一、熟练度、耐心

1、多画

熟练不会影响画的好，也就是不会影响结果，结果可以是通过堆砌时间堆砌精力肝出来的。但是会影响绘画速度（其实是效率），也就是单位时间内的产出。排除视频加速之外，如果画家原速就画的很快，只能说明其熟练度高而已。注意并非画的多就一定可以画的好，因为需要遵循正确的方法和步骤等，但是画的快一定是熟练度高，是画的多的表现，也就是画的多对应的是速度熟练度效率，但是不是对应的画的好。画的好，是结果，画的快熟练是过程，画的好和方法有关。只有方法正确，才能画的好。在画的好的前提下再去追求画的快，也就是熟练度。不然画的速度再快也是涂鸦，是乱画瞎画。

如果你画的足够好了，这时候你如果能够通过提高熟练度，进而提高绘画的速度，那么单位时间内你的产出就变多，你的受益就会变大。有的时候，画的好等同于画的精细，而这就和画的快（效率高）成为了一种矛盾。具体要偏重产量还是精细，则是需要根据个人和实际情况取舍了。

2、耐心

更多的时候绘画需要耐心，也就是耐得住性子、沉得住气，作画的时候足够专心、一心一意，坐的住。绘画是一项需要耐心、细心的工作。对于缺乏耐心的人很困难。而且也因为绘画是一项精细活，又非常耗时。因此意外的很费体力，为此需要画一段时间就休息一会儿。一般是每画30分钟休息10分钟左右，注意保护眼睛视力、以及保护颈部和腰椎和臀部的血管和骨骼、肌肉。过度疲劳的状态也会影响作画效率。不良的身心状态对工作、绘画效率都有影响，因此要注意保持好心情。抑郁情绪会导致不自信、烦躁等情绪，导致拖延症的发生，导致工作效率低下。

保持自信，保持平常心。心态要放平和，不可以急躁，不能着急。心态必须平稳，保持微笑，保持健康的心态。可以通过适当的运动和社交来调整身体健康和心态（心理健康）。网络虚拟时间普遍比较浮躁，因此需要适当的少上一点儿网，多关注一些现实中的自己身边的事情。

3、勇敢

要敢于原创(创作)，哪怕画的烂。要敢于模仿，哪怕被说抄袭。记住大佬们也不是上来就开始原创的。很多绘画大佬都是从画同人作品开始起步的。童年的黑历史、“瞎几把画”暂且不谈，找一个自己喜欢的作品，然后创作它的同人作品简直就是原创的必由之路。通过画“半原创”的同人作品积累经验，养成创作者的思维方式，逐渐的就可以取得巨大的进步。

4、喜爱

喜欢才能坚持学习，坚持学习才能进步才能越画越好。生活需要有激情，绘画也是一样。画家是创作者，不是没有感情的激情。对绘画有一定的热情、热血、喜爱是必须的。

二、绘画学习方法

1、报班

既然只靠多画很难进步需要正确的方法，那么绘画的学习方法又是什么呢？专业的美术教育培训机构或者学校，以及专业的美术教材。当然很多此类学校或教材更偏向于应试教育，有填鸭式教育的问题。不过无论如何此方式都是知识、画技提升最快的最稳固的。美术高考就如同普通高考一样。每个人回想起高考前的经历都是心有余悸，但是不得不说这样的学习方式是最有效果的。因为人有了压力才能进步。但是高考之后呢，或者说高考之外是否有靠谱的学习途径，或者有哪些公开的知识可以用来自学。

2、监督

对于大多数人来说自学都是困难的，主要的困难的点在于自制力的不足，毕竟人的本性是好逸恶劳。找学校找老师反而是最具性价比的学习方法。因为自学非常容易走弯路、一个人容易钻牛角尖，遇到不懂的问题自己很难无法解决，为此浪费大量不必要的时间和精力。而时间就是金钱，时间就是生命，绘画作为一门古老的技艺，花费大量精力去解决古代先民已经解决过的问题未免显得太过愚蠢。

