晨宇在这个夜晚展现的，是完全跳脱商业，完全自我的东西——即便是往届的《柿子》、《欲水》、《凤凰于飞》这一届李泉充满艺术性的《一生所爱》《哪怕我很小》，都依然是在大众流行的框架内，展示一些不同的、不那么快餐的、更高层次的东西——华晨宇则不同，他直接无视这些框架，无视大众口味、传播需求的拙劣审查，回归本心本源，旁若无人的恣意袒露，疯狂倾吐，隐隐然，已经与席勒、高更、勋伯格这些表现主义大师遥遥相望，与屈原、阮籍、王洽这般走在时代前面、同样不拘于时代审查的古人心有灵犀。

      此时的华晨宇，翱翔于音乐之上，凌驾于技巧之上，抟扶摇而上九万里，自由而幸福——当然，依然带着他身体里的那把刀。

      我也见过许多地下乐团自以为行为艺术的表演，但其杂乱的章法、粗糙的技术和未经提炼的情感，实在相差太多。这首歌，主歌、副歌、吟唱三个部分交替呈现，全在华晨宇一琴的掌控之中，不断盘旋，不断研磨，不断上升，最终爆裂，这种淋漓，纵有很多音乐剧式的表演成分，光是“行为艺术”完全无法涵盖。

      宋柯评价华晨宇是“下一代的中流砥柱级的歌手……这种孩子必须夸”

      这个评价落在排名和真实水准并不符合的《我管你》上时，我曾经深不以为然：我不否认他的优秀，但“必须”两个字何来？难道可以脱离具体表演进行先入为主的判断？

      但在这个夜晚，这首摧毁我的《假行僧》唱罢之际，让我起立，让我举起双手，让我声音嘶哑，让我用尽全身力气鼓了一分钟的掌——不是因为礼节性的、对歌手的尊重，或是气氛性的被现场情绪感染——而是向伟大艺术的由衷的致敬。我心里莫名的就冒出了这样一句话：这样的艺术家，必须珍惜。

      在我心中，有许多的名字、地点和年份

David Gilmour和David Bowie的Comfortably Numb，Royal Albert Hall，2007

Michael Jackson 的Dangerous，MTV颁奖礼，1995

Queen的We will rock you，1981

Guns N' Roses 的Knockin'On Heaven's Door，东京，1992

coldplay的viva la vida，英格兰，2012

p!nk空中的Glitter In The Air；Lady Gaga，Elton John的Your Song格莱美，2012

……

      我曾以为，这些奇迹的时刻，这些刹那的永恒，我只能神往，只能钦慕，只能膜拜。这些都是音乐的传奇。

      但，华晨宇的《假行僧》，2018年3月15日，湖南长沙。

      在我心中，至少在这个表演，他已经和那些伟大的名字并列在了一起。

      甚至，我会有这样的想法，这一整季的歌手，都是冥冥之中，为这首歌的存在而安排下的。

      即便这首歌注定不会成为街头巷尾不断播放洗脑的爆款

      它作为如此绝对、如此强悍、如此特别的艺术现场表演

      第一次在公众媒体上播出，第一次震撼到如此多的心灵

      我相信，它一定会一再的被回忆，一再的被描述，一再的被提起，一再的被追随。

      当十年、二十年以后，依然有人提起这个表演的时候，

      我会微微带着自负，带着第一次听到它时激动的余温，告诉大家：

      “当时，我就在现场。”

20180410《歌手2018》第十二期

——心中四票：华晨宇，腾格尔，李泉

《我》华晨宇

      腾格尔斯琴高娃两位老艺术家的表演，不仅仅是个人能力和修养，更依托了如此强烈的民族情感、家园情怀、时代伤痕，以至于厚重如森严绝壁。

      于是接着演唱的、极端个人的、自我的《我》，便似乎是要以一个渺小个体的力量，去对撼这山壁；以一个脆弱灵魂的呼喊，来与一个民族的亿万英灵争鸣。

      我仿佛看到的是齐天大圣孤独的背影，面对十万天兵天将的天罗地网。如此悬殊悲壮，况且，就算是齐天大圣，也终会力竭、败下阵来。

      华晨宇是怎么做的？致敬，但不复制。

      两年之前，我借着蜜月旅行的机会，去了向往已久的纽约大都会博物馆。

      巍巍斯馆！深不见底的馆藏，不断在眼前炸开的一件件伟大作品、一个个伟大名字，让两天的泡馆时间都如此短暂。妻子在男神莫奈的睡莲前开心得像个孩子，而我则被西奥多卢梭的丛林深深攫住心智。

      但是，你要问在大都会最震动我的一件艺术品是什么。

      我会说，就是这个中式庭园“明轩”。

       每个贸然踏进明轩的游客，都会有种猝不及防的感觉。装饰现代、人来人往的走廊，突然如同时空切换般，只一扇门就来到了粉墙黛瓦之中。阳光斜斜从玻璃天顶洒下，如同一切回到过去的梦境；芭蕉、假山、长廊、泉水，猝然的安静如同一记耳光。

