一些玄学的音乐风格速度，调式色彩，节奏分组文（真的看看就好了）——音乐性那些事
说起“音乐性”这个词，大部分人会想到什么那，我想到争议最大的是
一些非常技术性的，“速弹”，因为这个类型一直是“音乐性”争议的重灾区，你说它技术很强吧，确实，但你要讨论它是否属于“悦耳”的音乐，则众说风云，一方面，因为音符间距短，这种表现方式，会给音符带来“压缩感”，一方面，是过于依赖于链路中效果体现音响效果的做法，是否还属于“音乐”范畴的讨论。
那么，这次主题就从3个角度来对“音乐性”发表一些属于个人的体会吧。（接下来话题可能争议很大，但考虑了下，还是写了，一方面其实是我自己想写）
是压缩给多了，还是压缩感多了？
有人言，为什么软音源已经有被开发如此成熟的前提下，音乐制作人们，依旧会去选择性的
去录制乐器，如果一定要给与一个理由，那就是，在”这个信号被压缩前“，乐器本身会拥有更多的”音乐性“，
这个名词很抽象啊，
但就像是被制作成软音源的声音波形已经被数字化了一样，在录制入数字环境前，这个乐器的表现力相对就不会受制于编码格式带来的动态限制，而可以有更多低频的“律动感”的细节或者说属于10k以上频率的”呼吸感“
压缩处理也是，虽然可以加大一个音频本身的headroom，但也相对在损失着这个乐器本身的”音乐性“，
（也是非常多现代乐器的通性，为了音色能在音乐作品中”突出来“，而选择性将前级的增益，调制的非常大，同时带来的影响就是，因为作为一个波形能量最大的低频被大量放大，而导致高频信息的减少，而使得音响上显得“暗“，响
最终因为要再次被放大的原因，呈现的就是偏”高频被压缩的，低频比较贴脸，偏“现代”质感的声音）
2.是不是风格的关系
不同风格所突出的对象是不同的，就比如流行乐人声永远是主体一样，但相对的，一般人声也不会需要一个非常大动态，我们会更加希望它有更多“细节”而不是纯粹的“响”或“一惊一乍”
但，这也会随着音乐风格而有着不同的考量，因为如果完全从音乐角度来说，“成立”是一个风格成为风格的原因，而后来的都是“模仿”，这种配器，这种表现方式，被接受并传播，才形成了一种风格的存在，
所以就像hip-hop大类人声都喜欢一惊一乍一样，一些节拍比较稀疏的风格就更加会追求一些细腻的声音。
但如果反观一些比较极端的，前卫的风格的时候，这种强压缩感的表达又会成为一种合理的表达形式，体现了一种迫切感。
3.表演的成分对比技巧
我们去听早年录制在磁带上的音乐作品的时候，总是不自觉会感觉似乎“声音更好”，当然如果是音质，或者说磁带质感这些比起来，那现在的hifi应该早已经将它甩了一大截了，但为什么，有些人依旧会这么觉得那？
我觉得是因为，表演，是呈现作品一个非常必要的一部分，当歌手/乐手作为一个作品诠释者去表演它的时候，如果心里思考着这个声音在后期可以被如何加工，
心理上就会缺乏表达的意愿，但如果这个歌手/乐手理解中，这个声音是无法再次被加工的，那么表达这个行为就会产生一种“迫切感”，因为我的这次表达无法被挽救，所以我这一次一定要表达的非常“正确”的这种暗示会更加强烈，最终会逼迫我们的表演者能够表演出更加有“艺术性”的表达
这就是我个人对于音乐性，这个词的理解，不知道小伙伴们怎么看，艺术是来源于生活被加工的事物，发现美的能力可能远远大于系统化的学习，这可能和工业化的制作是大相径庭的。