3、搜索

但是毕竟培训班很贵，而且也未必就一定靠谱，比如老师有可能不负责任什么的。只让学生在那里干画，然后偶尔说一些云里雾里让人难懂的话，感觉钱都白花了。这时候就需要其他学习途径的辅助了。首先是绘画专业书籍，其次是网络上的文章以及视频教程。有些老师自己画的很好但是不擅长教授，而通过书籍和网络，有更多画的好而且擅长教育的大佬存在。有不懂的问题，也可以直接通过搜索的方式，通过网络快速的找到答案。就如同老师在身边一样。缺点是网络上的诱惑太多，很容易分心，导致学习效率低下学不下去。所以多花钱去学校的好处就是有人监督，而且同学、环境等因素所造成的学习氛围也更好。

三、绘画学习方向

1、素描

单纯的多画不讲究方法通常只会是浪费时间，对于新手来说尤为如此。绘画技法不仅能够让你画的更好，也会让你画的更快。只有在掌握了这些技法之后，再多画才会有意义。而这些所谓的技法其实并没用很多，也就是一些基础概念、一些基本原则，以及一点绘画工具的使用方法而已。

提起基础，我们总是会想到素描。但是素描又是什么？它到底哪里重要？素描就是单色画，就像是黑白照片相比彩色照片一样，除了没有色彩之外，其他的和彩色画并没有什么区别。因为色彩也包含了很多维度，尤其是色相种类繁多，自然的颜色（可见光）可以说是无穷的，区别仅仅是波长（频率）不同，可以无限细分。另外还有饱和度、以及颜色相互之间的影响比如配色、对比、临近、冷暖，以及工具所带来的透明度差异。

2、体积

素描由于只有单一色相（通常为黑白灰色），只是明度不同，画面本身剔除了色彩后，更偏重于形状、线条和质感。尤其是其中的形状，可以说是绘画造型的基础。所谓造型就是塑造形状，就如同头发造型、服饰造型、人物造型中的造型是一个意思。素描通常是把现实中的物体（通常是3d的，有时是2d的作品或照片的临摹）以近似立体的方式呈现在2d的画布、纸张上。而要想让2d的画作呈现出立体的3d效果（仿佛3d一般）则需要使用例如透视、光影等技巧。

素描一开始都是先画石膏几何体，然后再画静物，然后是石膏人体，从各个拆分部位开始画起，然后是头像、半身像，全身。最后再上真人模特以及真实风景写生。从易到难，从简单到复杂。可见画人体是一件非常困难的事情，特别是画真人。不仅更为复杂，而且是不断运动变化着的。

理论上说，所有的复杂物体都是由简单的几何体组成的，这也是画几何体的原因之一，为了掌握简单结构物体的立体感，进而方便掌握复杂结构物体的立体感。

3、透视

透视是一种自然现象，和眼睛、以及照相机的成像原理有关。简单来说就是一种近大远小的效果，符合数学几何学的规律，其近大远小的扭曲程度主要受到焦距以及物体和镜头相互距离的影响。绘画中的透视通常舍弃复杂的数学计算，直接被简单粗暴的归纳成以下几种，一点透视、两点透视、三点透视以及五点透视。

4、质感

质感材质是单色素描可以表现的。为了营造出较为丰富的质感，需要使用不同的工具，利用不同笔刷、笔触的效果。以及控制运笔的速度、力道大小（轻重）、以及握笔姿势等。数码绘画中材质也可以通过照片贴图的方式完成，或者特殊的自制笔刷。

5、明度

关于明度，又称灰度、明暗。其实一方面是受到物体本身的固有色的影响的，也就是物体本身的颜色深浅。另外则是受到了光的影响。也就是所谓的光影。关于光影，主要是受到了光的影响，所谓的三大面五大调，为受光面（亮面）、背光面（暗面）、明暗交界线、投影、高光、反光。光影受到了光源性质（颜色、体积、形状、数量等）的影响，特别是有多个光源的时候物体的光影也会变得更加复杂，但是只要了解光影原理，也就是了解光源是源自光源对物体的照射导致的，只需要根据多个光源，分别绘制对应的三大面五大调即可。其实反光就是来自于其他物体的漫反射，也可以看作是来自于主光源之外的另一个光源。拍照时为了让暗面更亮以显示更多细节，会使用反光板来反射太阳光进行补光。当然有时候更是会直接用其他的灯光来进行打光以丰富画面的光影效果。可以说只要理解了单一光源的光影原理，就理解了多个光源情况下的光影画法，只要一个一个的叠加即可。