      作为一个土生土长的苏州人，我当然知道这个庭院的传奇。网师园、以及东园的那个试做品，都是我从小奔跑玩乐的地方。但是，它们总是喧哗嘈杂的，唐突的几步，就能从这头跑到那头。流连在一步一景的园林之中，这样一个庭院，若非总是有特别的解说，它漂洋过海被复制到了美国，都太容易让人浮光掠影匆匆路过。我从前怎么也想不明白，这样一个普通的庭院，为何能代表苏州园林的美。

      踏进明轩的那一刻我明白了，恰是因为明轩，不是网师园里的殿春簃啊！

      陈丹青曾经说过，一幅作品是有它的环境的，只有挂在它本来的美术馆、属于它的那面墙上，这幅作品才是完整的。因而，明轩绝不是苏州园林的复制。它突兀的出现在人来人往的博物馆，如此精确的还原出苏州私家园林本来应有的宁静素雅的气质，本身就是一种艺术表达。殿春簃的那面墙是网师园，而明轩有着自己的这面墙，它是大都会二楼北翼、中国悠长意蕴的致命一击。

      所以，回过头来，聊聊华晨宇的这首《我》。标志性的服装，照搬的歌曲框架和大致不变的编曲，甚至一开口，都和当年哥哥的语气、质感如出一辙。如此虔诚的致敬，却不能掩盖华晨宇本身强大的个人特质——同明轩一样，看似复制，却挂在“华晨宇”这一面墙上，形成的是另一件独特的、完整的作品。

      “我”，又是个很幽深的问题，打开了讨论，也许再写一万字都不够。哲学几乎所有的命题，都围绕着“我”展开。“我”是一切的出发点。

      我与世界、我与他人、我与非我，永远在拉扯，在妥协，在对抗。

      我的存在，我的价值，我的意义，永远在怀疑，在自欺，在寻觅。

      人被抛到这个荒唐的世界上啊，很难知道什么是对，什么是错。每个人都有每个人的伟大学说。但每一种正确，都似乎都不那么正确。唯一能抓住的着力点，也不过是个“我”字。我的卑微，我的自豪，我的乖张，我的温柔，我的平凡，我的不同，我想要的，我不要的，我的底线，我的下限。只有当我自己先去接纳、去审视、去拥抱了，然后再去面对世界、他人对我的反应，对我的好与坏，才会真正找到自己的一条荆棘之路。

      因此，《我》这首歌是独一无二的，恰在于曲作者、演唱者张国荣这一面丰富的背景墙。当我每每看到电视选秀里，那些捶胸顿足、穷形恶状演唱《我》的歌手的时候，我心里总是会近乎冷酷的问道：你是谁啊？你的“我”，真的有琉璃屋，真的有孤独的沙漠，真的能开放得赤裸裸么？

      华晨宇有。看他一路走来，即便不用关心他的家庭、成长和个性，仅仅听他的歌，看他的创作，就会发现无处不在的“我”的影子。从致敬式的那首《微光》，到每年仪式性的歌唱，以及他每首歌里散发出的敏感与坚定，我们可以感觉到那个灵魂的不安和挣扎时不顾一切的巨大力量。

      在这首歌里，我们听到了他罕见的使用了强转弱的情歌式唱法，听到了他从胸口喉间挤压出来的哭腔，看到了他孤独无依又充满渴望的眼神，脆弱抽搐的肢体。

      得益于更强的演唱能力，华晨宇版本相对张国荣的录音版本，升了3Key，从B升到了D，也不再多升，让最高音在最纠结、表现方式也最丰富的换声区绽开。前两遍主副歌还是比较平衡的混声，然而，当最后的副歌响彻，华晨宇突然爆发出如此强大的胸声，仿佛真的是在用全部生命在歌唱，全部生命去碰撞，全部的生命去绽放，绝望的神态与这巨大力量的对比，恰是“最坚强的泡沫”完美的演绎。

      是的，《我》这首歌是个人的、内心的、微不足道的呐喊，但这种渺小而猛烈的力量，却隐隐然来自于一首比父母、比草原更古老、更原始的歌谣。那是属于生命、属于人的咏唱。

      于是我突然明白，其实腾格尔和华晨宇两首歌的对比和对峙是表面的。我们会发现，那磅礴的原野、奔腾的河川中，每一个灵魂，都曾经如此的孤独过彷徨过呼啸过脆弱过也自我发现自我绽放，独身去面对整个世界的不解和默然。腾格尔的宏大叙事里装不下、藏不住的，依然还是“我”面向父母之地仍无家可归的孤独和挣扎；而无论是张国荣，还是华晨宇，他们伟大的自我坚持和自我救赎，其实像极了那些父辈诗歌中咏唱的故事——或许，我们唱给孩子们的歌谣里，就有他们。

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