有时候颜色脏，很多情况下是明度（光影）错误，注意不同的颜色（色相）也是有各自的明度的，比如黄色比紫色明度更高。暗面和投影不能比亮面更亮。如果画错，就导致了物体的结构发生了错误。就像是本该光滑平整的亮面里出现了暗色的凹陷（坑），而同样应该光滑平整的暗面里出现了突起（鼓包）一般，所画物体就显得更加坑坑洼洼的，很不整齐、美观。这也就是为什么要先学单色素描并且单色素描很重要的原因。

6、色彩

色彩也是一个非常复杂的知识点。对于初学者来说，首先要意识到色相、饱和度、明度、透明度、对比度、暖色、冷色、对比色、相似色、固有色等等这些概念，了解其中的原理，从而在绘画中有所区分，以便熟练使用。另一方面，要尽量的多去模仿一下大师的作品或者是自己喜欢的作品，看一下分析一下哪些画的好的作品里是如何使用颜色的。无论是素描还是色彩，市面上都有很多的专业书籍单独讲解，网上也有单独的视频课程。绘画的每一个单独的知识点，那些难点、复杂的东西，都有专业的教程的。所以说，绘画说容易也容易，只需要纸和笔就可以开始，但是说困难也是真的非常困难，知识越学越多，越学越复杂，想要画好还真是需要下很多功夫，真正的绘画学习也不是一朝一夕的事情。不过对于其他的专业课程的学习其实也都是遵循这样的原理，一般人如果不打算把绘画当作职业，只是当作业余爱好，那么只需要学习一些基础即可，就如同数学，小学是算术，中学是几何、方程，大学则是微积分、矩阵。

7、运笔

笔触也称为线条，但是实际上不只是线，而是所有的点线面。没错！所有的笔触广义上都算是线条，点也是线条(这也是斯巴达)，面也是线条（这还是斯巴达），只要是人手通过不中断的一次性一笔画出来的点、线、面（笔刷）都是线条（全是斯巴达）！

这些点线和面本质上是工具，也就是为了达到最好的画面效果，画家根据意愿和需要主动选择的。笔触类似于笔刷，顾名思义，是和笔本身的性质有关，硬笔、软笔、以及颜料的性质，造成了一部分的笔触效果。而另一部分，则由画家的运笔方式决定。表现在下笔的力度、握笔的方式、运笔的速度上。为此需要观看、学习大师的运笔方式，同时自己多多尝试、多多练习才行。

总体来说画的过程要慢。想好了再下笔。其次是下笔的力度要轻，不要太用力，有时甚至只需要微微的夹住笔的程度即可，轻到轻轻一碰笔就会脱手的程度。之所以这样，是因为用力过重会导致线条生硬抖动，不够生动流畅，也会导致粗细和明度变化一下子达到最粗，导致线条缺乏粗细变化、非常死板。而如果放轻松，则笔触的自然抖动会为线条带来自然的质感、走势变化。不仅更加美观，也比较省手省关节（预防腱鞘炎），省笔省纸省橡皮省颜料（笔尖和颜料更耐用）。

眼睛尽量不要死盯着笔尖位置，而是要稍稍错开一点，类似于用余光看。要关注线条的整体走势。画细节的时候同时留意整体，从而把握画面整体的平衡。

线条除了粗细变化也可以有颜色变化，可以尝试使用棕色代替黑色，或者根据物体的颜色使用不同的线条颜色。

主要的线条、轮廓、前景、阴影等使用较粗、较深（低明度、高饱和度）的线条，细节、内部、背景、材质等使用较细、较浅的线条。临摹或写生时画纸与对象尽量处于同一角度（平行）、视线位置更为接近，便于观察。临摹或写生的对象最好可以被同时观察到，例如使用眼睛的余光看到，而无需低头或抬头。画纸尽量保持直立，与地面保持一个接近垂直的角度，至少不是完全平行与地面，例如平放在桌子上。

画结构、草图的时候尽量下笔更轻一些，这样更有助于画出流畅的长线条。不使用手指和手腕为轴，而是使用小臂甚至整个胳膊为轴移动画笔作画也是更容易画出流畅的长线条。握笔的时候手部距离笔尖的距离，以及握笔的姿势也有影响，不过总体来说，觉得握笔姿势个人觉得怎么舒服就怎么来，不一定像写字一样保持确定的姿势。

8、工具使用

所谓的基础广义上也会包含工具的使用。对于过去来说除了素描，也就是用的铅笔、炭笔那些，就是水彩、水粉甚至是油画工具。工具使用当然是有技巧的，需要学习，更需要靠多画多练习来熟练的。现在因为数码绘画工具的普及，软件的使用也成为了所谓的基础。所以谈及基础问题，那么就一定要明确到底是哪方面的基础，是人体还是透视还是笔触还是工具使用。因为所谓基础包含的东西实在是太多了。

9、构图

绘画相对于人眼真正的好处在于可以控制构图，这一点人眼也是有的，但是不完善，其实也就是绘画是边框是人为的可以剪裁，类似于影片的剪辑，可以手工的人为的后期去去除不好的部分，可以对拍摄出的画面进行取舍和后期处理。因此绘画所画画面并非一定是人眼所看到的画面，可以是一部分。这一点摄影师对相片也可以做到。但是绘画与摄影最大的不同还是对画面的整体的原创性，可以对物体的安排进行更多的修改或者重画和删除等。这一点摄影则走向了修图PS，也导致摄影和绘画更加相似了。也因为绘画和摄影都可以认为的选择角度、构图以及剪切画面，导致绘画和摄影在仅就构图这方面的技法是几乎完全相通的。摄影学和绘画都有专门讲解构图的书。都是一整本的例子可以套用学习。

四、绘画主题

1、目标

要画原创作品首先需要先明确目标，也就是确定画什么。绘画的选题和画面内容很大方面决定了绘画的原创性。不是单纯的为了画的像或画的细，而是更加有针对性、有目的性的去创作。

最好先有一个目标，带着这个目的、目标有针对性的去学习。比如先找一个方向，一个主题，然后试着进行创作，等遇到困难了再通过学习去解决。如果先去学，首先会忘记，而且不实践的话根本没有真正学会。因此，还是必须一直画原创、去尝试去创作才行，临摹可以，但是要有目的、有针对性的去临摹，以学习为目的的去临摹。

有时候故事剧情的重要性远大于画面画功的，有时画风、人物需要让位于剧情。人物的内心以及外观设计并没有那么重要，比如一拳超人的原作漫画。有时候设计人物并没有那么重要，或者说设计人物并非最重要的。尤其是对于有剧情的作品，比如动画、漫画甚至是小说的插画等。因为人物设计需要根据原作的原本的文字设定、情节来，外形和性格不能有大的改编。如果人物设计和原文、和情节故事相冲突，或者画师喜欢的人物设计和原作本身描述的人物形象差别太大，那么就必须放弃相关设计。剧情已经拟定了角色的性格、身份、性别和年龄等。那么只需要按照这些设定来进行人物外观的设计即可。这时候设计人物就不是考虑画家天马行空的想象和发散思维能力，而是考验你能否画小孩、老人、大叔等不同性别、年龄段的人物的问题。以及你能否根据故事情节画出对应的背景，比如丛林、机械、建筑之类。这就需要画手除了会画自己喜欢画的，还需要兼顾一些自己不喜欢或不擅长画的东西。也要进行创作和学习练习，也就是所谓的多画(各种东西)了。

做设计的过程有点类似于发散思维，也就是进行联想。我们不仅可以自己想，也可以借助朋友以及网络也就是AI的力量。通过搜索引擎搜索关键词，来通过机器联想出类似的物品。这个过程和找参考图类似。只不过是更偏向于语言和文字，也就是想法性质。如此进行人物外观、性格等设定，或构思故事的情节、世界观等。说起来容易做起来难，但是非常有必要去尝试，因为没有这个过程你就永远也无法进行原创了。

2、灵感

关于画什么？绘画的题材选择、灵感来源，可以通过以下这些方面：

1、 首先准备一个小本（记事本），手机备忘录也可以，随时记录灵感（以防忘记）。

2、 用手机随时拍照记录生活、记录素材。

3、写日记。晚上在床上、外出散步、运动时，突然想到的胡思乱想。细节和心理活动、感想等都详细记录下来。

4、自己看过的书籍、新闻、电影、动画、漫画、插画、以及玩过的电子游戏等。

5、朋友聊天中得到的有趣故事。

6、自然形成的随机污渍斑点、木头花纹，奇怪的图案组合出的画面感？

7、听音乐有时候也能激发灵感。

8、经典故事、套路的改编或重新演绎。改编喜欢的作品，同人，二次创作。

9、实在没有灵感的话，也可以先尝试着硬着头皮乱画一段时间，画着画着也许就有想法了。

10、可以尝试先放空大脑，或者先去做些其他的事情休息一下。有时候越是想要有灵感越是想不出来，去干些别的事情分散一下注意力，灵感就有了。最好是稍微运动一些，但是不要太过劳累。

11、有时你需要的是一个监督者，催稿人，一个截稿日。

12、理论上如果你经常思考灵感，经过一段时间的锻炼，灵感获取会变得更加容易一些？

13、籍由客户的需要，使用别人的灵感或想法，自己只负责实现和细化。

14、缝合，把不同的不相关的题材组合到一起，比如花朵、闪电和音乐、天气等名词或事物。

15、拟人，把不是人类的任何东西试着变成人形或赋予生命。

16、从生活中常见的事物中获得灵感。季节天气、家具、生物、星球、小物件、地理、历史。

五、绘画步骤

1、草图

有了题目我们需要进行创作了。我们首先的问题是要把文字转化成图像。或者把大脑中一些粗略的图像转化成精细漂亮的图像。最新的AI软件绘画技术也是用的和真人绘画相似的原理，通过一些关键词来生成画面内容。但是目前软件的问题是这些关键词、要求不能太多，电脑程序不能理解，也不能和像人一样进行复杂深入的构图交流。电脑目前的能力还不是真正的智能，只能对一些简单的词进行反应。理解不了复杂的句子甚至是情绪音调和语气助词。话扯远了，我们说回真人作画。真人可以和客户进行真正的构图，一定要了解好客户的需求，一开始就进行大量的沟通。当然作画过程中也要随时进行沟通，草图和配色阶段要不断和客户确认。一旦进入正式绘制阶段，尤其到了后期细化阶段再想做大的修改就非常的麻烦了，需要重新绘制很多东西，甚至完全修改重画。对双方的时间和精力都是一种浪费。

绘画是一个大工程，需要花费大量的时间，为此需要有一个计划。然后按照这个计划按部就班的去完成画作，才能让大型、复杂的作品变得有完成的可行性。因为是工程，所以没有必要一次性完成，中间需要休息，因此先有一个粗糙的草图，就如同工程的图纸一样，方便你之后接着前面的工程继续建设。

绘画的过程的特点是每一步都要保持精准正确。可以使用各种方式，先要决定构图，然后要把握好大的结构。画人的话就是先画人体结构，先画躯干和头，然后再画四肢，最后画手和脚。最后再加上头发、五官细节和衣服、褶皱。画歪、画错很正常，即使是专业画家也会手滑画错。因此需要随时进行修改。

2、辅助线

草图的很重要的一部分就是各种辅助线。其中包括透视线、结构走势线、结构正中线、横截面线等等。其中大部分辅助线和透视相关，都可以认为是广义上的透视线。而其中正中线、则是为了防止把例如左右眼睛等对称的物体画歪。

而闭合的线就组成了面，有了面就有了立体感。哪怕光影（明暗）是立体感的重要表现手法之一，可以很好的强调立体感，但是即使只有线条，而不画阴影，依然可以表现出物体的立体感，而且让绘画的问题（错误）变得更加明显和清晰，以方便发现问题，以及改正问题。结构素描或者素描，一般是作为正式上色细化的正式作品的草图使用的。也就是细化之前先打草稿，把复杂的问题简单化，进行分解，即对区块区域的画面层面进行分区域的分解，又是对时间上步骤上的分解。从整体考虑，先完成大的结构再去画小的结构细节，以避免后面着重刻画细节时不至于忽略了整体的平衡。

3、 修改

不要害怕修改，不要偷懒不去修改。修改是绘画的一部分。失败是成功之母。大师们也都是要修改的呦。有错误改了就好。这是计划（绘画）的一部分。

画错（犯错误）是难以避免的，即是是大佬也会犯错，画错了修改正确即可。在不断的修改、尝试中完善作品，好的绘画作品就是一点一点花时间磨出来的。所谓的好饭不怕晚。

站在巨人的肩膀上，别人走过的弯路没用必要自己再走一遍。

虽然有些时候，走弯路是不可避免的，因为光是思考不去行动无法解决实际问题、无法进步。因此不要害怕犯错，要勇敢去做。

多画，并且尽量靠着修改画的更好。绘画要多修改，有错误或不满意的地方要及时第一时间订正。修改的过程就是进步的过程。有问题提早发现提早治疗，越是到后面越是不好修改。需要修正的地方变多，牵一发而动全身，而且对于之前为了画改掉的部分而花费的时间也是浪费。时间和精力都是得不偿失。同样的，越是到了后期修改越是困难。因此约稿的时候都是尽量在前期草图阶段就敲定大的构图和人物动态等。而随着你的画功逐渐精湛，你需要修改的次数会越来越少。但是次数少并不意味着不用改，因为即使是大师也会犯错，有时这些错误可以不算做错误，而是成为一种风格。当然早期，对于初学者而言，还是要尽量避免这些的。大师有时是故意犯错。明知故犯。而初学者则通常是根本发现不了错误所在而犯错。正是说明了自己的技术不扎实，需要练习。

认真谨慎的完成每一个作品，认真的画好每一笔。下笔要谨慎，发现错误要及时修改。即使是因为各种原因导致没有完成的作品也要注意保留好，不要随便丢弃。通过时不时的审视自己之前的作品，既可以通过看到自己一直以来的进步从而获得自信，也可以从中发现错误改正错误，或者得到一些灵感。

即使是专业人士也是从初学者一步一步的成长起来的，即使以及成为专业人士也会偶尔犯错误，也有做不好的时候。关键在于不放弃，遵从正确的方法，以及一个相对比较明确的目标。

所谓绘画，就是不断的修改画错了的地方，让所有的线条和颜色都正确，呆在它们应该呆的地方而已。人们常说，绘画就是亿点细节，绘画是加法（摄影是减法），创作就是吹毛求疵，一丝不苟，精益求精之类的。但是一切细节（或者说是细化）都是建立在目的（为了让作品更美，更和谐，讨人喜欢或引发共鸣之类）的基础之上的。因此，我们必须时刻认识到我们要把重点（细节、也就是精力和时间的付出）放在哪里，我们到底要表达什么，我们要达到什么目的。而这个目的通常就是作品的主题（主旨）所在。

4、完成度、细化

除了进行一些有针对性的训练(练习)时，可以只画成速写草图、构图、结构或者只完成局部之外，你的“作品”必须是认真的画完了的。所谓的画完是说，尽你的最大努力，对画面有最严苛的要求，比如细节方面一定要做好。而且有任何不满意的地方需要进行修改，一直修改到细化到你满意为止。并且背景方面也是需要有的，而且也要比较完整和规范。如果你这样的对待一幅作品，倾尽全力，然后画好之后发表或好好的保存起来。过上几个月再拿出来看，与你的新作品比较后，就会发现旧的作品的问题所在，以及你自己的进步了。不是任何东西你都有时间有机会把它们细化到完成。但是只有你倾尽全力完成的作品才能让你发现自己真正的问题。因为草稿总是不完美（包含问题的），而这些问题会在成稿时被修改掉，但是如果你的能力（观察力眼力、对透视结构光影色彩等的了解）不足，你的完稿依然会包含这些问题，那是你在当时无法改掉的问题。等你随着能力提高，画的越来越多，学习和看的越来越多之后，你会发现这些问题，并在新的作品里改进之。这样你就是真正的进步了。保留你的画作，最好连草稿（草图）、练习也都保留，这样可以使你随时翻阅，不需要很花时间，就是偶尔看上一眼，你就可以和过去的自己对话，并且发现独属于你的问题，并且及时改正之。这就是绘画跨越所谓“瓶颈”的最好办法。

绘画类似于建筑工程的一点在于，必须小心谨慎，必须有耐心，以及必须遵循正确的方法，也就是想要画的好必须得是专业人士。而且即使有了专业人士，即使是专业人士，必要的工期时间也是必须的，赶工是不行的，是一定会变成豆腐渣工程的。对于绘画来说，就是光有理论知识是不行的，必须得实践、实操，而且只是实操还不行，还必须认真、缓慢、小心。慢工出细活。下笔的时候一定不能着急，下笔要谨慎，纵使有Ctrl + Z撤销，也要尽量在下笔之前多思考一会儿，至少心里要有一个基本的轮廓、想法，胸有成竹。

5、检查

完成后的检查(检查错误，修改错误，检查细节，完善细节，保留好作品或者发表)。完成作品后还要放置一段时间，目的是看下有没有遗漏的地方或问题。保证作品提交和发布的时候没有问题。

6、保留

请注意保留好这些过去的作品，手绘作品最好是通过速写本，数字绘画则是按时间分类放到固定的文件夹里备份和保存。你可以随时找出你以前的作品，用以和现在的作品进行对比，发现自己的进步。你也可以尝试把几年前的作品重新绘制一遍，以同样的主题或者构图，这样更能了解到自己相比过去进步了多少。

即使是因为各种原因导致没有完成的作品也要注意保留好，不要随便丢弃。通过时不时的审视自己之前的作品，既可以通过看到自己一直以来的进步从而获得自信，也可以从中发现错误改正错误，或者得到一些灵感。即使是专业人士也是从初学者一步一步的成长起来的，即使以及成为专业人士也会偶尔犯错误，也有做不好的时候。关键在于不放弃，遵从正确的方法，以及一个相对比较明确的目标。

六、风格、审美

1、审美

画风属于审美的范畴，审美因个人和时间、立场、地位、时代等发生变化，重要的是表达，也就是内容、想法、创意。在刚开始学习绘画的时候，选择画的好的(或喜欢的)作品或画家来模仿，或者找画的好的人来教。闭门造车是无法进步的，先画了再说。画风并不重要，所谓画风通常是随着你不断的创作自然而然形成的。通过不断的画，你的个性、个人喜好会自然而然的显现在自己的作品中。等你画的足够多、足够熟练之后，你的个人画风就会自动显现。

了解风格的本质，多思考。画风、画法是建立在结构之上。在讨论画风之前，先要保证结构正确。

因为审美是非常个人的，所以没有必要为了它而争论不休。大多数人的审美也未必就是好的。要相互理解、尊重。没必要因为自己的审美和大多数人不一样就去特意迎合改变，除非是你自己的确想要这样，不是被强迫的。

理解、赞同、包容他人审美。这样你才能走出自己的小圈子，去根据客户要求画各种各样的画风。理解客户的要求。当然有些时候客户的选择确实low。这就要看情况，去沟通，除非对方给的实在是太多了。说到底就是一个相互合作、又相互博弈的过程。

2、风格模仿

天下文章一大抄，就看会抄不会抄。薅羊毛不要光照着一只羊薅。如果你抄袭了一个作品的80%，那么通常无论如何也是无法洗白了。也就是通过多种参考缝合的方式。尤其是要参考多个风格，尽量创造出自己的风格。模仿的过程中也要尝试做出改变、加入自己的想法。

如果一位画师的某些个画风画法特点过于突出，没有其他画师使用，那么就需要谨慎了。其实所谓的大众脸画风就是不断被抄袭模仿的产物，所谓抄的人太多了法不责众了属于是。通常来说画风抄袭不算是抄袭的，但是这只是法律层面的。一切还需要具体问题具体分析。正如之前所说，如果你所借鉴的正好是这个画师的画风的主要特点的话，那么还是小心为好。而且如果是恶意主观的去模仿就更不好了。出事了以后道歉是必须的。

如果是初学者私下里临摹、模仿是可以的，如果公开出来就必须注明临摹。直接临摹复制就犹如拍照或打印一样，其实不包含任何创造的。初学者通常开始觉得自己临摹的很像，也不能说明就学会画画了，因为绘画本质上是创作。复制粘贴基本上毫无意义。更别说是拿复制的画作去赚钱牟利了，哪怕只是给原作者造成了困扰也是不行的，该赔偿赔偿，该道歉道歉。临摹大佬的作品正确的目的还是为了学习，不能非法侵占别人的劳动成果，损害他人合法权益。

模仿正当红的还在使用的特殊角色IP是风险最大的，而你去模仿古人比如文艺复兴时期的艺术家，或者那些不属于特定角色IP的，单纯只是流行的被普及了的画风或画法是没用问题的。有问题的是人物（IP），就类似于肖像权那样。对此同人作品就属于灰色地带了，如果官方比较包容那就没有问题，如果像迪士尼一样就不行了。

避免抄袭或出现版权问题的方便还是尽量原创，在参考的使用方面也尽量选择自己制作，比如自己拍照（针对风景类）或朋友之间相互帮助当模特（针对人物姿势类）。学习一定的人体解剖结构知识，适当的尝试摆脱对模特的依赖。场景也是，透视原理的熟练掌握必不可少。